8 страница. Но вот пример молодых режиссеров, которые пришли на "Мосфильм" (я говорю это не в упрек)

Но вот пример молодых режиссеров, которые пришли на "Мосфильм" (я говорю это не в упрек). Начиная работать, они с места в карьер выкладывают рельсы. Здесь интересен опыт режиссера Ордынского, который снимал картину "Секрет красоты",-очень способный молодой режиссер, очень серьезный. Он сиял блестящие пробы для этой картины, где в крупных планах (потому что у него не было декорации) были сняты бреющиеся посетители, девушка, которая стрижет, председатель комиссии, который оценивает результаты стрижки, стиляга, которому сняли волосы, и т. д. Художественный совет умирал со смеху на просмотре этих проб.
Затем ему построили большую парикмахерскую с большим количеством зеркал, и он снял эту картину в беспрерывном движении панорам. При ее просмотре не возникало даже улыбки. В чем же дело? Дело в том, что беспрерывное движение камеры можно было организовать только в затылок посетителей. Камера беспрерывно ездила позади посетителей, следила за парикмахерами, посетителями, приходящими членами комиссии. Зритель иногда видел их отражения в зеркалах, но в основном были уши. Естественно, что это не вызывало смеха, потому что вы не могли заглянуть в глаза этим людям.

Когда я спросил: "Почему ты так странно снял?", он удивился: "А как же организовать движение камеры?" Я говорю: "Зачем организовывать движение камеры? Если посетитель сидит на месте, парикмахер его стрижет, объект неподвижен - чего ты ездишь? Что изображает эта езда?"

Он переснял картину на статических точках. Получилось значительно смешнее, потому что стали видны глаза.
Эти два примера говорят о том, что увлечение ездой камеры не всегда бывает целесообразно.

Откуда возникла эта проблема, которую я сейчас излагал вам в несколько облегченной форме на примере перегибов?
Человек рассматривает мир в непрерывном движении и как бы в непрерывной панораме. Вот сейчас, когда я разглядываю вас, мой взгляд как бы все время ездит по этой аудитории. Как бы быстро я ни перекидывал взгляд справа налево или спереди в глубину, тем не менее я вижу все время плавно соединенное, не резаное, не монтажное зрелище, а как бы все время проплывающее передо мной. То же самое происходит на улице, в машине, в автобусе, в трамвае - мимо вас Проплывают дома, перекрестки, люди. Это происходит всегда. Поэтому, когда камера освободилась от неподвижного штатива и впервые были узнаны способы съемки с движения, особенно развившиеся в звуковом кинематографе, когда нужно было следить за говорящим человеком, то вместе с наблюдением за актером, который ходил в мизансцене (а ему нужно было дать максимально длинный кусок игры),- вместе с тем обнаружилось очень важное свойство движущейся камеры: жизнеподобие этого метода наблюдения. Это действительно очень похоже на жизнь.
Кинематограф могуч целым рядом свойств. Это - могучее зрелищное искусство; это - могучее актерское искусство; это - могучее искусство в целом ряде своих поразительных свойств: выделение крупного плана, наблюдение детали, преодоление пространства и времени и т. д. Но одним из самых серьезных свойств кинематографа является то, что он, опираясь на фотографию, чрезвычайно жизнеподобен, а люди в искусстве очень любят узнавать жизнь. Так же как часто, глядя на закат, люди говорят: "Ах, как красиво! Совсем как на картине. Если бы нарисовали, никто не поверил бы",- так и наоборот, если в театре изображается рассвет или похоже несутся облака, это вызывает, как правило, аплодисменты. Людям приятно, что они видят похожее на жизнь в этом иллюзорном искусстве.
В кинематографе сам по себе рассвет или несущиеся облака мало кого могут восхитить. Он настолько жизнеподобен по своей природе, что ни лошади, которые в театре могут вызвать огромный эффект, здесь его не вызовут, ни пожар сам по себе, если он не грандиозен и тем не примечателен, никого не восхитит. Но если в театре хорошо сделаны отблески пожара в окнах и при этом дано какое-то звуковое оформление, а режиссер еще догадается пустить несколько искр и дым,- непременно будут аплодисменты, потому что это похоже на жизнь, а раз похоже, то уже в этом условном искусстве театра вызывает восторг.

