Искусство высокого Ренессанса.
Высокое Возрождение– время жизни и творчества трех титанов Возрождения – Леонардо да Винчи, Микеланджело и Рафэля.
Леонардо да Винчи родился близ городка Винчи, был внебрачным ребенком нотариуса и крестьянки. Рано проявил необыкновенное дарование. В 1469 году семья Леонардо переселилась во Флоренцию, отец отдал мальчика учитсья в мастерскую Вероккио, которую тот закончил в 1472 году. В первый флоренийский период своего творчества Леонардо создает «Благовещение», портрет Джиневры да Бенчи. В 1481 году монахи из Сан-Донато заказали Леонардо алтарный образ на тему поклонения волхвов. В центре так и незаконченной картины Леонардо изобразил Деву Марию с младенцем на коленях. Вокруг множество жестикулирующих людей. В 1481 году Леонардо поступил на службу к властителю Милана Лодовико Моро. В 1483 году он начинает работать над картиной «Мадонна в гроте», композиция построена по принципу пирамиды, которую создают фигуры опустившегося на правое колено юного Крестителя и ангела, поддерживающего младенца Христа. Все фигуры окружает воздушная аура, Леонардо применяет открытую им воздушную перспективу (сфумато). В 80-е годы Леонардо исполнил ряд портретов («Дама с горностаем», «Портрет музыканта»). В 1495 году Леонардо приступил к исполнению заказа для миланского монастыря Санта-Мария делле Грацие, исполнив фреску «Тайная вечеря». В центре помещена фигура Христа, выделенная просветом двери, находящейся сзади. Все перспективные линии сходятся в точке над головой Спасителя. Все ученики разбиты на группы по три человека к каждой. На слова Христа: «Один из вас предаст меня» каждый из учеников реагирует исходя из характера и жизненного опыта.
В Милане Леонардо создает модель конной статуи миланского герцога Франческо Сфорца, которая так и не была отилита в бронзе. В декабре 1499 года Леонардо покидает Милан и возвращается во Флоренцию. Здесь он почти не получает заказов. В 1503 году он принимает вызов Микеланджело. Каждый должен был исполнить картон для оформления фресками зала Совета пятисот во дворце Синьории. Леонардо исполнил битву при Ангиари, показав решающее сражение за знамя, но проиграл.
Около 1503 года Леонардо начал работу над портретом «Моны Лизы» Леонардо работал четыре года. Между 1508 и 1512 годами Леонардо работал над картинами «Святая Анаа» и «Иоанн Креститель». Последние годы жизни Леонардо прошли в скитаниях. Он перезжал из Флоренции в Милан,затем в Рим. В конце концов он отправился в Ломбарию, где поступил на службу к французскому королю Франциску I. Умер Леонардо в замке Клу Амбуазе 2 мая 1519 года.
Микеланджело Буонаротти (1474-1564) принадлежал к дворянской семье, его отец занимал различные государственные должности. УчилсяМмикеланджело у Гирландайо, известного флорентийского живописца, затем перешел в мастерскую скульптора Бертольдо ди Джованни. К Микеланджело благоволил Лоренцо Медичи, фактический правитель Флоренции, в садах которого Микеланджело получил возможность копировать произведения античного искусства.
В 21 год Микеланджело выполняет мраморную скульптуру Пьета для собора св. Петра в Риме. Вернувшись во Флоренцию в 1501 году, Микеланджело выполнил статую Давида, установленную на главной площади Флоренции рядом с Палаццо Веккио. В 1505 году Юлий II вызвал Микеланджело в Рим и поручил ему роспись потолка Сикстинской капеллы. Программа росписей Сикстинской капеллы предложена самим Микеланджело. Потолок Сикстинской капеллы вместе с прилегающими к нему люнетами составляет примерно 600 кв. метров. Микеланджело средствами живописи создал архитектурную основу, расчленившую роспись на отдельные части. Первой композицией потолка стал «Потоп», дальше расположились фрески «Сотворение Адама».
