Скульптура и живопись 3 страница
Материалом для всей скульптуры (как рельефов, так и круглой пластики) послужила необожженная белая гончарная глина. Вместе с тем использовались также слюда, бумажное волокно и рубленая солома.
Сюжет всех четырех сцен традиционен. На плите, обращенной к востоку, изображена очень популярная в VII— VIII вв. среди последователей секты Хоссо сцена беседы двух бодхисаттв — великого Мондзю и Юима; на юге — сцена «Пророчество Мироку»; на западе — «Раздача священных реликвий»; на севере — паринирвана «Успение и нирвана Сяка».
В зарубежном искусствоведении при анализе скульптуры «Четырех сцен из жизни Будды» допускаются самые широкие сравнения не только с китайской мелкой пластикой, но даже с аналогичным видом пластики классической древности, вплоть до танагры и статуэток древнего Вавилона и Египта [42; 50; 70]. При этом сопоставляются утонченное изящество, экспрессия и острота, присущие скульптуре различных народов и исторических периодов.
Между там такого рода сравнения вряд ли могут объяснить художественную сущность этого памятника. Влияние и просто прямое заимствование художественного стиля из Средней Азии и Китая здесь, конечно, несомненно. Однако гораздо важнее то, что на этой ранней стадии развития средневековой пластики в период пробуждения глубокого интереса к духовному миру человека, появляется необходимость обращения к местным изобразительным особенностям. В этом отношении наиболее показательна сцена «Успение Будды». В сравнительно небольших (около 40 см) статуэтках с большой выразительностью показана вся глубина человеческого чувства. Два человека из оплакивающей Будду толпы кажутся сделанными прямо с натуры. В скорбном ужасе они устремились к лежащему телу Учителя. Обе фигуры полны напряженной экспрессии и динамизма. Это — подлинный взрыв отчаяния. Искаженные черты лица, разверстые в страшном вопле рты — это воплощение безудержного горя. Позы и жесты переданы в полнейшем нарушении буддийской иконографии — фронтальность и симметрия полностью потеряны. Несмотря на то что композиция «Успения» в целом организована вокруг лежащего Будды, каждая фигурка отмечена своими индивидуальными чертами.
Фигурка старика-мирянина, одетого по моде того времени, с опущенными плечами и сжатыми руками более сдержанна и покорна в выражении горя. Только лицо, на котором выделяется рот, широко раскрытый в плаче, продолжающемся в глубоких морщинах «кричащего» лба, полно напряженного динамизма.
Рядом с ним — статуэтка, изображающая аскета-послушника. Весь его облик отражает отчаянный порыв. Иссеченное резкими морщинами, изможденное и перекошенное в крике лицо, страшная худоба едва прикрытого рубищем изнуренного тела с подчеркнуто проступающими ребрами, судорожно сжатые в кулаки руки подчеркивают состояние крайнего потрясения.
Плавным, струящимся линиям контура почившего Будды противопоставлен нервный, изломанный многообразный линейный ритм фигур последователей, его оплакивающих. Мелкие и дробные с изрезанными краями формы усиливают эффект экспрессии. Выразительность и стремление к правдивой передаче деталей заставляют вспомнить лучшие образцы готики. С другой стороны, здесь проявляется свойственное уже пластике добуддийского периода тяготение к утрированному, гротескному решению образа, которое позднее будет развиваться в японской скульптуре и графике.
Появление в чисто религиозной композиции изображения простого, смертного человека уже само по себе указывает на развитие иконографического канона. Изображение человека дается наряду с изображением божества. Такое сопоставление образов, причем выполненных в различной манере, преследует цель еще больше подчеркнуть разную природу божества и смертного. В изображении человека, гораздо менее скованном каноном, всего естественнее было следовать своей, местной традиции, стремясь воспроизвести и характерные этнические черты местного жителя. Таким образом, статуэтки из «Успения» являются, быть может, и одним из самых ранних памятников японской средневековой неиератической пластики.
Местные, чисто японские традиции проявляются и в огромных (высотой более 3 м) деревянных фигурах Стражей храма — Нио или Конгорикиси и некоторых деревянных масках для представлений гигаку (например, в маске старика Тайкофу, или Тэнгу,— персонажа японского фольклора).