Кинематограф, который очень похож на жизнь, может эксплуатировать эти свойства искусства тогда, когда эта похожесть почему-либо еще возрастает. И вот съемка с движения дает режиссеру в руки способ делать необычайно жизнеподобные построения. Это вовсе не значит, что жизнеподобие панорам, наезда, проезда или отъезда, соединенное с очень естественной работой актера, с декорацией, которая сделана совершенно естественно,- что это есть наиболее выразительный способ съемки эпизода. Иногда, наоборот, это совсем не выразительно, хотя очень похоже на жизнь.
Эта похожесть на жизнь заложена в природе съемки с движения, потому что она аналогична нашему взгляду; она связана еще с одним обстоятельством: человек не только рассматривает событие, но ведь он всегда так или иначе в нем участвует и, участвуя в нем, смотрит обычно с какой-то движущейся точки зрения.

Представьте себе, что по улице идет толпа - первомайская демонстрация. Вы не только видите эту движущуюся толпу, но если вы еще и идете с этой толпой, то у вас получается дополнительная динамика восприятия: движущаяся камера может поставить зрителя как бы на место участника события. Он движется вместе, вторгается в гущу толпы, передвигается по улицам или внутри помещения. А вы все знаете: камера, ее точка зрения, ее поведение-движущееся или неподвижное, рассматривающее зрелище монтажно или в непрерывной цепи движения - отражает скрытую точку режиссера, на место которого становится зритель, когда смотрит фильм. Он рассматривает это событие глазами камеры или того, кто за камерой стоит. А раз так, то подвижная камера как бы активизирует зрителя, во всяком случае, она заставляет зрителя двигаться вместе, предположим, с толпой.

Когда кинематограф был очень молод, работали его первичные эффекты, например, восхищал водопад, море, идущий поезд. Лет сорок-пятьдесят тому назад в Москве, в Александровском саду, стоял такой аттракцион - "Путешествие по Швейцарии за 5 копеек". Это было оформлено как вагончик, рядом была маленькая железнодорожная касса, где продавали пятикопеечный железнодорожный билет, на котором было написано: "Путешествие по Швейцарии. 5 копеек". Вы входили в вагон. Там стояли скамейки, направленные в одну сторону. Впереди был экранчик. Давали три звонка, свисток кондуктора, гудок паровоза, свет гас, и на экране возникали швейцарские пейзажи. Они были сняты с передней площадки паровоза, то есть все время двигались на вас. И больше ничего. Но так как они ехали на вас и вы сидели в вагоне, эти движущиеся пейзажи производили тогда очень сильное впечатление. Это как раз и есть пример панорамы, при которой зритель как бы становится соучастником события, сам движется. Конечно это очень наивный способ, и было это пятьдесят лет тому назад, в младенческие годы кинематографа, но тем более он показателен. Мы сейчас перестали это так ощущать, мы уже не ахаем, когда аппарат приближается к мосту, а в те годы ахали и даже взвизгивали, потому что зритель действительно ощущал себя едущим.

Освежение этого восприятия кинематографа и движущейся точки произошло, судя по рассказам товарищей, в самое последнее время, с изобретением синерамы. Синерама - это расширенный широкий экран. Если широкий экран имеет отношение 2 : 1, то здесь 3:1. Это очень широкая панорама, даются три изображения с трех постов. Это, так сказать, чрезвычайно широкий экран, экран огромного размера. Картинка, которая впервые показывалась на синераме, называлась "Путешествие по Америке". Снята она главным образом с самолета, причем снова эксплуатируется то свойство кинематографа, которое эксплуатировалось пятьдесят лет тому назад, когда кинематограф только зародился. Беспрерывно проплывающие на синераме пейзажи сверху вниз и снизу вверх создают настолько реальное ощущение движения, что у многих зрителей вызывают морскую болезнь. Не знаю, насколько морская болезнь имеет прямое отношение к искусству и его восприятию, но, во всяком случае, эффект несомненный - зритель чувствует себя движущимся, летящим.
Когда мы теперь показываем нормально, на нормальном экране картину, в которой происходит беспрерывное движение камеры, мы не ощущаем уже себя движущимися, но подспудно это движение остается как ощущение соучастия в событии.

