ЖИВОПИСЬ И МУЗЫКА

Традиционная эстетика классифицирует виды искусства на две большие группы: пространственные и временные. К первой группе относятся: архитектура, скульптура, живопись, графика и т.п. Ко второй – музыка, балет, драма и другие виды «зрелищного» искусства. Некоторые виды можно назвать пространственно-временные, ибо, как говорил Леонардо да Винчи, «живопись – это поэзия, которую видят, а поэзия – живопись, которую слышат».

Современная классификация выделяет следующие разновидности искусства: изобразительное, музыкальное, «синтетическое», «техническое», декоративно-прикладное и др. Рассмотрим по одному виду из каждой группы: живопись – из пространственной, музыку – из временной.

Живопись–вид изобразительного искусства, произведения которого создаются с помощью красок, наносимых на какую-либо поверхность. (А.И. Кравченко). До эпохи Возрождения картины несуществовало. Картина – самый молодой из всех видов живописи.

Слово «картина» по-итальянски означало сорт красивой тонкой бумаги. В русский язык оно попало в начале XVIII века. До этого периода в России картин не было, а писали только иконы. Первые картины эпохи Возрождения посвящены религиозным сюжетам. Одним из любимых был евангельский рассказ о Благовещении – Архангел Гавриил явился Марии, чтобы сообщить ей благую весть: у нее родится сын Иисус.

Величайшим художником Руси, создателем московской школы иконописи был Андрей Рублев (ок.1360 – 1370 гг.). Он создал цикл фресок в Успенском соборе Владимира на сюжет Страшного суда – Откровение (по-гречески – Апокалипсис) Иоанна Богослова. Фреской называют и технику монументальной живописи, и выполненное в ней произведение. Итальянское слово фреска означает свежий, сырой. Это – живопись по сырой штукатурке. Изображение святых на древнерусских фресках называют иконами. Греческое слово икона означает изображение, образ. Но это образ или отблеск божественного мира. Самая знаменитая древнерусская икона – «Троица» Андрея Рублева, наполненная глубоким поэтическим и философским содержанием.

Сюжет «Троицы» (ок. 1411) – библейский: к старцу Аврааму и его жене Саре пришли трое юношей - странников. Они предсказали им рождение сына. В иконе Рублева подробный рассказ не присутствует, а только три ангела погружены в раздумье. Изображение вписано в невидимый круг, и взгляд зрителя скользит, подчиняясь движению плавных линий. Цвета в иконе мягкие, неяркие – для того времени это было новшеством; потому что иконы обычно писали яркими красками и оттенков в них было мало. Новой была икомпозиция. Обычно в «Троице» изображались фигуры Авраама и Сары, накрытый стол, и ангелы располагались по-другому. Рублев создалновый канон, и с тех пор «Троицу» писали по прорисям с его иконы.

Пейзажи с натуры живописцы стали писать лишь в XIX в. и столкнулись с интересной задачей – как изобразить освещение, воздушную среду, изменяющуюся погоду, все то, что не видно в мастерской, при ровном рассеянном свете. На открытом воздухе освещение меняется ежеминутно. Открытый воздух по-французски называется пленэр, а живопись – пленэрной. Выдающиеся мастера пленэра – художники-импрессионисты запечатлевали в своих картинах ускользающие, изменчивые мгновения. А название импрессионизму дала картина Клода Моне «Впечатление. Восход солнца» (впечатление по-французски – импрессион). Импрессионистами кроме Моне были французские художники Огюст Ренуар,Камиль Писсаро, Эдгар Дега и др. Им была свойственна особая живописная манера – это прежде всего свободные, вибрирующие мазки, не смешивая краски на палитре, они клали рядом чистые дополнительные цвета, отчего и возникало ощущение переливов света, наполняющего картину. Современники не понимали живопись импрессионистов, называли ее «мазней», а сегодня их работы – это шедевры: Эдуард Мане «Музыка в Тюильри» (1862), Клод Моне «Здание парламента» (1871), Эдгар Дега «На скачках» (1869 – 1872), Поль Гоген «Сад зимой», «Улица Карсель» (1863), Винсент Ван Гог «Осенний сад» (1888) и многие другие.