Традиционный для буддийской иконографии образ божества, устрашающего всех врагов веры, приобретает в Японии черты, которые сближают его, в частности, с современными ему гротескными рисунками, обнаруженными в кондо монастыря Хорюдзи. Могучие формы, чрезмерно подчеркнутая мускулатура, утрированно зверское выражение лица, стремительность движения и путающий динамизм всей фигуры предвосхищают отчасти скульптурные и графические образы позднего средневековья и нового времени.
Но, пожалуй, к самым интересным с точки зрения формирования японского художественного стиля памятникам следует отнести так называемую портретную скульптуру.
Примерно в середине VIII в. буддизм пустил настолько глубокие корни, что, заимствовав отдельные элементы из местной религии синто, подчинил себе полностью синтоистское духовенство. Свое господство буддийская церковь оформила созданием нового вероучения, так называемого рёбу-синто. Буддийское духовенство в этот период не только претендует на идеологическое господство, но и стремится руководить и политической жизнью государства. Ведущая роль буддийской церкви отразилась и на характере создаваемых в этот период иконографических памятников. Пышные, гигантских размеров изображения Будды (Дайбуцу и огромные сухого лака фигуры Русяна) символизируют политическое могущество буддийской церкви — выразительницы идеалов растущего феодального государства. Все эти памятники отмечены характерными местными чертами, например цоколь Дайбуцу25, Комокутэн — страж Запада или Ситэнно — страж Востока .из храма Тодайдзи (рис. 36), попирающий поверженное существо, олицетворяющее, быть может, побежденных хаято.
Интересно отметить, что среди украшений наиболее популярного махаянистского божества — богини Каннон— появляется магатама — священный атрибут главы синтоистского пантеона богини Аматэрасу. В этом можно усмотреть косвенное указание на слияние буддийского и синтоистского божества.
К этому времени относятся первые попытки создать на буддийской иконографической почве антропоморфное изображение богов синтоистского пантеона. Как правило, материалом для них служил лак. Тогда же начинается массовое изготовление переносных образов буддийских богов. Такого рода изображения, преимущественно в технике сухого лака, создавались мастерами различных храмов, причем те наделяли свои изделия специфически японскими чертами.
В условиях идеологической и политической экспансии буддизма появляется необходимость в прославлении и канонизации наиболее выдающихся деятелей церкви. Потому в 50—60-х годах VIII в. и появляется новый для Японии жанр скульптурного изображения известных деятелей эпохи, таких, как Гёсин, Гиэн, Гандзин и др.
25 Прототипом шестнадцатиметрового бронзового Дайбуцу, авторство которого приписывается Гёги — знаменитому проповеднику секты Хоссо, художнику и политическому деятелю, является колоссальный, высеченный из камня будда Вайрочана в пещерном храме Лунмынь.
Первоначальный образ Дайбуцу не сохранился. От середины VIII в. дошли только фрагменты цоколя. Известно, что лепестки лотоса были украшены гравированными рисунками на сюжет священного писания, а также сценами из жизни японцев.
Но, как это свойственно периоду раннего феодализма, портрет понимается еще не как передача физического облика определенного человека. На первом месте выступает типологический момент, т. е. художник не только стремится к индивидуальной характеристике своей модели, но и ставит перед собой . более широкую цель — пытается обобщить в портрете идеальные черты, носителем которых является объект его изображения. Отсюда своеобразный дуализм портрета середины VIII в. и более позднего времени. Он заключается в том, что, несмотря на кажущуюся реалистичность, выразившуюся в индивидуализации изображения, в стремлении собрать и сохранить отдельные черты, присущие только данной личности, этот жанр следует основным канонам иератической иконографии.
Все три скульптурных портрета канонизированных буддийской церковью святых (Гёсин, Гиэн и Гандзин) одновременно являются памятниками культового и светского искусства.
Первым образцом такого портрета считается статуя Гёсин. Храмовое предание рассказывает, что по приказу Геенна, ставшего в 748 г. настоятелем Хорюдзи, было сооружено здание Юмэдоно, в котором вскоре после смерти Гёсина, умершего в изгнании в начале 50-х годов, а затем канонизированного, была установлена его статуя, выполненная в технике сухого лака.