Есть много чрезвычайно разнообразных случаев, когда применение съемки с движения не только целесообразно, но даже, я бы сказал, совершенно неизбежно, и вы его ничем не можете заменить. Прежде всего, это те случаи, когда вам надо абсолютно доказательно предъявить зрителю одновременность двух событий, происходящих в одном месте, или двух явлений, происходящих в одном месте. Хотя вы монтажной съемкой и создадите эффект того, что один человек глядит на другого иди что это происходит за углом, а то - здесь, но это никогда не бывает так доказательно, как если вы повернетесь с аппаратом и обнаружите происходящей тут же рядом. Я приведу такой пример из одной старой немецкой картины, догитлеровской. Там идет демонстрация. Она снята с уровня мостовой, и естественно, что идущая на нас толпа выглядит очень внушительно, но, поскольку это нижняя точка, вы поначалу не видите, сколько людей в этой толпе, вам все перекрывают фигуры переднего плана. Демонстрация приближается к аппарату, аппарат на кране начинает подниматься вверх и раскрывает море движущихся демонстрантов с верхней точки. Они идут со знаменами - мирная рабочая демонстрация. Аппарат поднимается, поднимается и вдруг поворачивается, и мы видим, что за углом стоят пулеметы, приготовлены войска и через несколько секунд демонстрация столкнется с этими войсками.
Если бы мы сняли это монтажным путем, в 3-5 кадрах, мы никогда не добились бы такого точного ощущения достоверности опасности, которая находится за углом, с одной стороны, и такого постепенного раскрытия масштаба демонстрации - с другой, какого мы достигли, поднимаясь вверх панорамой.

Панорама незаменима, когда она раскрывает масштаб события. И здесь есть элемент постепенного раскрытия масштаба.

Возьмем такую панораму, как проход героев, когда-то очень хорошо прозвучавший, из картины "Летчики" Райзмана, где нормальное объяснение между командиром летной части и одним из летчиков происходит в то время, как они идут по аэродрому. Картина была снята в 1934 году, когда у нас не было еще такой мощной авиации. Сейчас она, может быть, не произвела бы такого впечатления, потому что сейчас мы знаем об этой мощи. Сделана была панорама так: герои идут очень долго, говорят о своих делах, а за ними беспрерывно проплывают стоящие на земле самолеты. К концу панорамы неизбежно возникали аплодисменты - не тому, что говорят актеры, а тому, сколько самолетов стоит на поле, какая мощная у нас авиация. Это возникло во время хода камеры, в результате простого количественного накопления, которое переходило в новое качество. Никаким другим способом съемки, кроме панорамы, такого результата вы добиться, конечно, не смогли бы.

Или возьмите панораму Герасимова из "Молодой гвардии", где показано вступление немцев в Краснодон, или из картины "ВиваВилья!". Это тоже глубоко осмысленные панорамы, которые раскрывают масштаб события.

Во всех случаях такого применения съемки с движения или панорамы она несет ясно выраженные смысловые или эмоциональные функции, в то время как при бытовом использовании камеры, движущейся за актером, очень часто смысл заключается только в том, чтобы создать видимость подвижной, свободной мизансцены.

Вы знаете, что сейчас, в звуковом кинематографе, мы все стремимся к тому, чтобы снимать максимально длинные куски органического актерского действия, развивающегося по логике, заложенной в этой сцене, и не резать сцену на крупные планы, не дробить ее на отдельные куски. Как образно говорил когда-то Герасимов, он ненавидит съемку, при которой общий план снимается до обеда, а потом покушают, попьют чай и снимают из этого общего плана укрупненные планы актера, который нахлебался чаю, и, в зависимости от того, какой был чай, получается план. Актер может быть огорчен и голоден, или сыт и благодушен, во всяком случае, не в том виде, в каком снимался на общем плане.
Универсального рецепта, когда снимать в кинематографе длинными кусками, а когда короткими,- нет, но несомненно, что иногда движение очень помогает сделать длинный, подробно видимый, единый актерский кусок и развернуть его перед зрителем. Но большей частью, как я сейчас замечаю, передвижение камеры не диктуется этими соображениями, а просто она двигается для того, чтобы двигаться.