Юлий II поручил Микеланджело постройку своей гробницы, которая должна была располагаться в строящемся соборе св. Петра. Микеланджело представил грандиозную композицию из 40 фигур. Микеланджело хотел добиться синтеза архитектуры и скульптуры. От этого проекта со временем пришлось отказаться из- за нехватки средств и грандиозности замысла, трубующего нечеловеческих сил. Микеланджело исполнил лишь фигуру Моисея.
Микеланджело получил заказ семейства Медичи на возведение двух гробниц в новой ризнице церкви Сан Лоренцо для Лоренцо и Джулиано Медичи. Работа продолжалась с 1520 по 1534 год с большими перерывами. В зале с высоким купольным сводом Микеланджело воздвиг у стен саркофаги. Над могилой Лоренцо скульптор поместил аллегорические скульптуры Утра и Вечера, над могилой Джулиана – аллегории Ночи и Дня.
В качестве архитектора Микеланджело составил план вестибюля с лестницей и зала библиотеки Лауренцианы, входящей в комплекс церкви Сан Лоренцо. Лауренциана состоит из двух расположенных по одной оси, соединенных лестницей помещений – вестибюля и длинного зала для хранения и чтения рукописей. В 1534 году Микеладжело вернулся в Рим и через два года приступил к созданию фрески «Страшный суд» для Сикстинской капеллы. В 1538 – 1539 годах Микеланджело сотавил план перестройки зданий на Капитолийском холме Рима. На вершине холма площадь овальной формы, в центр которой была перенесена конная статуя императора Марка Аврелия.
В 1546 году Микеланджело был назначен главным архитектором строящегося собора Св. Петра в Ватикане. Микеланджело вернулся к центрально – купольной системе, предложенной Браманте. Он использовал гигантский ордер: широки пилястры в несолько десятков метров, огромные окна и мощные карнизы, высокие аттики. Микеланджело умер 18 февраля 1564 года
Рафаэль Санти (1483- 1520) учился у своег оотца, придворного живописца герцога Урбинского. В 1500 году перехал в Перуджу, поступил в мастерскую Перуджино, выполнил в этот период «Мадонну Конестабиле» и алтарный образ «Обручение Марии». Слава Рафаэля начинается с создания цикла алтарных образов – знаменитых «Мадонн» («Мадонна со щегленком», «Прекрасная садовница», «Мадонна под балдахином»)
В 1508 году Рафаэль по рекомендации Браманте получает от папы Юлия II приглашение в Рим и работает в Ватиканском дворце над росписями станц (комнат) Ватиканского дворца. Четыре фрески зала подписей посвящены основным сферам духовной деятельности человека: философии («Афинская школа»), поэзии (»Парнас»), богословию («Диспута») и юриспруденции («Мера, мудрость и сила»). Во второй комнате Рафаэль исполнил фрески на исторические и легендарные темы, прославляющие пап («Изгнание Элиодора», «Месса в Больсене», «Встреча папа Льва I с Аттилой», «Изведение апостола Павла из темницы») Рафаэль был величайший портретист эпохи. Портреты «Папа Юлий II», «Донна Велата». Для церкви св. Сикста в Пьяченце рафаэль создает «Сикстинскую мадонну», в кеоторой достигает идеальной гармоничности.
7. Венецианская школа живописи.
В отличие от искусства Средней Италии, где живопись развивалась в тесной связи с архитектурой и скульптурой, в Венеции доминирвоала живопись. В творечестве Джорджоне и Тициана совершился переход к станковой живописи. Одна из причин – климат Венеции, в котором фреска плохо сохраняется. Еще одна причина состоит в том, что станковая картина картина появляется в связи с ростом светской тематики и расширением круга изображаемых объектов. Станковизм приводит к увеличению количества жанров.