В строго каноничном изображении святого Гёсина воспроизведены фронтальная иератическая поза и весь облик центральной фигуры Триады — сидящего будды Сяка, или Якуси. В моделировке складок одежды видна связь с бронзовой пластикой. Но проработка головы и всего тела выполнена в другой манере. Правильные и естественные пропорции массивной фигуры, выразительная и тщательная моделировка отдельных деталей приближают скульптуру по манере выполнения к фигурам из сцены «Успение Будды».
Две другие статуи (Гиэна из трапезной Окадэра и Ганд-зина из Тосёдайдзи) повторяют в общих чертах скульптуру Гёсина.
Деревянное покрытое лаком изображение Гиэна отличается от предыдущего еще большей натуралистичностью моделировки. Резкие морщины вокруг рта и на лбу, ребра, проступающие на обнаженной груди святого, заставляют вспомнить аскета из «Успения Будды».
Знаменитый портрет слепого Гандзина (или Кансина), очень популярного в свое время буддийского проповедника, основателя Тосёдайдзи (китайца по происхождению), является признанным шедевром техники сухого лака (рис. 37). Авторство этой скульптуры предположительно приписывается Ситаку, одному из сподвижников Гандзина, монаху из монастыря Тосёдайдзи.
Гандзин, как и Гёсин и Гиэн, изображен сидящим в традиционной фронтальной позе углубленного созерцания. Вся массивная фигура слепого старого священника, сидящего со сложенными (ладонь на ладонь) руками, дышит спокойствием отрешенности. Монашеская одежда в красных и черных тонах простыми и естественными складками драпирует сильное тело. Линейный ритм складок не столь ясно выражен, как в статуе Гиэна, и лишь в косо падающих параллельно друг другу складках, скрывающих колени, он становится элементом декоративности, усиливая впечатление плоскостности.
Мастерски выполнена большая правильной формы гладко выбритая голова, посаженная на короткую толстую шею. Широкое, крупной лепки лицо с высоким лбом покрыто сетью мелких морщин. Моделировка носа с четко вырезанными контурами ноздрей, резко очерченных губ, твердого подбородка и мясистых ушей отличается большой тщательностью исполнения. По сравнению с портретом Гиэна здесь сделан еще один шаг в сторону дальнейшей индивидуализации изображения. Автор стремился как можно полнее воспроизвести облик старого слепого человека. В нем нет ничего чрезмерного, утрированного, экспрессивного, т. е. того, что было так присуще аскетическому, изможденному образу Гиэна. Но в то же время скульптура лишена и того изящества, которое было свойственно образам Будды из Триад. Однако определяющее влияние образа Будды на трактовку портрета несомненно.
Плотная, но пропорциональная фигура, тяжелая, крупная голова со смеженными веками слепого, уши, совершенно непохожие на длинные свисающие, как у Будды, уши Гиэна, большие тяжело лежащие одна на другой руки — все это принадлежит одному определенному человеку. Но выражение его лица,подобного маске, предназначенной для передачи мистического процесса созерцания, каноническая улыбка, чуть тронувшая углы рта, свидетельствуют о безусловном влиянии канона. Таков двойственный характер скульптурного иератического портрета в японском искусстве VIII в.
Начиная с VIII в. и на протяжении почти всего средневековья жанр портрета сохраняет иератическое, культовое содержание. В нем, как и в других жанрах буддийской иконографии, проявляется иллюстративный характер изображения. Иллюстративность выражается в стремлении прежде всего воспроизвести красоту духовного подвига. Портрет святого Гандзина — выдающийся шедевр японского национального искусства — является именно таким сочетанием иконы и элементов индивидуального портрета.
Таким образом, в течение примерно столетия (с конца VII до 70-х годов VIII в.) в японской пластике создавались различные по своему стилю памятники. Одновременно, в тесном взаимодействии друг с другом сосуществовали два основных течения: одно — «китаизированное» (в нем преобладает влияние танского искусства, за которым стоит искусство гандхарское, т. е. сочетание элементов культуры Индии, сасанидского Ирана, Средней Азии, эллинистического мира; рис. 38), другое тяготеет к местным, самобытным традициям. Но внутри обоих направлений неуклонно развиваются и накапливаются черты, присущие местной культуре, формируя японский национальный стиль.