Еще одно заявление, которое сделал тот же режиссер, который спрашивал об операторе. Он сказал: "Я ненавижу, когда человек на общем плане входит в комнату, садится на стул - и на этом движении вы делаете укрупнение". Я спрашиваю: "Почему?" Он говорит:
"Потому что это - старая битая карта, монтировать на движении". В чем же новость? Поймать у двери, провести до стула и тут делать что угодно? С моей точки зрения, первое, чего вы достигнете таким образом,- вы потеряете декорацию, потеряете композицию, связанную в этом кадре с вашим объектом, за которым вы ходите. У вас в центре кадра будет беспрерывно болтаться на поясном или поколенном плане человек. Он не будет идти, он, по существу, будет неподвижен, ведь мы ползем вместе с ним. Он будет проходить через комнату, за ним будут проплывать кусок стены, кусок окна, книжная полка - вещи, которые должны быть неподвижны. А когда этот качающийся актер успокоится и сядет, вам тоже придется остановиться. Но, вероятно, он не сядет, а будет продолжать ходить. В данном случае камера будет себя вести как любопытный и несколько наивный наблюдатель, который петушком ходит за всеми действующими лицами: "Ах ты сел! Куда ты сел? Ах вот куда".
Камера должна двигаться, отмечая какие-то значительные события. Так мне кажется. Вот она открывает перед вами цирк. А чего ради она побежала за этим вошедшим человеком? Почему она отступает пг-ред ним, как Добчинский перед городничим, заглядывая ему в лицо? Что это изображает, какая это позиция в жизни?

Вот перед вами зрелище возбужденной толпы, кулачный бой: вышла стенка на стенку; или демонстрация, ее разгон; одесская лестница Эйзенштейна или какой-нибудь случай паники, скажем, в момент объявления войны, когда немцы начали внезапно бомбить город. Мы можем рассматривать это событие двумя способами; первый - так, как мы увидели бы его в жизни, то есть - с движения. Представьте себе, что в момент паники больше всего испугался режиссер. Он прежде всего бросился в толпу, потом побежал вместе с ней, потом опередил всех и убегал, оглядываясь, а толпа бежала за ним; потом повернулся направо, налево, увидел, что слева взорвалась бомба, и побежал еще быстрее. Это и есть съемка с движения: вы вторглись в толпу и с позиции испугавшегося или любопытного человека проехали, пробежали вместе с толпой. Это может быть очень эффектно, потому что, кроме движения толпы, возникает дополнительное движение - движение камеры. Вы можете обогнать толпу, бежать навстречу, вторгаться в середину, глядеть вслед, выскакивать, но при этом вы обладаете одной-едннствен-ной парой глаз, которая заменена в данном случае объективом, то есть вы рассматриваете это событие в реальном пространстве одним движущимся глазом. Это - один способ, жизнеподобный и этим эффектный.

Какие в нем недостатки? Во-первых, монтажно вы можете рассматривать это событие двадцатью, восемьюдесятью, ста парами глаз, со всех сторон, а при съемке с движения - только единожды и с одной стороны. Во-вторых, вы при этом вводите событие в реальное время. Непрерывный длинный кадр длится столько, сколько длилось реально это движение толпы. При монтажной съемке вы являетесь хозяином времени, вы можете его растянуть или уплотнить.

Возьмите знаменитую одесскую лестницу Эйзенштейна. Вы все видели ее на экране, не думаю, чтобы все вы были в Одессе, кто был - тот подтвердит, что это очень маленькая лестница. Когда я первый раз посмотрел, я ахнул от того, как она мала. По этой лесенке, при первом залпе, толпа экспансивных одесситов должна была слететь вниз самое большее за 10 секунд, и вы, побежав вместе с ней, через 5-6 метров оказались бы перед пустой лестницей и делать там вам было бы нечего. Одна пара глаз, одна движущаяся камера - одни ноги в реальное время могут на протяжении 6 метров эффектно пробежать - и только.

Что сделал Эйзенштейн? Снимая ее короткофокусной оптикой в двадцати разнообразных ракурсах - сверху вниз, снизу вверх, слева направо, во всех диагоналях, он разложил этот момент, эти 15 секунд бегущей толпы и солдат на отдельные элементы, происходящие одновременно. Из этих элементов он вам собрал новое зрелище. То есть сначала он шел аналитическим путем, а затем синтезировал на монтажном столе совершенно новое событие, оказавшись при этом хозяином времени. Он мог длить этот расстрел, если бы было нужно, хоть пять частей, потому что нет границ возможности растяжки времени при монтажном способе кинематографа.

(...)