Джорджо да Кастельфранко по прозвищу Джорджоне прожил недолгую жизнь. Дата его рождения известна приблизительно – 1477 год, в 1510 году он умер от чумы. Точно не установлено его происхождение, нет достоверных сведений о годах его ученичества у Беллини. Сюжеты картин Жроджоне «Гроза», «три философа» трудно поддаются интепретации.
Тициан Вечелли учился у Джакомо Беллини. В 1507 году Тициан поступил в мастерскую Джорджоне, который поручал Тициану завершение своих работ. После смерти Джорджоне Тициан закончил некоторые его работы и принял ряд его заказов. После смерти Беллини место художника Венецианской школы республики перешло к Тициану. В это время художник создает такие значительные произведения, как «Вознесение Богоматери» в церкви Санта Мария Глориозо Деи Фрари в Венеции – в картине показана как группа оживленно жестикулирующих апостолов, которые видят возносящуюся в окружении ангелов к небесам Богоматерь. Тициан развивает реформу живописи, начало которой положил Джорджоне: художник отдает предпочтение большим полотнам, допускающим широкое и свободное наложении красок. На первоначальный слой, сразу по его высыхании, он накладывал более или менее плотные, но текучие мазки, смешанные с прозрачными и блестящими лаками, заканчивая картину усилением наиболее ярких тонов и теней мазками, приобретающими почти корпусный характер. В качестве основы Тициан брал суровое полотно, натянутое на раму. Между рисунком, подмалевком и живописью не существовало, как раньше, перерыва. Набросок соответствовал общей эмоциональной подготовке, но сам по себе носил завершенный характер. Одна из самых прославленных картин Тициана является написанная в 1538 оду для урбинского герцога «Лежащая Венера». В 1548 году Тициан написал два портрета Карла V. В одном он представлен как триумфатор, одержавший победу – облаченный в доспехи, в шлеме с плюмажем, Карл въезжает на коне на опушку леса. Второй портрет показывает императора в традиционном испанском черном костюме, сидящем в кресле на фоне лоджии.
Последние годы жизни Тициан жил в Венеции. В его произведениях нарастают тревога и разочарование. В религиозных картинах Тициан все чаще обращается к драматическим сюжетам – сценам мученичества и страданий, в которых звучат и трагические ноты. Он пишет в свободной манере. Густо наложенные в освещенных частях мазки в сочетании с прозрачными тенями через которые просвечивает красноватый подмалевок. Среди поздних шедевров Тициана – «Венера перед зеркалом» и «Кающаяся Мария Магдалина».
Паоло Веронезе (1528 – 1588) родился в Вероне, приехав в Венецию, он получает признание своими работами в Палаццо дожей. До конца своей жизни Веронезе работал над украшением и прославлением Венецианской республики. Живопись Веронезе построена на колорите, он умел так сопоставлять отдельные цвета, что усиливало их звучность. Веронезе первым из венецианских художников стал создавать целые декоративные ансамбли, росписывая стены церквей, монастырей, дворцов. Наиболее ярко черты зрелого творчества проявляются в огромной композиции «Брак в Кане» 1563 года, в которой евангельская тема решена в духе великолепного пиршества, все персонажи одеты в современные костюмы. Алтарные работы («Мадонна с младенцем», «Пир в доме Левия», «Обручение св. Екатерины») демонстрируют свободу отношения Веронезе к канонам иконографии.
Якопо Тинторетто (1518 – 1594) происходил из ремесленной среды, учился у Тициана, входил в кружок венецианских гуманистов. Путь становления как художника был длительным. Для Тинторетто характерно тремление отразить эмоциональное переживание и дать происходящему этическую оценку. Тинторетто создал образ охваченный волнением массы людей в таких работах, как «Чудо св. Марка». Использовал композиции, построенные на основе ассиметрии, со смелыми прорывами в глубину («Процессия св. Урсулы», «Спасение Арсинои»). В огромной композиции «Распятие» 1565 года Тинторетто достигает совершенства в передачи световых эффектов.