Подобные процессы происходят и в живописи. Как и скульптура, японская живопись в VII—VIII вв. связана главным образом с религиозной тематикой.
Образцы японской живописи добуддийского периода пока неизвестны. Общепризнанной является теория заимствования техники живописи с материка (через Корею и Китай). Однако уже в самых ранних памятниках японской живописи обнаруживаются черты, отличающие их от корейских и китайских образцов.
Как известно, древняя и средневековая китайская и вообще дальневосточная живопись принципиально отличается от западной. Ей совершенно неизвестна техника масляной живописи. Как правило, дальневосточная живопись выполнена или монохромной тушью, или сочетанием черной туши и темперы — чистой либо с добавлением восковой краски, или туши с водяными красками (минеральными). Писали обычно на шелке и бумаге различной толщины и плотности. Единственным орудием живописца и рисовальщика была кисть.
В китайской живописи главную роль играет линия, контур, а не объем. Для нее характерны доминирующая линейность, плоскостность, почти полное отсутствие светотени, а в тех случаях, когда светотень применялась, она служила скорее для усиления контура, чем для придания глубины.
В такой технике исполнена живопись, украшающая свитки с текстом буддийских сутр и исторических анналов, ширмы с росписями религиозного и светского содержания и про-чее, которые датируются примерно первой половиной VIII в.
В живописи большинства свитков л других памятников появляются заимствованные из Китая не только техника, но и сам типаж, сюжет, композиция, цвет. Все это на японской почве получило широкое распространение и впоследствии оказало заметное влияние на формирование японского стиля в живописи.
В помещении Дзидзоин храма Якусидзи хранится написанное на холсте изображение богини Шри (Сарасвати — супруги Брахмы)—в данном случае одной из ипостасей бодхисаттвы Манджушри (по-японски Мондзю),— которое датируется 30—40-ми годами VIII в. Предполагают, что это живописная копия скульптурного образа. Костюм, прическа и лицо божества воспроизводят придворную моду того времени. Пухлые нарумяненные щеки, нос и лоб покрыты рисовой пудрой; дугообразные брови имеют форму «мотылька»; между бровями и в углах рта посажены мушки; ладони маленьких и хрупких, как цветок, рук накрашены той же розовой краской, что и щеки. Все эти черты указывают и на тесную связь изображения с живописью Хотана, Турфана и других центров так называемого гандхарского искусства.
Колорит картины построен на сочетании красной, белой, чайно-коричневой, темно-зеленой, черной, синей красок и золота. Контур нанесен черным и красноватым цветами. Подкраска лица белая и красноватая.
Техника живописи шелкового фусума (ткань, в которую заворачивали свитки) из храма Сайдайдзи похожа на примененную в изображении богини Шри. На посыпанный золотой пудрой фон нанесены разноцветным контуром орнаменты из цветов и человеческих фигур. Датируется фусума началом 60-х годов VIII в.
В этот же период (конец VII — первая половина VIII в.) существовали и другие виды живописи как монументальной, так и декоративной: стенопись, живопись по лаку.
Наиболее интересный и уникальный памятник древней японской живописи — стенопись кондо в Хорюдзи (рис. 39). Это выдающийся образец монументального искусства Дальнего Востока.
Очень плохая сохранность памятника, который неоднократно подвергался разрушениям, затрудняет работу исследователей. До сих пор не установлены ни автор (или авторы) росписей, ни точная дата их создания. Одна из храмовых легенд приписывает авторство корейскому художнику Донтё, отодвигая время окончания стенописи к началу VII в. (примерно к 610 г.). Другие предания называют творцом живописи Тори Бусси. Согласно последним исследованиям принята более поздняя датировка — примерно 670—710 гг.