Точно так же, как мы можем при монтажном рассмотрении мира растягивать время, мы можем и уплотнять его. Приведу другой пример. Перед войной ста вилась одна картина. По ряду обстоятельств, идейно-тематических ошибок она не вышла на экран, но был момент, когда ее хотели исправить. Я в то время был художественным руководителем главка, и на мою долю выпали все переговоры по этому вопросу, по составлению проекта исправления этой картины. Когда я ее поглядел, я убедился в том, что исправить ее невозможно по очень простой причине: она вся была снята панорамами от 30 до 250 метров длиной. В некоторых частях были один-два кадра. Вся картина состояла из беспрерывных панорам, ни одной статической точки не было.

Ничего вырезать и вставить нельзя было, потому что между двумя соединениями панорам вы не можете построить условного перехода с куска на кусок: ведь отсутствие монтажа исключает во всей картине элемент условного времени или пространства. Никакие попытки поправок ни к чему не привели.

Вы можете сказать, что другая картина, построенная этим способом, могла бы быть идеально хороша. Может быть. Но время в такой картине протекало бы только .между панорамами. Естественно, пока движется панорама, хотя бы она шла 8 минут, 8 минут кинематографического времени оказываются адекватными 8-ми минутам жизненного времени. И это при общеизвестной способности кинематографа не только растягивать, но и колоссально уплотнять время.

Это уплотнение происходит и в театре, между двумя актами. Там тоже есть элемент монтажа; занавес. Между первой и второй картиной прошло три года, между третьей и четвертой - семь лет. Там, где картины меняются, можно делать что угодно. Но кинематограф и стыки между картинами довел до того, что между третьим и четвертым кадром тоже может пройти сколько угодно времени. Достаточно мне захлопнуть дверь этой аудитории с восклицанием: "Нет, черт возьми, для всего факультета я больше читать не буду", чтобы в следующем кадре я мог появиться где угодно седым стариком и сказать: "Когда-то я сделал гигантскую ошибку, я отказался читать для режиссерского факультета". Вы поверите, что прошло пятнадцать, восемнадцать, двадцать лет, и это - только оттого, что хлопнула дверь и сменился кадр. Этот кадр уже может быть любым, по нашему выбору. Мы можем уплотнить время как нам угодно даже внутри актерской сцены. Вот девушка начала причесываться. Если я ввел зрителя в условность беспрерывной съемки с движения, даже если я отвернусь и возвращусь обратно, зритель знает, что во время одного непрерывного кадра время течет реально, но если я перережу этот план - вот она вынула гребенку, вот я показал, как на нее покосился партнер и пожал плечами,- я могу вернуться к ней, когда она кончила причесываться. А если я перейду к кадру в соседней комнате, я могу вернуться к ней через час; если к происходящему на улице - то уже через день. Если мы возьмем какой-то более дальний кадр, я могу вернуться уже через год. Имейте в виду, что пространство работает на время, зрительный контраст двух кадров всегда работает на время.

Если понимать монтаж только как склейку отдельных кадров сцены с тем, чтобы эта сцена слепилась и в ней были выделены в нужные моменты крупные планы или детали, хотя они тоже бывают очень нужны в сцене, то, конечно, здесь, по существу, принципиального спора нет, потому что, между нами говоря, в последнее время мы монтируем, особенно актерские сцены таким образом, чтобы все переходы были максимально плавными, максимально незаметными, и зритель смотрит картину, обычно не замечая монтажных стыков внутри эпизода или почти не замечая. Даже профессиональный режиссер сейчас очень часто внутри актерской сцены, за исключением отдельных ударных, специально смонтированных в контрасте кусочков, монтажа не замечает.

Но монтаж не есть способ незаметной склейки кусков сцены, который развился благодаря усложнению мизансцен и поведения актера в звуковом кино; монтаж есть принципиальный метод обозрения мира, метод анализа, с одной стороны, и с другой - монтаж все время выражает волю режиссера: показать зрителю мир в определенных ракурсах и определенных столкновениях.

За последние годы резко изменилось восприятие картины зрителем. Немой кинематограф смотрели совершенно по-другому. Нужно вам сказать, что, по мере того как течет время и мы все больше привыкаем к звуковому кинематографу, картины немого периода становится смотреть все труднее, особенно картины немого кинематографа, так сказать, эпохи его расцвета, когда монтажное искусство дошло до своих вершин.