8.Искусство Северного Возрождения
Возрождение в Нидерландах.
Иеронимус Босх (1450 , 1460 – 1516) родился в Хертогенбосе в Южных Нидерландах и работал там с 1480 по 1516 год. К раннему периоду его творчества относятся работы «Поклонение волхвов», «Брак в Канне». «Esse Homo», «Удаление камней глупости», «Семь смертных грехов», «Фокусник». Средний период творчества приходится на 1480 – 1510 годы, когда были созданы «Несение креста», «Увенчание терновым венцом». Босх выбирал панорамный принцип построения композиции и форму триптиха. Его техника представляет собой способ, именуемый alla prima – метод масляной живописи, при которой первые мазки создают окончательную фактуру.
Триптихи Босха. «Воз сена», «Искушение святого Антония», «Сады земных наслаждений». Триптих «Воз сена» написан по нидерландской пословице: «Мир – это воз сена, и каждый выдергивает из него, сколько сможет». В центральной части триптиха «Сады земных наслаждений» на переднем плане расположены идиллические группы мужчин и женщин, поедающие вишни, землянику, клубнику и виноград – символ неузаконенной брачными узами любви. Босх изображает вселенную в виде прозрачного стеклянного шара. Мертвенно-бледное сияние луны освещеает безлюдный мир».
Питер Брейгель Старший (ок. 1530 – 1569) , испытав сильное влиняие Босха, создает серию гравюр «Семь смертных грехов». Первыми шедеврами Брейгеля стали «Нидерландские пословицы» и «Детские игры». Обе картины можно читать, как долгую историю. В таких работах, как «Безумная Грета» и «Падение ангелов» влияние Босха заметно в нагромождении сложных нерасшифрованных и доныне символов. После переезда из Антверпена в Брюссель Брейгель пишет евангельские сюжеты, перенося их в современные ему Нидерланды. «Избиение младенцев» и «Обращение Павла» происходит на горном альпийском перевале. Интерес к человеку Брейгеля породил картины на темы фламандских поговорок. Зарисовывая быт крестьян, Брейгель мало интересовался жизнью буржуа и аристократии, никогда не писал портретов. Брейгелю чужда сентиментальность в передаче непритязательной, подчас отталкивающй в своей вульгарности жизни простых людей. Последние шедевры художника - «Зимний пейзаж» из серии «Времена года», «Крестьянская свадьба», «Фламандские пословицы», «Слепые».
Возрождение в Германии. Опора на античность носила в немецом Возрождении двоякий характер. Художники охотно брали сюжеты из античной истории и мифологии. Но древнегреческие и римские сюжеты решены далеко не в античном духе. Немецкому искусству свойственно мистическое направление.
Возрождение в Германии называют эпохой Дюрера. Дюрер – первый европейский художник, чья популярность была общеевропейской уже при жизни. Альбрехт Дюрер, как и многие творцы Возрождения, был универсальной личностью. Его талант в равной степени развивался в гравюре, живописи, теории искусства. Его творческое кредо выражено в трактате «Четыре книги о пропорциях».
Дюрер родился в Нюрнберге в семье ювелира в 1471 году. Летом 1494 года Дюрер исполнил несколько акварельных пейзажей окрестностей Нюрнберга. Во время пребывания в Италии Дюрер уделял много внимания изображению нагого тела. Возвращаясь из Венеции в Нюрнберг, Дюрер запечатлел альпийские горы и лежавшие на его пути города в многочисленных акварелях («Вид Инсбрука» 1495 г., «Вид Триента»). В 1495-1500 годы – начало самостоятельной деятельности Д.рера, имя которого к концу 90-х годов становится известным не только в Германии, но и в Европе главным образом благодаря популярности гравюр. Главными для Дюрера в это время были гравюры на дереве. Во второй половине 90-х годов Дюрер переходит к новой технике, он вводит штриховку по форме изгибающимися линиями, применяет перекрещивающиеся штрихи, дающие глубокие тени. Среди лучших ксилографий этого периода – «Св. Екатерина» 1498 года. Серия гравюр «Апокалипсис» отражает ощущение людей, ожидабщих второе пришествие Христа. Вторая серия гравюр на дереве носит название «Большие страсти» была завершена лишь в 1510-1511 годах. Тематика гравюр на меди разнообразна. Это и мифологические, литературные и бытовые сюжеты. Одна из наиболее известных работ – «Блудный сын». Среди жанровых изображений – «Три крестьянина».