Среди специалистов существуют различные теории относительно техники живописи, примененной в росписях кондо [50, 92]. В настоящее время наиболее распространенная теория сводится к следующему. Роспись исполнена прямо на стенах кондо, а не на ткани, наклеенной на стены, как это предполагалось ранее. Для сооружения стен использовали щебень, деревянные решетки (коси) толщиной около 18 см. Поверх щебня стена покрывалась с двух сторон специальной обмазкой, как в глинобитных постройках. По составу эта обмазка была близка обычной штукатурке. По мнению некоторых исследователей (например, проф. Таки и др.) на внутреннюю поверхность стен наносился еще один слой обмазки, который и служил грунтом для живописи. Таким образом, в качестве грунта, так называемого сицукуинури, использовалась сухая штукатурка, покрытая сверху слоем известкового раствора. В него для придания белизны, возможно, добавлялся и каолин. Правда, есть предположение, что последний был введен в состав грунта позднее, во время одной из средневековых реставраций. Так, известно, что в эпоху Ка-макура была переписана живопись 12-го панно [66, 95]. Грунт этого панно отличается особенной белизной. Установлено, что в состав ее входит гофун — известь из морских ракушек.
На грунт контур наносился кистью черной китайской тушью. Затем контур заполнялся минеральными или растительными красками, замешанными на клею. Недостаточно закрепленные краски сохранились очень плохо. Лучше всего сохранилась красная охра, которая применялась для передачи тела. Предполагают, что в основе живописи (особенно в пейзаже и декоре) лежал прием разделения цветов.
Роспись велась по сухому грунту. Окончательно не выяснено, в какой технике работали живописцы. Предполагают, что они сочетали китайский графический прием (преобладающий в стенописи кондо) с противоположным ему методом— так называемым кумадори. Термин «кумадори» употреблялся в более позднее время и заимствован из театрального искусства, где он означает «грим». Японские и западноевропейские искусствоведы трактуют этот термин как валёр и даже, исходя из особенностей японского грима, сближают его с моделировкой. Японский актер при гримировке наносит сначала румяна, а по ним накладывает изображение мускулатуры и морщин, а затем уже штрихами подправляет отдельные черты (углы рта, брови). Эффект светотени при этом получается тот же, что и при моделировке. Установлено, что моделировка кумадори применена к живописи фигуры и особенно лица будды Амиды из росписи на шестой панели кондо.
Большинство исследователей склоняются к признанию средиземноморского происхождения такого рода живописи [66].
Пришедшая с Запада эллинистическая живопись, безусловно, оказала влияние на технику монументальной живописи эллинизированных стран Средней Азии и даже в какой-то мере Индии (например, росписи пещерных храмов Аджанты, относящиеся к V в. и. э.). От нее была воспринята пластическая традиция, выразившаяся в приеме письма не тонкой сухой линией, а линией с растеком, как бы сглаживающей переход от светлого к темному (например, переход от красного цвета контура лица к темно-розовому тону кожи). Такова в общих чертах характеристика моделировки в живописи, названная японцами кумадори.
Вместе с тем в живописи кондо Хорюдзи представлены и другие технические приемы, также заимствованные из Средней Азии. Известно, что в росписях Мирана, Хотана, Кызыла и других происходит смена пластического изображения плоскостным, т. е. техника оконтуривания пластического объема вытесняется передачей объема одним линейным контуром [101, 84]. Тонкая каллиграфическая линия контура характерна и для китайской живописи. Она-то и преобладает, по мнению исследователей, и в стенописи кондо [42; 62; 83; 92].
Росписи кондо в Хорюдзи выполнены на двенадцати внутренних панелях. Известно, что кроме кондо стенной росписью был украшен и нижний этаж пагоды Хорюдзи. В годы Вадо (708—714) для защиты живописи от непогоды нижний этаж пагоды был обнесен крытой галереей. Тем не менее росписи пагоды не сохранились.
Двенадцать росписей представляют собой четыре больших панно и восемь малых. Высота всех панно — 3,03 м. Четыре больших панно достигают в ширину 2,57 м, восемь малых — около 1,45 м (по другим данным — соответственно 4 и 1,5 м).
На больших панно даны многофигурные композиции, на меньших — однофигурные.