Дело в том, что вся эстетика восприятия картины, если можно применить такой своеобразный термин, резко изменилась - вернее, система восприятия картины. В немом кинематографе зритель был значительно более активным, и весь процесс восприятия картины заключался в беспрерывном отгадывании событий. Немой кинематограф ставил перед ним ряд простейших как бы ребусов, которые вы часто можете увидеть в детских книжках: нарисован ежик, потом коробочка, потом валенок - что это вместе означает? Примерно то же самое происходило в кинематографе: деталь - кулак, взгляд, поворот, а из этого складывался испуг. Зритель беспрерывно отгадывал, деталь играла колоссальнейшую роль. Вся эстетика немого кинематографа базировалась в основном на приеме pars pro toto - часть вместо целого. Вспомните "Парижанку" Чаплина - как там умирает отец? Упала трубка на пол. Как она уезжала в Париж? Тени на лице, и она сделала шаг вперед. Как вы узнаете, что Адольф Менжу ее любовник? Он подходит к ее комоду и достает себе носовой платок. Деталь работала, а зритель сам достраивал целое. Как показано, что у нее нет матери? Портрет женщины в траурной рамке.

В немом кинематографе не могло быть и никогда не бывало случайной детали. Каждая деталь мгновенно осмысливалась зрителем, он сейчас же сюжетно ее осваивал, довоображал и делал вывод. Сейчас при помощи портрета в траурной рамке вы зрителю не покажете, что герой - вдовец. Он не захочет сделать вывода - понять, кто это: "Может быть, дочь или сестра, почему я обязан догадываться, что это - жена? Мне должны все сообщить". И зрителю сейчас все сообщают, он получает полуфабрикат, но уже поджаренный, его только нужно положить в рот, в то время как в немом кинематографе зритель эту пищу готовил сам.
Столкновение двух элементов рождало новую мысль, которая часто не была заключена ни в одном, ни в другом кадре, она возникала от соединения их, поэтому зритель беспрерывно расшифровывал какие-то задачи, от есть был значительно активнее. Он был, так сказать, соучастником творческого процесса. Режиссер его втаскивал в свою лабораторию, заставлял довоображать, доделывать, дочитывать, ассоциировать, складывать в голове события, идеи и т. д., которые, по сути говоря, в отдельно взятых элементах картины содержались только частично.

Сейчас часто смотрят картины, предположим, тот же "Броненосец "Потемкин", "Мать", и мне приходится потом слышать: "Что замечательного в этой картине? Я ничего не обнаружил или даже ничего не понял, мне показалось неинтересным или смешным".
Эти картины, когда мы смотрим их сейчас, с позиций 1956 года, некоторым могут показаться непонятными, странными или вообще малоэффективными, тогда как в свое время это были действительно великие картины. Просто мы отучились от метода восприятия монтажного материала, который раньше существовал.

Но кое-где, в каких-то элементах картины, прежнее понятие о монтаже сохранилось. Если немой кинематограф создавал монтажом прежде всего ритм, то сейчас мы ритм монтажом почти нигде не создаем. В актерских сценах, которые составляют 80-90 процентов картины, ритм в основном создается внутрикадровой работой, задается внутрикадровым поведением актера. Монтаж вынужденный, он идет от актера. Не монтаж складывает ритм зрелища, а актерская работа складывает ритм монтажа, монтаж оказывается в подчиненном положении.

Мы стараемся соединить кадры внутри актерских сцен максимально мягко, в то время как в немом кинематографе кадры сталкивались максимально контрастно для того, чтобы каждая смена, срезка наносила зрителю какой-то определенный эмоциональный удар, толчок.

Но эти законы контрастного столкновения материала сохранились в соединении крупных элементов картины, эпизодов между собой. Можно грубо сказать, что монтаж укрупнился и те законы, которые были найдены немым кинематографом вообще для монтажа, сохранились в соединении крупных элементов картины, эпизодов, между собой.

Я хотел бы привести один очень показательный пример для того, чтобы продемонстрировать вам разницу между монтажом немого и звукового кинематографа. Когда я делал картину "Владимир Ильич Ленин", мне нужно было смонтировать эпизод разгона и расстрела июльской демонстрации. Единственный кинематографический материал по этой демонстрации снят С. М. Эйзенштейном в картине "Октябрь". Там есть эпизод разгона демонстрации. Я посмотрел этот эпизод на экране вместе с работниками хроники. Они сказали, что это немыслимо включить в картину, что оттуда не вынешь ни кусочка, настолько это "рваная икра". Мы все-таки посмотрели.