Дюрер создает обобщающий тип человека эпохи Возрождения в «Автопортрете» 1500 года, портрете Неизвестного 1504 г, портрете Пиркгеймера 1524 года. В автопортрете 1500 года Дюрер изобразил себя в образе Христа. Дюрер помещал свои автопортреты во многих картинах, он подписывал полным именем практически все свои капитальные работы, ставил монограмму на гравюрах и даже на рисунках. В картине «Четыре апостола». Дюрер создал монументальные фигуры людей, полных чувства собственного достоинства, уверенных в своей силе.
В своих теоретических работах Дюрер разделил ремесло, в основе которого навык и искусство, требующего знания. Теоретические работы в 1525 году Дюрер выпускает «Руководство измерению циркулем и линейкой», годом позже – «Наставления к укреплению городов, замков и крепостей», уже после смерти Дюрера, последовавшей в 1528 году выходит его труд «Четыре книги о пропорциях человека».
В творчестве художников «Дунайской школы», но не только у них, происходит единение человека с природой. Глава «Дунайской школы» - Альбрехт Альтдорфер (1480 – 1538). Рисунки Альтдорфера являются полноценными произведениями искусства. В 1510 году написан «Лесной пейзаж с битвой св. Георгия», в котором стремление к тональной живописи выражено наиболее полно. Начало зрелости мастера отмечено созданием алтаря монастыря Санкт Флориан близ австрийского города Линца в 1516 -1518 гг. Высота алтаря 2 метра 70 см, на нем размещено 16 картин. При закрытых створках видны 4 картины со сценами из легенды о св. Себастьяне. Когда открывалась 1-я пара створок, зритель видел восемь картин с изображений страстей Христа. На внешней стороне были написаны сцены «Положение во гроб» и «Воскресение». Главная часть состояла из 8 картин с изображением страстей христовых. Верхний ряд состоял из ночных сцен и «Бичевания Христа». Нижний включал сцены при ярком дневном освещенеии. Во всех композициях линия горизонта проходила на одном уровне. Все сцены пронизаны кипением страстей, то скрытых, то вырывающихсяя наружу. Драматическая обостренность особенно проявляется в типаже почти босховском по гротескности, в угловатых и месте с тем решительных движениях. Во всех сценах Христос – это жертва, предназначенная богом для заклания. Именно колорит является наиболее замечательной чертой живописи алтаря. В «Молении о чаше» изумительный эффект пылающего зловещими отблесками заката, грозовые тучи повисают над горами, достигается тем, что красные отсветы написаны на золотом фоне. Самое удивительное произведение Альтдорфера «Битва Александра с Дарием» 1509 года.
Возрождение во Франции.
В развитии французской архитектуры XVI века выделяют два этапа. Один длится от начала столетия до начала 1540-х годов, второй – с середины и до конца века. Архитектура раннего Возрождения формировалась во Франции под воздействием итальянских образцов и при участии таких мастеров, как Леонардо да Винчи, Виньола. Наиболее значительным сооружением этого времени является замок Шамбор (1519-1540 гг.), построенный Франциском I, который в 1515 году стал королем Франции. Над проектом здания работал Леонардо да Винчи, приглашенный Франциском I во Францию. Черты замка – крепости - внутренний замкнутый двор, рвы с подъемными мостами, башни. Верхняя часть замка взметнулась в небо своими пинаклями, каминными трубами, скульптурными саламандрами, в центре кровли фонарь высотой 12 метра, который венчал винтовую лестницу.