Атрибуция всех сюжетов росписей не установлена. Тексты, в которых дается описание ориентации махаянистских божеств у различных сект (Хоссо, Дзёдо, Дзэн и др.), не совпадают. В свою очередь, ни один из текстов не сходится с данными инвентария храма Хорюдзи в эпоху Камакура, так называемого «Коконмокурокусё».
В настоящее время окончательно атрибуированными признаны росписи панелей под номерами VII, XI и XII. При этом роспись XII, изображающая Каннон с одиннадцатью головами, была, как уже указывалось, переписана в эпоху Камакура. На VII, меньшей, панели также изображена Канном, в ее прическе — фигурка Амиды, внизу — солнце и луна. Существуют и другие гипотезы относительно росписи панели VII. Согласно одной из них, считают, что на ней изображен будда Якуси, почему и предполагают, что именно эта панель и есть главная икона.
Панно ланели XI изображает бодхисаттву Фугэн (санскр. Самантабхадра), который садится на слона. Как известно, Фугэн — божество Востока, поэтому он и изображен на восточной стене.
Содержание росписей на больших панелях VI, IX и X не совсем выяснено. В росписи панели VI представлена многофигурная композиция. На переднем ее плане изображена каноническая Триада, в центре восседает на троне Амида, слева от него стоит Каннон, справа — Сэйси, бодхисаттва из свиты Амиды. На заднем плане изображены буддийские ангелы-тённин, играющие на музыкальных инструментах, и ряд других фигур. Большинство исследователей полагают, что сюжетом росписи является «Западный Рай» («Чистая земля» — Дзёдо) будды Амиды. Существует мнение, что роспись панели VI была главной иконой.
В изображении Амиды и бодхисаттв обращает на себя внимание различие техники. Амида более пластичен и даже ритм чисто декоративных складок его одеяния одинаков с тем, который был применен в скульптуре. Относительно этого изображения существует гипотеза, что оно является копией какой-то почитаемой статуи Будды. Типична для иконо- графической скульптуры моделировка шеи Будды. Задумчивое и одухотворенное лицо несколько напоминает современные ему живописные образы. Но весь облик Будды, как и симметричная композиция Триады, совершенно иератичен. Строго фронтальная поза, полузакрытые глаза, плотно сжатые губы, соединенные в сложном, символическом жесте пальцы рук воспроизводят, видимо, особый ритуал мистической секты.
В изображении обеих фигур предстоящих бодхисаттв главным средством художественного выражения является линия. При помощи линейных форм мастера росписи преодолевают плоскостность, зачастую присущую такого рода живописи (например, росписи VI в. в Кызыле или многие росписи V в. в Аджанте), и добиваются совершенно иными средствами той же пластичности, которая обычно достигается моделировкой. Вместе с тем эта техника подчеркивает сверхъестественный, нематериальный характер образа в отличие от чувственных, плотских обнаженных человеческих фигур Аджанты.
Позы бодхисаттв по сравнению с позами Амиды и фигур Триады в скульптуре гораздо свободнее и естественнее — строгая фронтальность нарушается, и на смену ей приходит, правда, еще не полный, трехчетвертной поворот.
Относительно сюжета живописи, исполненной на панели IX, ориентированной на север, имеются две гипотезы. Согласно одной из них, здесь изображено очень популярное в этот период божество Мироку. Но если это Мироку, то на панели XI изображен не Фугэн, а Сяка. По другой версии — это будда Сяка. В правом восточном углу панно находится изображение бодхисаттвы Фугэн — божества созерцания, которое всегда помещается справа от Сяка.
На панно панели X, может быть, представлен Якуси. Он сидит в той же позе, что и Мироку (каноническая поза). На заднем плане . видны странные фигуры монгольского типа.
Принадлежность росписи других панелей не установлена, так как они очень сильно пострадали от времени и огня.