До французских импрессионистов, в начале XIX века, пленэрные пейзажи писали и русские художники. Первая треть XIX в. – период «золотого века» русского изобразительного искусства. В то время многие русские художники работали в Италии, о которой Пушкин писал: «Земли полуденной волшебные края». Неаполитанская природа, наполненная солнечным светом и влажным морским воздухом, предстает во всемблеске в пейзажах Сильвестра Феодосиевича Щедрина (1791 – 1830 гг.):«Новый Рим», «Замок св. Ангела», «На острове Капри». Начав с пейзажей в духе классицизма, в Италии Щедрин обращается к пристальному изучению натуры, пишет маслом, наблюдая цветовые и световые соотношения в пейзаже («Колизей»,1819).

Прекрасным пейзажистом былАлександр Андреевич Иванов (1806 – 1858 гг.), один из представителей русского классицизма, автор картины «Явление Христа народу». В своих пейзажах он воссоздал не мгновенное, быстротечное, а вечное в природе.

Тема нравственного прогресса человечества позволила Иванову внести в картину «Явление Христа народу» новую ноту в русское искусство своего времени, в частности, в решение исторической картины. Известны представления Иванова о роли русского поэта и художника как о роли пророка, глашатая истин, ведущего свой народ по пути нравственного и социального прогресса. Замысел «Явления Христа народу» и был, в сущности, своеобразным выражением этих идей, спроецированных на событиях истории. В разработке аналитического изображения окружающего мира, столь свойственной XIX в., именно Иванов сказал в русской искусстве подлинно новое слово.

Жанровая картина получила общественное признание в творчестве Алексея Гавриловича Венецианова (1780 – 1847 гг.), первого русского художника, сознательно посвятившего себя целиком бытовому жанру. Его творчество воспринималось современниками как утверждение в живописи национальной, народной темы («На пашне. Весна». Первая половина 1820-х гг.), портреты крестьян и сцены из их жизни («Утро помещицы»,1823; «Лето»,1820, «Голова старика-крестьянина», 1825 и др.). Эти произведения определили создание нового художественного направления, в основе которого лежало стремление к правдивому отражению жизни.

Художником переходного времени былНиколай Николаевич Ге (1831 – 1894 гг.), автор «Тайной вечери» (1863). Главная тема его творчества – тема страдающего человека, драматическое столкновение мировоззрений – «Что есть истина? (Христос перед Пилатом», 1890), «Голгофа – неоконченная картина (1892), «Распятие» (1894). В своем творчестве Ге отказался не только от канонов академизма, но и от стремления к исторической конкретности.

Символична и глубоко психологична картина «Христос в пустыне» (1872) идеолога передвижничества Ивана Николаевича Крамского (1837 – 1887 гг.). Тема перехода от мучительных раздумий к определенному решению выражена в облике Христа – в его скорбно-сосредоточенном лице и позе; она раскрывается и в пейзаже, в сочетании розоватых красок утра и холодной синевы ночи. Это картина – воплощение творческого кредо художника: «Поскольку есть у каждого чуткость к страданию за общие бедствия, настолько он человек… Только чувства общественного дает силу художнику и удесятиряет его силы…». Творчество Крамского, вся его общественная деятельность проникнуты чувством нравственной ответственности художника, что проявилось и в созданной им галерее портретов современников («Автопортрет», 1867; «Н.А. Некрасов в период “Последних песен”», 1877 – 1878; ряд крестьянских образов).

Мастером своеобразных коротких рассказов в живописи был В.Е. Максаков (1846 – 1920 гг.). Художник написал более четырехсот картин, посвященных в основном городской теме: «Любители соловьев», 1872 – 1873; «В четыре руки», 1880; «Объяснение», 1889 – 1891 – лучшая работа художника.