Действительно, куски невероятно короткие и настолько разорванные, что в сознание современного зрителя они ложатся с трудом. Я взял материал на монтажный стол. Что же оказалось? Материал состоит из планов демонстрации, снятых сверху, с крыши дома, то есть в резком верхнем ракурсе. Это перекресток Садовой улицы в двух или трех крупностях - общий план демонстрации, которая идет. Затем она начинает разбегаться, разбегается, остаются галоши - общий план и чуть крупнее, но и тот и другой - очень общие. Эти планы перерезаны, и между ними включены коротенькие планы стреляющего пулеметчика в обратном ракурсе - снизу вверх. Этот план склеен из двух кадров: дуло пулемета и тыльная часть пулемета с крупным лицом пулеметчика; причем склеен таким образом: две клетки лицо пулеметчика, две клетки- дуло, затем одна клетка лицо, клетка - дуло, и еще, и еще. На 1 метр приходится 25 перерезок. Так как вы не можете рассмотреть одну клетку, у вас получается ощущение двойной экспозиции, при этом пульсирующей в ритме пулеметной пальбы.

Само по себе изображение носит резко раздражающий характер. Объясняется это тем, что оно двойное, пульсирующее и не вполне понятное. Это изображение, которое требует для своего осознания 1-2 секунды, держится на экране всего 2 секунды. Вслед за тем - общий план демонстрации. Столкновение - настолько острое, что, прежде чем вы поймете, что перед вами (на это вам нужно 1-2 секунды), кадр срезается, и снова - пульсирующий пулеметчик, и опять - демонстрация.

Столкновение резко контрастных кадров, как бы противоречащих друг другу, создает своеобразные удары, шок и этот тревожный ритм. Современному зрителю смотреть такое трудно. Я вынул планы пулеметчика и посмотрел, что осталось. Оказалось, что остались довольно длинные куски демонстрации и они стали как бы вдвое длиннее; когда я вынул пулеметчика, убрались переброски с крупного плана на общий, следовательно, не нужно было тратить время на осознание перемен, и тогда оказалось, что первый план демонстрации - 1 ? метра, средний план - 1 ? метра, снова общий план - 2 метра, то есть получился нормальный плавный ход демонстрации. Мы подложили звук стреляющего пулемета, и эпизод проходит совершенно спокойно.

Какой монтаж лучше - эйзенштейновский или этот? Конечно, эйзенштейновский принципиальнее, он и есть монтаж, а то, что сделал я, монтажом не является, это просто склеенная демонстрация и звук пулемета. Сама цель, с которой Эйзенштейн создавал этот монтаж,- это заставить зрителя услышать звук пальбы в немом кинематографе, почувствовать ее ритм и лихорадку, не имея звука; увидеть разбегающуюся от обстрела демонстрацию, не имея звука.
У Эйзенштейна это достигалось монтажным путем, а у меня самым простым: добавлением звука пулемета. Демонстрация разбегается, и монтировать эпизод не нужно.

Это наиболее ясный, точный пример того, какие цели преследовал монтаж. На этом примере вы можете обнаружить разницу нашего подхода к монтажу с тем. Можно приводить разные примеры монтажа, их хватит на пять лекций.

Возьмите два соединяющихся крупных куска картины, и окажется, что тогда, когда они соединяются контрастно, в них присутствуют все те же элементы, которые присутствовали в немом монтаже в его мелких элементах. А нам нужно и сейчас соединять эпизоды контрастно, чтобы отметить прошедшее время.

Перед вами комната, в комнате идет, предположим, разговор о предстоящем событии, скажем, два молодых человека поссорились насмерть и один говорит: в классе драться неудобно, но завтра на состязаниях я надеру тебе уши,- в следующем кадре вы можете переходить на любой пленэр, на волейбольные соревнования, и чем резче переход, тем легче вы перенесетесь. То есть тут как раз принцип контраста будет работать на вас, в данном случае сохранится закон монтажа. Вы перескакиваете время, а время нужно перескакивать при помощи контраста или при помощи рифмы.