По сохранившимся фрагментам живописи весьма трудно уяснить не только обработку традиционных канонических сюжетов, которые были положены в основу росписей, но и трактовку их деталей, используемых для раскрытия содержания отдельных моментов. Вероятнее всего предположить, что авторы росписей кондо в Хорюдзи не задавались целью поисков новых форм. Главное внимание они обращали на совершенствование форм уже известных, и среди них преимущественно на линейную форму. Линия — один из главных элементов, определяющих стилистический характер живописи кондо. При помощи линии достигнута объемность, известная пространственность изображения. Элементы линейной перспективы присутствуют в пейзаже, фрагменты которого имеются в росписи панели V [62]. Но наряду с этим линия служила и средством выражения орнамента. Декоративное назначение линии проявляется, например, в трактовке плоских складок одеяния бодхисаттвы из Триады панели VI, не говоря уже о линейном зверином, растительном и геометрическом орнаменте, украшающем трон Амиды на той же панели. Плавная, изящная, довольно длинная, порой круглящаяся линия свойственна не только определяющему контуру, но и дополнительному, декоративному. Звериный и растительный орнаменты заимствованы из сасанидского искусства.
Аналогичный по характеру декор украшает и плафон кондо в Тосёдайдзи. На белом фоне, заполняя всю поверхность плафона, помещен фантастический узор из листьев и цветов. Изысканная линия гибких и длинных стеблей, которые, причудливо переплетаясь, образуют кружево орнамента, отличается удивительной ритмичностью. Совершенно плоский контур стеблей дополняется локальной расцветкой листьев и цветов, в которой гармонично и мягко сочетаются фиолетово-коричневый и нежно-зеленый цвета.
Декоративность стиля, любовь к локальному цвету были восприняты впоследствии и живописью Ямато-э, в которой линия продолжала играть определяющую роль. Развитие живописи, таким образом, идет в сторону еще большей плоскостности решения пространства и усвоения принципа определенным образом стандартизованной формы, перенесенной из живописи эпохи Нара.
В росписях кондо Хорюдзи были заложены основы японской национальной живописи.
В период создания стенописей кондо в процессе освоения и переработки наследия китайского и гандхарского искусства в рамках традиционной иконографической схемы формируется и японский вариант иконографического типа. Особенно показательна в этом отношении интерпретация образа бодхисаттвы Каннон из Триады панели VI. Сохраняя величавую монументальность образа, мастера росписей Кондо наделяют богиню большой женственностью и мягкостью, Полный божественной мудрости и доброты взгляд открытых глаз Каннон устремлен в мир. Лишенный чувственности, свойственной образам Аджанты, облик бодхисаттвы отличается строгостью и целомудренностью. В нем гармонически воплотились лучшие человеческие качества. Канной из росписей кондо Хорюдзи — обожествленный образ идеально прекрасной женщины.
Интересен и другой памятник живописи, хранящийся в кондо Хорюдзи,— росписи скинии Тамамуси, Цветные росписи покрывают внутренние чернолаковые панели Тамамуси и его цоколь.
Техника живописи Тамамуси, так называемая мицудасо, или миттасо, не имеет ничего общего с упоминавшейся ранее китайской живописью на шелке или бумаге, а в отдельных случаях и на холсте.
Среди специалистов нет еще единого мнения относительно происхождения и специфических особенностей мицудасо. Большинство склоняются к тому, что как само слово, так и техника, им обозначаемая,— иранского происхождения, а в Японию она проникла через одно из трех корейских государств (Пэкче, Кудара или Силла) [50]. Некоторые считают, что мицудасо — индийского происхождения [94]. Но и здесь существуют разногласия. Одни, как, например, Уэмура Рокуро, считают, что росписи Тамамуси не похожи по технике на .росписи корейских могильников, тогда как другие, в том числе и Ч. Хагэнауер [73], наоборот, утверждают, что все корейские лаковые росписи сделаны в технике мицудасо
Сторонники иранского происхождения этой техники с некоторыми оговорками признают, что она аналогична масляной живописи. Однако в японском искусствоведении имеется и противоположное мнение, которое сводится к сближению принципов техники мицудасо и весьма распространенной в современном прикладном искусстве Японии технике макиэ. которая заключается в следующем: рисунок, нанесенный лаком на расписываемую поверхность, посыпается золотым или серебряным порошком; затем его кроют лаком, после чего поверхность подвергается шлифовке.
Дата добавления: 2015-12-22; просмотров: 1122;