Вершиной развития реалистического искусства этого периода явилось творчество Репина и Сурикова. Выдающееся дарование Ивана ЕфимовичаРепина(1844 –1930 гг.) проявилось в картине «Воскрешение дочери Наира» (1871), за которую он получил большую золотую медаль и право пенсионерства за границей. Но подлинно новым словом в русском искусстве стали его «Бурлаки на Волге» (1870 – 1873). Трактовка народной темы, композиционное решение, большие размеры картины подчинены задаче возвеличивания образов людей труда. Все это было ново по сравнению с бытовой живописью предшествующего десятилетия.

Самые значительные картины Репина: «Крестный ход в Курской губернии» (1880 – 1883), «Под конвоем» (1876), «Арест пропагандиста» (1880 – 1892), «Сходка» (1883), – три последние картины отражают тему революционной борьбы; «Иван Грозный и сын его Иван» (1885); «Запорожцы» (1878 – 1891).

Василий Иванович Суриков (1848 – 1916 гг.) не только раскрыл борьбу общественных сил, но и воплотил сложившиеся в ходе многовековой истории национальные идеалы и типы. В картине «Утро стрелецкой казни» (1881) с художественным тактом изображена не сама казнь, а мгновения, ей предшествующие, обнажающие суть события, различие характеров. Лучшее произведение художника – «Боярыня Морозова» (1887). Суриков специально ездил в Италию, чтобы на произведениях Веронезе и Тинторетто постичь законы композиции и колорита монументальной живописи.

В 90-е годы художник создал такие произведения, как «Взятие снежного городка» (1891), «Покорение Сибири Ермаком» (1895), «Переход Суворова через Альпы» (1899). Суриков – наряду с Ивановым и Репиным является крупнейшим представителем русского искусства XIX века.

Илья Исаакович Левитан (1861 – 1900 гг.) принадлежит к более молодому поколениюпередвижников. Его творчество синтезирует достижения русской пейзажной живописи второй половины XIXвека и знаменуют ее новый этап. Картины «Вечер. Золотой плес» и «После дождя Плес» (1889) открывают период зрелого творчества художника. В них чувствуется живое дыхание природы, ее внутренняя динамика, своеобразное повествование о русской жизни. Глубокие философские раздумья о смысле жизни, обреченности человека и величии природы, настроения людей переходной эпохи выражены в картине «Над вечным покоем» (1894).

Создание цикла радостных сверкающих полотен «Март», «Свежий ветер. Волга», «Золотая осень» (все – 1895) знаменует новый этап в творчестве художника. Последняя картина – «Озеро. Русь» (1898 – 1900) – итог всего творчества Левитана, новое понимание реализма.

Величественная и мятежная поэзия звучит в произведениях Михаила Александровича Врубеля (1856 – 1910 гг.). Художник яркой индивидуальности, видел свою цель в том, чтобы «будить душу от мелочей будничного величавыми образами». Главная тема его творчества – тема Демона и русского фольклора. В 1888 г. Врубель лепит бюст и фигуру Демона, в 1890 пишет картину «Демон (сидящий)» и почти одновременно (1890 – 1891) выполняет иллюстрации к поэме «Демон», некоторые из которых («Голова Демона», «Тамара в гробу») относят к лучшим его работам. В 1902 г. он создает самое трагическое свое произведение – «Демон поверженный» – символ нестерпимой муки, крушения надежд, гнетущего одиночества. Творчество Врубеля близко не только поэзии Лермонтова, но и еще в большей мере творчеству Блока, симфониям Скрябина.

Произведения Врубеля, воссоздающие мир былинных и сказочных героев: «Микула Селянинович»(1896), «Богатырь»(1898), «Царевна-лебедь»(1900), «Лебедь» (1901) и др.

Рассмотрим несколько наиболее значительных художественных направлений ХХ века.