С 40- х годов начинают свою деятельность наиболее крупные французские зодчие XVI века: Пьер Леско и Филибер Делорм. Наиболее значительная работа Леско совместно со скульптором и декоратором Жаном Гужоном – строительство Лувра. Здание было задумано с квадратным в плане внутренним двором, вокруг которого располагались корпуса. Трехэтажное здание в первых этажах было расчленено ордерами.
Скульптура. В первой четверти XVI столетия происходит усиление итальянского влияния, но мастера еще работают в традициях готики. Крупнейшим скульптором французского Возрождения был Жан Гужон (1510-1568 гг.), ставший придворным скульптором короля Генриха II. Гужон создал декоративные фигуры на фасаде юго-западного крыла внутреннего двора Лувра, лестницу Генриха II и Портик кариатид.
9 Маньеризм
Маньеризм (итал. Manierismo – прием, манера) – течение в европейском искусстве 16 века, представители которого отошли от ренессансной гармонии восприятия мира, гуманистической концепции человека как совершенного творения природы. Острое восприятие жизни сочеталось в маньеризме с программным стремлением не следовать природе, а выражать субъективную «внутреннюю идею» художника, образа, рождавшегося в его душе. В этом противоречивом духе представители маньеризма интерпретировали отдельные элементы творчества мастеров Высокого Возрождения. Они культивировали представления о неустойчивости мира, шаткости человеческой судьбы, находящейся во власти иррациональных сил. Искусство маньеризма тесно связано с придворной позднефеодальной культурой, элитарно по своей сущности и ориентировано на узкий круг знатоков. Ярче всего маньеризм проявился в Италии в творчестве Понтормо, Пармиджанино, Джулио Романо, для которых характерны драматическая острота образов, трагизм мировосприятия, усложненность и преувеличение, экспрессия поз и мотивов движения, удлиненность пропорций фигур, колористические и светотеневые диссонансы. Особую роль в произведении маньеризма играет виртуозная нервная линия, нередко приобретающая самостоятельное значение. В большинстве портретов маньеризма подчеркивается внутренняя напряженность и замкнутость персонажей, обостренное субъективно-эмоциональное отношение художника к модели. В изощренно-декоративных монументальных циклах (Джулио Романо и др.) преобладают изощренные, насыщенные гротескной орнаментикой решения.
С 40-х гг. маньеризм стал господствующим течением в итальянском придворном искусстве и приобрел черты холодной официальности. Его художественный язык отмечен принципиальным эклектизмом, насыщен сложными, доступными лишь узкому кругу посвященных аллегориями (живописцы Дж. Вазари, Веронезе, Тициан, Тинторетто). В скульптуре (В. Челлини, Джамболонья) и архитектуре (Амманати, Вазари, Джулио Романо) маньеризм проявился главным образом в тяготении к неустойчивой, динамичной композиции, подчеркнутой (нередко чрезмерной) выразительности декора и фактуры, стремлением к сценическим эффектам. Превращению маньеризма в общеевропейское, явление способствовали деятельность итальянских мастеров во Франции (Николо дель Аббате, Россо Фьорентино, Приматиччо), Испании (В.Кардуччо), Чехии (Дж. Арчимбольдо), а также широкое распространение маньеристской графики и прикладного искусства. . Влияние маньеризма во многом определили творчество представителей 1-й школы Фонтенбло во Франции во Франции 1520-х- 40-х годов, но вскоре европейский маньеризм выродился в космополитическое течение во 2-й школе Фонтенбло в конце 16 – начала 17 веков, а также в Германии и Нидерландах середины и 2-й пол. 16 века.
Дата добавления: 2017-12-05; просмотров: 580;