Русский кубофутуризм. Кубофутуризм рассматривается как концептуальный синтез кубизма и футуризма, когда происходит окончательный разрыв изображения и действительности в творчестве русских художников. В 1913 г. Михаил Федорович Ларионов (1881 – 1964 гг.) опубликовал книгу «Лучизм», утверждающую полную независимость живописи от окружающего мира, от предметной среды. «Лучизм» – один из ранних вариантов абстракционизма, представителем которого и сталЛарионов. Его направление предваряло декоративность абстрактной живописи и представлено в работах – «Куст сирени», «Отдыхающий солдат» и др.

«Лучизм» превратился в манифест дальнейших поисков нового формотворчества – абстракционизма, создатели которого Василий Васильевич Кандинский (1866 – 1944 гг.) и Казимир Северинович Малевич (1878 – 1935 гг.). В работе «О духовном в искусстве» В. Кандинский выделил несколько антиномий: «Желтая (теплое, телесное) – синяя (холодное, духовное), красная (движение в себе) – зеленая (отсутствие движения)», что находит отражение в его картинах – «Дамы в кринолинах», «Импровизация № 7», «Смутное», «Сухие краски».

К. Малевичу была свойственна идея супрематизма (от лат. supremus – высший, течение в живописи начала ХХ века, основанное на отказе от воплощения предметного мира). «Победа над предметностью», превращение живописи в «нуль форм» воплощается в двух знаменитых его работах – «Черный квадрат на белом фоне», «Белый квадрат на черном фоне». К. Малевич выступает родоначальником геометрического абстракционизма.

Аристарх Васильевич Лентулов(1882 – 1943 гг.) предпочитал своеобразный монтаж частей предмета, увиденных в разных ракурсах. Перу этого художника принадлежит серия картин, отражающих красочныймирмосковских соборов: «Василий Блаженный», «Иван Великий. Звон», «Небозвон».

Сальвадор Дали(1904 – 1989 гг.) – миф и реальность искусства ХХ века – представитель сюрреализма (от лат. surrelism – сверхреализм), свой метод определяет как «спонтанный метод иррационального познания, основанный на систематической и критической объективации ассоциации и переосмыслении феноменов сновидений». Творчество Дали – это прежде всего плод интеллекта и познания, о чем он пишет в «Пятидесяти волшебных секретах»:

«… мой интеллект постоянно растет и развивается, плюс мои честолюбивые устремления, которые, как известно, были высоки с самого нежного возраста. Я люблю сравнивать свое честолюбие с вековым дубом, а интеллект – с ласковой лозой, взбирающейся по его коре к вершине. И если дуб этот представляется мне вечным, незыблемым в своей величественной и гармоничной стати, то побег моего интеллекта напротив кипит жизнью и толчками тянет вверх. Ведь каждый раз, когда я наблюдаю, что происходит со мной в момент начала и окончания той или иной работы, меня удивляет неудержимое появление новых мощных ростков».

Первые сюрреалистичные произведения С. Дали – «Великолепие руки» (1927), «Раскрашенные удовольствия» (1929), «Портрет Гала» (1931), архитектоническая «Вечерняя молитва» (1933), «Момент сублимации» (1938), «Рождение нового мира как рождение нации» (1942) и др. В мае 1983 г. Дали пишет свою последнюю картину «Ласточкин хвост», навеянную теорией катастроф.

Марк Захарович Шагал (1887 – 1985 гг.) – один из крупнейших художников ХХ века, художник-модернист,представитель парижской школы. Всю свою жизнь он играл роль аутсайдера и эксцентрика от живописи. Своим искусством и своей жизнью художниккультивировал образ одинокого визионера, гражданина мира. Его картины, полные религиозности и глубокой любви к родному краю, – возможно, самый страстный призыв, который когда-либо звучал в современном мире, к терпимости и уважению ко всему другому, непохожему.

В 1963 г. во Франции поступили в обращение почтовые марки увеличенного формата, воспроизводившие картину М. Шагала «Жених и невеста на фоне Эйфелевой башни», хранящиеся в Государственном музее современного искусства в Центре им. Жоржа Помпиду в Париже. Всего при жизни художника было выпущено четыре почтовые марки, посвященные его картинам. Обычно такой участи удостаиваются только царствующие особы, космонавты и реже – государственные деятели.

В Ницце в 1969 г был заложен Музей Шагала, в котором предполагалось собрать его работы на библейские сюжеты в настоящее время этот музей именуется «Le Musee National Message Biblique Marc Chagall». По-русски это звучит приблизительно как «Библейское послание Марка Шагала». К 90-летию художника правительство Франции наградило его высшим французским орденом – Орденом Почетного Легиона. Награду ему вручил президент Франции Жискар Д’Эстен. И не удивительно, ведь, после смерти Пикассо в 1973 г., Шагал остался единственным представителем славной когорты художников, составлявших в начале ХХ в. авангард искусства.

Основные вехи творчества М. Шагала:

1914 г. – Первая персональная выставка, в Берлине, «Витебская серия 1914 г.»

1917 г. – Под его руководством и по его эскизам Витебск украшается к празднованию первой годовщины Октябрьской революции.

1920 г. – Работа в Москве в Государственном Еврейском Камерном театре. Роспись стен в зрительном зале и исполнение декораций для первого спектакля.

1924 г. – Первая персональная выставка в Париже. Работа над иллюстрациями к «Мертвым душам» Гегеля. Всего на эту тему он сделал 107 гравюр.

1926 г. – Персональная выставка в Нью-Йорке. Иллюстрирование басен Лафонтена, рисунки на тему «Цирк». Тема цирка становится одной из основных в его творчестве.

1930 г. – Иллюстрации к библейским и евангельским сюжетам.

1938 г. – Картина «Белое распятие» (из большой серии распятий), явилась его ответом на немецкую акцию 15 июня 1938 г., когда 1500 евреев были отправлены в концентрационные лагеря.

1946 г. – Первое послевоенное посещение Франции. «Париж, - говорил Шагал, - это мой второй Витебск». Появляется «Парижская серия».

1987 г. – К столетнему юбилею Шагала в Музее изобразительных искусств им. А.С. Пушкина в Москве открылась выставка его работ. Друг Шагала Андрей Вознесенский назвал выставку победой гласности и демократии в искусстве». Еще в 70-е годы, когда имя художника было под запретом в Советском Союзе, А. Вознесенский написал:

1991 г. – В Витебске открылся музей Шагала.

1992 г. – Воздвигнут памятник художнику, отреставрирован его дом.

1997 г. – Во дворе дома поставлен второй памятник – «Скрипка Шагала».

Основные картины художника: «Русская свадьба» (1909), «Рождение» (1910). «Я и деревня» (1911), «Россия, ослы и другие» (1911), «Адам и Ева» (1912), «Скрипач» (1912 –1913), «Лежащий поэт» (1915), «Революция» (1937), «Одержимость» (1943), «Исход» (1952).

Музыка– это, по словам известного современного ученого, теоретика культуры, автора книги «Музыка в системе искусств» М. С. Кагана, как бы само время, материализованное в звуковых структурах, расчлененно-ритмизованное и становящееся ощутимым, слышимым, переживаемым и осмысляемым. М.С. Каган рассматривает музыку как способ познания жизни человеческого духа, а через нее – познание отраженного в нем мира. Поэтому собственная сфера музыкального познания – не отношение человека к природе, а отношение человека к человеку – к другому и к самому себе. Замечательно по этому поводу выразился А.Н.Серов – «Музыка – это язык души, это область чувств и настроений; это – в звуках выраженная жизнь души». Рассмотрим это на творчестве гениальных композиторов России.

Михаил Иванович Глинка (1804 – 1857 гг.) – основоположник русского музыкального искусства, первый композитор мирового значения. Глинка, как и Пушкин, стоял у истоков русской классики XIX в. Он не только завершил длительный этап вхождения русской музыки в европейскую систему музыкальных жанров и форм, но и открыл пути в будущее. Основой творчества Глинки является развитие русской национальной идеи в музыке. Об этом свидетельствуют его оперы «Жизнь за царя» и «Руслан и Людмила». Чувство патриотизма связано с образом народа. Художественное кредо Глинки – «… создает музыку народ, а мы, композиторы, только ее аранжируем». В его творчестве глубоко и разносторонне отражен могучий образ русского народа в единстве его мировосприятия и исторического опыта.

«Жизнь за царя» (1836) – первая русская опера без разговорных диалогов. Раскрывая глубокий мир чувств простых людей, Глинка наделяет их индивидуальнымимузыкальными характеристиками народнопесенного склада.

«Руслан и Людмила» (1842) создана на основе поэмы Пушкина. Сопоставление двух миров – сказочного и реального, Величавый древний Киев, быт славянского мира с одной стороны и жизнь ярких персонажей – Руслана, Людмилы, Гориславы, Фарлафа, Ратмира, Светозара. Впервые в русской музыке воплощен мир «русского Востока». Позже, эта тема была воспринята композиторами «Могучей кучки».

Александр Сергеевич Даргомыжский (1813 – 1869 гг.) продолжал развивать национальную идею в русской музыке. В отличии от Глинки, он, развивая реалистические средства музыкальной выразительности, открыл социальную проблематику в музыкальном искусстве.

Композитор предпочитал вокальные жанры, стремясь к слиянию интонаций речи и музыки. Необходимо, утверждал Даргомыжский, чтобы «звук прямо выражал слово». Обращаясь к творчеству Пушкина, Лермонтова, Дельвига, Кольцова, Языкова, он создает романсы, близкие народно-песенной бытовой лирике, а позже – романсы-монологи («Старый капрал», «Червяк», «Титулярный советник»).

Тема социального неравенства воплощена в опере «Русалка» (1855). Используя пушкинский сюжет, композитор показал быт простого народа, раскрыл внутренний мир разнохарактерных персонажей.

Современники Глинки – А.А. Алябьев (1787 – 1851 гг.), А.Е. Варламов (1801 – 1848 гг.), А.Л. Гурилев (1803 – 1858 гг.) известны как творцы русского классического романса. Знаменитый алябьевский «Соловей» и сейчас самый исполняемый среди вокалистов-сопрано. В Тюмени ежегодно проходит фестиваль «Алябьевская осень».

Вторая половина XIX в. представлена великолепным созвездием композиторов мирового значения – М.П. Мусоргским, А.П. Бородиным, Н.А. Римским-Корсаковым, П.И. Чайковским. Идея национального самовыражения доминировала в их творчестве. Музыка превращалась в равноправную «родную сестру» словесности и живописи по степени социальной значимости. Общественный статус музыки значительно возрос, благодаря просветительству. Было создано Русское музыкальное общество – первая крупная концертная организация. Появились первые русские консерватории – в Петербурге (1862, основатель и директор А.Г. Рубинштейн) и в Москве (1866, основатель и директор Н.Г. Рубинштейн). В 1862 г. в Петербурге была открыта Бесплатная музыкальная школа, деятельность которой была направлена на организацию и проведение концертов, на получение элементарных знаний и навыков музицирования.

Гений русской музыки, художник – гуманист Петр Ильич Чайковский (1840 – 1893 гг.), подобно Достоевскому, мечтал о справедливом переустройстве общества на основе мирного соглашения разных сословий. Главная тема музыки Чайковского – человек со своей любовью, надеждой, страданием, разочарованием, верой… Известный музыковед Б.В. Асафьев назвал метод, используемый композитором, симфонизмом[5]. Чайковский раскрыл в музыке духовный конфликт, рожденный стремлением человека к счастью, к свободе и трагической невозможностью достичь идеала.

Композитором создано 10 опер («Евгений Онегин», «Воевода», «Опричник», «Мазепа», «Орлеанская дева» и др. «Иоланта»); три балета («Лебединое озеро», «Спящая красавица», «Щелкунчик»), шесть симфоний, более 100 романсов, фортепианная и хоровая музыка.

Появление оперы «Евгений Онегин» и Четвертой симфонии явилось выдающимся событием русского искусства. Симфонию Чайковский посвятил своему «лучшему другу» – Н.Ф. фон Мекк, с которой он переписывался тринадцать лет.

«Вы спрашиваете, есть ли определенная программа симфонии? Попытаюсь ответить, хотя все мое творчество – музыкальная исповедь души. Однако же в первой части явно слышна поступь фатума, той роковой силы, которая мешает порыву к счастью достичь цели».

«Воистину в человеке все должно быть прекрасно… к этому прекрасному, то есть доброму, нужно неустанно взывать, отвлекая от всего дурного. А для этого человеку должно представить как можно больше свободы – духовной, физической, какой угодно. Мне кажется в музыке кроется великая сила раскрепощать людей…».

В романе «Евгений Онегин» Чайковский увидел реальные и правдивые образы, глубокую жизненную драму, чистую любовь героев, верность и понимание их чувства долга и чести. Композитор словно распевает стихи Пушкина, подобно тому, как поют романсы, отличающиеся удивительной мелодичностью. Знаменитый чешский композитор Антонин Дворжак писал: «…. музыка оперы «Евгений Онегин» – это музыка, манящая нас к себе и проникающая так глубоко в душу, что ее нельзя забыть». На сюжет Пушкина написана еще одна опера – «Пиковая дама» (1890) – выдающееся произведение мировой музыкальной классики.

Балет «Лебединое озеро» (1877) представлял симфоническую поэму, в звуках рассказывающую о любви: «… Мелодии одна другой пластичнее, певучее и увлекательнее, льются как из рога изобилия; ритм вальса, преобладающий между танцевальными номерами, воплощен в таких разнообразных, грациозных и подкупающих рисунках, что никогда мелодическое изображение даровитого и многостороннего композитора не выдерживало более блистательного испытания…» (Г.А. Ларош).

Маргарита Алигер, увидев этот балет, написала стихотворение – «Танец маленьких лебедей»:

В 1891 г. с большим успехом прошли концерты Чайковского в Америке, куда он был приглашен для участия в музыкальном фестивале по случаю открытия крупнейшего концертного зала – Карнеги-холл.

В 1893 г. в Англии Кембриджский университет присвоил Чайковскому звание доктора права, как гениальнейшему музыканту мира.

«Я желал бы всеми силами души, – писал Чайковский – чтобы музыка моя распространялась, чтобы увеличивалось число людей, любящих ее, находящих в ней утешение и подпору». И через года вторит великому композитору Анна Ахматова своей «музыкой»:

По Кагану, в искусстве,запечатлевается слитное единство всех основных видов деятельности, единство духовного и материального, личностного и социально-общего, духовного производства и духовного потребления, а также единство всех возмож­ных способов освоения мира –от словесного до архитектурного, музыкального до живописного, от сценического до прикладного –оно единственное изо всех видов человеческой деятельности запечатлевает и «представляет» целостное бытие культуры. Она отражается в нем как в зеркале, как макрокосм в микрокосме.

Искусство становится самосознанием культуры и ее «портретом», позволяющим ей видеть себя, свои истинные интересы, устремления, противоречия, конфликты. Потому-то по художественному наследию Древней Греции, ренессансной Италии, революционно-просветительской Франции, и декабристской России, воспрянувшей от колониального рабства латинской Америки мы судим о каждом из этих типов культуры в единстве их исторических, национальных, социальных характеристик. Потому-то –утверждаетМ.С. Каган [6]–в этом не должно быть ничего удивительного – и в нашей современной жизни именно искусство, сливаясь с публицистикой, оказалось первой и наиболее острой формой самосознания развернувшегося процесса ее преобразования.Актуальность этих слов подтверждается бесспорной мыслью Э. Хемингуэя:

«Земля в конце концов выветривается, и пыль улетает с ветром, все ее люди умирают, исчезают бесследно, кроме тех, кто занимается искусством…Экономика тысячелетней данности кажется нам наивной, а произведения искусства живут вечно».

Тема 10. КУЛЬТУРНАЯ ПАЛИТРА РЕГИОНА: