АЛЕКСЕЙ ЕГОРОВИЧ ЕГО́РОВ (1776-1851), ученик И.А. Акимова и Г.И. Угрюмова, прежде всего, прославился как первоклассный рисовальщик.

Современники при жизни художника дали высшую оценку его таланта, назвав "русским Рафаэлем". Еще более интересным является тот факт, что художник с такими простыми русскими фамилией, именем и отчеством является калмыком по рождению. Совсем ребенком он был подобран казаками в калмыкской степи и отдан в Воспитательный дом в Москве. Заложенный в нем талант гениального рисовальщика и живописца приводит к тому, что ребенка Алексея уже в 1782 году переводят в Воспитательное училище при Академии художеств. А после окончания Академии — поездка в Италию, где он поражает, а иногда и смущает своим талантом итальянских художников. Сам Папа Пий VII уговаривает его остаться в Италии придворным живописцем. Однако Алексей Егоров возвращается в Россию, где его ждет слава, напряженная работа живописца и преподавателя (среди его учеников Ф.А. Бруни, К.П. Брюллов, А.А. Иванов), заслуженные награды и звания.

Алексей Егоров типичный представитель русского высокого классицизма, пишет портреты (ГОЛОВА ЮНОШИ. ПОРТРЕТ В.П. СУХАНОВА, 1812), много работает на религиозную тему(«ОТДЫХ НА ПУТИ В ЕГИПЕТ»,ГРМ; «ЯВЛЕНИЕ ХРИСТА МАРИИ МАГДАЛИНЕ», 1818, ГТГ)

Художник принимает самое активное участие в росписях церквей и соборов в Петербурге и его пригородах, Грузии, Польше. Но именно написание образов для церквей в Петербурге и Царском Селе вызвали недовольство большого знатока церковной живописи. К сожалению, этим знатоком оказался император Николай I. Последовало отстранение А.Е. Егорова, несмотря на защиту художника Советом Академии художеств, от преподавательской работы. Впрочем, к художнику за советом по-прежнему обращались даже светила отечественной живописи. Да и работал над картинами А.Е. Егоров до последних своих дней.

Среди живописных работ Егорова наиболее значительной является картина «ИСТЯЗАНИЕ СПАСИТЕЛЯ» (1814, ГРМ).

ВАСИЛИЙ КУЗЬМИЧ ШЕБУ́ЕВ (1777-1855) также был учеником И.А. Акимова и Г.И. Угрюмова. Поступив в пятилетнем возрасте в Воспитательное училище при Академии художеств (1782), он в 1797 году оканчивает саму Академию с малой золотой медалью, чином классного художника, помощником преподавателя натурального класса и пенсионером.

Спустя некоторое время, с 1803 по 1807 год побывал в Италии.

В Италии был написан в духе Ван Дейка «АВТОПОРТРЕТ С ГАДАЛКОЙ». Художник изобразил себя в костюме XVII века, в романтический момент, когда уличная гадалка предсказывает ему славу по возвращению на родину. Его академическая карьера и правда протекала благополучно: в 1807 году он был признан академиком. В 1812 году ему присваивают звание профессора, с 1832 он придворный живописец, в этом же году его назначают ректором живописи и скульптуры Академии художеств, в 1842 году он становится заслуженным ректором.

Его преподавательская деятельность приносит ему прижизненную славу и официальное признание. Его творчество современники ставили выше творчества авторитетного в Европе Пуссена.

В.К. Шебуев работал, преимущественно, на религиозные, мифологические и исторические сюжеты, участвует в монументальных росписях церквей и соборов и писании образов для них: «СМЕРТЬ КАМИЛЛЫ, СЕСТРЫ ГОРАЦИЯ» (1821, НХМ РБ), «РОЖДЕСТВО ХРИСТОВО» (1847, ГТГ), «ПОДВИГ КУПЦА ИГОЛКИНА» (1839, ГРМ)

Историческая живопись первой трети XIX века в существенном не продвинулась вперед по сравнению с мастерами конца XVIII века. Более того, в ней усилились моменты внешней театрализации действия, условность жестов, сухость и академичность рисунка, холодность и абстрактность цветовых решений.

Наибольшие же успехи русской живописи этого периода были связаны с романтизмом, развитие романтических тенденций происходит как противовес академической рутине, застылости, косности.

Лучшие стремления человеческой души, взлеты и парения духа выразила романтическая живопись того времени прежде всего в портрете. В портретном жанре ведущее место занимал ОРЕСТ АДАМОВИЧ КИПРЕ́НСКИЙ (1782–1836).

Кипренский родился в Петербургской губернии и был незаконным сыном помещика А.С. Дьяконова и крепостной, был записан в семью крепостного человека А. К. Швальбе. Получив вольную, с 1788 по 1803 год учился в петербургской Академии художеств, где занимался в классе исторической живописи у профессора Г.И. Угрюмова и французского живописца Г.-Ф. Дуайена.

В 1805 г. получил Большую золотую медаль за картину «ДМИТРИЙ ДОНСКОЙ НА КУЛИКОВОМ ПОЛЕ» (ГРМ) и право на пенсионерскую поездку за границу, которая была осуществлена только в 1816 году.

Годы после окончания Академии и до отъезда за границу, овеянные романтическими чувствами, – наивысший расцвет творчества Кипренского. В этот период он вращался в среде свободомыслящей русской дворянской интеллигенции. Знал К. Батюшкова и П. Вяземского, ему позировал ВА. Жуковский, а в более поздние годы – Пушкин. Его интеллектуальные интересы были также широки, недаром Гете, которого Кипренский портретировал уже в свои зрелые годы, отметил его не только как талантливого художника, но и как интересно думающего человека.

Модели Кипренского, живущие в своем особом мире, открываются зрителю, словно предлагая почувствовать их внутренний мир – всегда сложный, подвижный, подверженный мимолетным настроениям: ПОРТРЕТ ЕКАТЕРИНЫ ПЕТРОВНЫ РОСТОПЧИНОЙ (1809, ГТГ), ПОРТРЕТ ДАРЬИ НИКОЛАЕВНЫ ХВОСТОВОЙ (1814, ГТГ), ПОРТРЕТ МАЛЬЧИКА АЛЕКСАНДРА АЛЕКСАНДРОВИЧА ЧЕЛИЩЕВА (ок. 1809, ГТГ), ПОРТРЕТ ПЕТРА АЛЕКСЕЕВИЧА ОЛЕНИНА(1813, ГТГ), ПОРТРЕТ ПОЭТА ВАСИЛИЯ АНДРЕЕВИЧА ЖУКОВСКОГО(1816, ГТГ)

В свободной позе, задумчиво глядя в сторону, небрежно облокотясь на каменную плиту, стоит полковник лейб-гусаров Е.В. Давыдов (ПОРТРЕТ ЛЕЙБ-ГУСАРСКОГО ПОЛКОВНИКА ЕВГРАФА ВЛАДИМИРОВИЧА ДАВЫДОВА, 1809, ГРМ). Этот портрет воспринимается как собирательный образ героя войны 1812 г., хотя он вполне конкретен. Романтическое настроение усилено изображением грозового пейзажа, на фоне которого представлена фигура. Колорит построен на звучных, взятых в полную силу цветах – красном с золотом и белом с серебром – в одежде гусара – и на контрасте этих цветов с темными тонами пейзажа.

Открывая различные грани человеческого характера и духовного мира человека, Кипренский всякий раз использовал разные возможности живописи, демонстрируя живописное мастерство. Живописная свободная манера построена то на тончайших переходах одного тона в другой, на разной светосиле цвета, то на гармонии контрастных чистых крупных световых пятен. Художник использует смелые цветовые эффекты, влияющие на моделировку формы; пастозная живопись выражает энергию, усиливает эмоциональность образа.

По справедливому замечанию Д. В. Сарабьянова, русский романтизм никогда не был столь мощным художественным движением, как во Франции или Германии. В нем нет ни крайнего возбуждения, ни трагической безысходности. В романтизме Кипренского еще много от гармонии классицизма, от тонкого анализа «извивов» человеческой души, столь свойственного сентиментализму. «Век нынешний и век минувший», столкнувшись в творчестве раннего Кипренского, составили своеобразие и обаяние его ранних романтических портретов.

В поздний, итальянский, период в силу многих обстоятельств его личной судьбы художнику редко удавалось создать что-либо равное ранним произведениям. Но и здесь можно назвать такие шедевры, как один из лучших прижизненных портретов Пушкина (ПОРТРЕТ А.С. ПУШКИНА, 1827, ГТГ), написанный художником в последний период его пребывания на родине, или ПОРТРЕТ ЕКАТЕРИНЫ СЕРГЕЕВНЫ АВДУЛИНОЙ (ок. 1822, ГРМ), полный элегической грусти.

Особый раздел портретной живописи Ореста Кипренского составляют автопортреты («АВТОПОРТРЕТ С КИСТЯМИ ЗА УХОМ», около 1808, ГТГ; «АВТОПОРТРЕТ В РОЗОВОМ ШЕЙНОМ ПЛАТКЕ», около 1808, ГРМ; «АВТОПОРТРЕТ», 1820; «АВТОПОРТРЕТ В ПОЛОСАТОМ ХАЛАТЕ», 1828, ГТГ) их животворит трепетная романтическая стихия творчества, воплощением которой выступает сам художник.

Бесценная часть творчества Кипренского – графические портреты, выполненные в основном мягким итальянским карандашом с подцветкой пастелью, акварелью, цветными карандашами («АВТОПОРТРЕТ», ПОРТРЕТ ГЕНЕРАЛА Е.И. ЧАПЛИЦА (ГТГ), ПОРТРЕТ НАТАЛЬИ ВИКТОРОВНЫ КОЧУБЕЙ). В быстрых карандашных портретах-зарисовках фиксируется мимолетное изменение лица, любое душевное движение. Но и в графике Кипренского также происходит определенная эволюция: в поздних работах нет непосредственности и теплоты, но они виртуознее и изысканнее по исполнению (ПОРТРЕТ С.С. ЩЕРБАТОВОЙ, ит. кар., ГТГ).

Вторым крупнейшим русским портретистом этого времени был ВАСИЛИЙ АНДРЕЕВИЧ ТРОПИ́НИН (1776–1857).

Родился в семье крепостных. Был крепостным сначала графа А. С. Миниха, затем И. И. Моркова. В 1798-1804 учился в петербургской Академии художеств, где сблизился с О. А. Кипренским. В 1804 Морков вызвал молодого художника к себе; попеременно жил то на Украине, в селе Кукавка, то в Москве, на положении крепостного живописца, обязанного одновременно выполнять хозяйственные поручения помещика. Лишь к 45 годам, в 1823, художник был окончательно освобожден от крепостной зависимости. Получил звание академика, но, отказавшись от карьеры в Петербурге, в 1824 поселился в Москве. Прожил долгую жизнь, и ему суждено было узнать истинное признание, даже славу, стать самым известным художником московской портретной школы 1820–1830х годов.

Отдавая дань романтическим влиянием эпохи, Тропинин в ранний период творчества развивал идеи сентиментализма XVIII века, идеи В. Боровиковского. Правда, его образы были более дидактически-чувствительные, чем сентиментализм Боровиковского.

К 1820м годам Тропинин обретает свой собственный стиль изображения, утвердил собственный принцип трактовки человека. Подобно Кипренскому, Тропинин раскрывает в портретах ценность человеческой личности, как нечто не зависящее от сословной значимости, а заключающееся в ее собственных душевных богатствах. В его моделях нет романтического порыва Кипренского, но в них подкупает простота, безыскусность, искренность выражения, правдивость характеров, достоверность бытовой детали. Лучшие из портретов Тропинина, такие, как ПОРТРЕТ СЫНА (1818, ГТГ), ПОРТРЕТ П.А. БУЛАХОВА (1823, ГТТ) отмечены высоким художественным совершенством.

В портрете сына Арсения, необычайно искреннем образе, живость и непосредственность подчеркивается умелым освещением: правая часть фигуры, волосы пронизаны, залиты солнечным светом, искусно переданным мастером. Гамма цветов от золотисто-охристых до розово-коричневых необычайно богата, широкое применение лессировок еще напоминает живописные традиции XVIII века.

Тропинин в своем творчестве идет по пути придания естественности, ясности, уравновешенности несложным композициям погрудного портретного изображения. Именно так изобразил Тропинин А.С. Пушкина (ПОРТРЕТ А.С. ПУШКИНА,1827) – сидящим у стола в свободной позе, одетым в домашнее платье, что подчеркивает естественность внешнего облика, создавая домашний, интимный образ поэта.

Тропинин – создатель особого типа портрета-картины – портрет с жанровой основой. Художник создает портрет-тип, где за единичной, конкретной моделью стоит обобщение, направленное на создание собирательного типизированного образа с определенной сюжетной завязкой, не потерявшие, однако, конкретных индивидуальных черт.

Ярким примером является знаменитая картина «КРУЖЕВНИЦА» (1823, ГТГ). Судя по предварительному рисунку, художник начинал с совершенно конкретного образа молодой женщины, затем несколько идеализировал его, сохранив портретную основу. Жанровый мотив также получает неполное развитие. Тропинин показал процесс работы кружевницы, точно изобразил все детали. Но сам сюжет не имеет в картине значительного развития повествование еле намечено, нет завязки и развязки. Эти элементы, включи их Тропинин в свою картину, разрушили бы портретную основу, перенесли бы акцент на жанровое построение образа.

Чисто жанровые сцены – изображения деревенской свадьбы, жатвы и другие – остались в наследии Тропинина явлениями второстепенными. А «Кружевница» и ей подобные «полужанры-полупортреты» стали закономерным выражением основных творческих интересов художника («ПРЯХА», ГТГ; «ГИТАРИСТ», 1823, ГТГ; «ЗОЛОТОШВЕЙКА», 1826, ГТГ).

В портретах 1840х годов возрастает роль выразительной детали, в ряде случаев — пейзажного фона, усложняется композиция, напряженней и экспрессивней становится колорит («ЖЕНЩИНА В ОКНЕ» («КАЗНАЧЕЙША»), 1841; АВТОПОРТРЕТ, 1846; «ДЕВУШКА С ГОРШКОМ», 1850). При этом романтизм художника обычно остается камерным и умиротворенно-«домашним».

Поздние произведения Тропинина (например, «Слуга со штофом, считающий деньги», 1850е) свидетельствуют об угасании колористического мастерства, однако по-прежнему привлекают своей жанровой наблюдательностью, интересом к бытописанию.

Своим творчеством художник способствовал укреплению реализма в русской живописи и оказал большое влияние на московскую школу. Тропинин был в московской живописи центральной фигурой. Хоть он сам и не вел преподавательскую работу, учителя и ученики Московского училища ориентировались на опыт Тропинина и его традиция продолжалась вплоть до конца XIX века.

Тропинин только ввел жанровый элемент в портрет. Настоящим же родоначальником бытового жанра в русском искусстве XIX века явился АЛЕКСЕЙ ГАВРИЛОВИЧ ВЕНЕЦИА́НОВ (1780–1847), творческий путь которого способствовал выполнению важной миссии – «русификации» содержания русского живописного искусства, придания национального характера создаваемым образам.

Землемер по образованию, служащий почтового ведомства, Венецианов оставил службу ради живописи, переехал из Москвы в Петербург и между 1807-1811 годами берет уроки у Боровиковского.

Первые творческие шаги он сделал в жанре портрета, создавая пастелью, карандашом, маслом лирические, иногда овеянные романтическим настроением образы (портрет B.C. Путятиной, ГТГ; ПОРТРЕТ М.А.ВЕНЕЦИАНОВОЙ, 1810е). Среди портретов наиболее известен АВТОПОРТРЕТ (1811, ГТГ).

Но вскоре художник оставляет портрет ради карикатуры, и за одну остросюжетную карикатуру «Вельможа» первый же номер задуманного им «Журнала карикатур на 1808 год в лицах» был закрыт. Офорт Венецианова был, по сути, иллюстрацией к оде Державина и изображал толпящихся в приемной просителей, в то время как в зеркале был виден вельможа, пребывающий в объятиях красотки предполагается, что это карикатура на графа Безбородко).

На рубеже 1810–1820х годов Венецианов уехал из Петербурга в Тверскую губернию, где купил небольшое имение Сафонково. Здесь он и обрел свою основную тему, посвятив себя изображению крестьянской жизни. Картины наполнены поэтическими изображениями крестьян и крестьянок, их детей, жанровыми сценами русской жизни и неброскими русскими пейзажами.

Одной из первых была картина «ГУМНО» (1821–1822, ГРМ), отражающая трудовую сцену в интерьере. Венецианов поставил перед собой совершенно определенные задачи. Он изобразил людей в интерьере (повелев выпилить торцовую стену гумна, чтобы перед художником открылось целиком его внутреннее помещение), точно передал свет, льющийся из разных источников, показал крестьян в разных позах и положениях, т.е. запечатлел реальную сцену, как она есть. В этом и заключалась программа Венецианова. Сюжетами своих картин он стал брать самые обыденные явления жизни.

Жизнь, как она есть, –вот что хотел изобразить Венецианов.Конечно,Венецианов не вскрывал острейших коллизий жизни русского крестьянина, не поднимал «больных вопросов» современности. Его образы – это патриархальный, сентиментальный, идиллический мир. Но художник не вносил в него поэтичность извне, не придумывал ее, а черпал ее из народной жизни,изображаемой им с такой любовью.В картинах Венецианова нет драматических завязок, динамичного сюжета, они, наоборот, статичны, в них «ничего не происходит». Но человек всегда находится в единении с природой, в вечном труде, и это делает образы Венецианова монументальными («НА ПАШНЕ. ВЕСНА», 1820е, ГТГ; «НА ЖАТВЕ. ЛЕТО», 1820е, ГТТ; «УТРО ПОМЕЩИЦЫ», 1820е, ГРМ; «СПЯЩИЙ ПАСТУШОК», 1823-1826, ГРМ; «ЖНЕЦЫ», 1820е, ГРМ; «ВОТ-ТЕ И БАТЬКИН ОБЕД», 1824, ГТГ; «ЧИСТКА СВЕКЛЫ», 1820е, ГРМ;«ЗАХАРКА», 1825; «КРЕСТЬЯНКА С ВАСИЛЬКАМИ», 1830е, ГТГ).

В концепции художника много и от классицистических представлений, и от сентиментализма, а в понимании им пространства – и от романтизма. Но творчество Венецианова – это и определенный этап на пути сложения русского реализма XIX века, и в этом непреходящее значение его живописи. Это определяет и его место в русском искусстве в целом.

Картины художника, не получившего классического академического образования (видимо, так надо было Провидению), имеют большой успех на академических выставках, хотя сами академики не торопятся принять А. Венецианова в ряды преподавателей Академии. Но художник по-прежнему верен своему самобытному пути: он создает собственную школу, получившую в будущем вполне заслуженное художником название «венециановской», в которой учились одаренные дети из простых сословий и из которой вышли многие известные живописцы.

ШКОЛА ВЕНЕЦИАНОВА, ВЕНЕЦИАНОВЦЫ – это целая плеяда художников 1820–1840х годов, работавших с ним как в Петербурге, так и в его имении Сафонково. Это Алексей Васильевич Тыранов (Тыронов), Евграф Федорович Крендо́вский, Лавр Кузьмич Пла́хов (Плохов), Капитон Алексеевич Зеленцов, Никифор Степанович Крылов, С. К. Зарянко и многие другие. Среди учеников Венецианова много выходцев из крестьян.

Под кистью венециановцев рождались не только сцены крестьянской жизни, но и городские мотивы. Писали художники и интерьеры, и пейзажи, и натюрморты, и портреты, особенно «семейные портреты в интерьере» – соединявшие конкретность образов с подробностью повествования, передававшие атмосферу среды.

АЛЕКСЕЙ ВАСИЛЬЕВИЧ ТЫРАНОВ «МАСТЕРСКАЯ ХУДОЖНИКОВ БРАТЬЕВ ЧЕРНЕЦОВЫХ», 1828, ГТГ.

ЕВГРАФ ФЕДОРОВИЧ КРЕНДО́ВСКИЙ ПОРТРЕТ АЛЕКСАНДРА АЛЕКСАНДРОВИЧА БАШИЛОВА С СЕМЬЕЙ, начало 1830х, ГТГ; «ПЛОЩАДЬ ПРОВИНЦИАЛЬНОГО ГОРОДА», начало 1850х, ГТГ.

ЛАВР КУЗЬМИЧ ПЛА́ХОВ «КУЗНИЦА»,1845, ГРМ.

КАПИТОН АЛЕКСЕЕВИЧ ЗЕЛЕНЦО́В «В КОМНАТАХ»,конец 1820х - 1830е, ГТГ; «МАСТЕРСКАЯ ХУДОЖНИКА ПЕТРА ВАСИЛЬЕВИЧА БАСИНА», 1833, ГРМ.

НИКИФОР СТЕПАНОВИЧ КРЫЛОВ «ЗИМНИЙ ПЕЙЗАЖ» («РУССКАЯ ЗИМА»), 1827, ГРМ

Наиболее талантливый ученик Венецианова, несомненно, ГРИГОРИЙ ВАСИЛЬЕВИЧ СОРО́КА (1813–1864), художник трагической судьбы. (Сорока был освобожден от крепостной зависимости только реформой 1861 г., но вследствие тяжбы с бывшим помещиком был приговорен к телесному наказанию, не вынес одной мысли об этом и покончил с собой.)

Писал картины Г. Сорока всего лишь около десяти лет.Пейзажи, написанные Г. Сорокой в селе Спасском Тамбовской губернии (имении родственников хозяев художника) поражают внутренней чистотой, покоем и красотой. Образы наполняются высочайшей поэзией, благостной тишиной, но и щемящей грустью. Это мир реальных предметов, но и идеальный мир, воображаемый художником («ВИД НА ПЛОТИНУ В УСАДЬБЕ СПАССКОЕ ТАМБОВСКОЙ ГУБЕРНИИ», 1840е, ГРМ; «ВИД НА УСАДЬБУ СПАССКОЕ ТАМБОВСКОЙ ГУБЕРНИИ», 1840е; «РЫБАКИ. ВИД В СПАССКОМ», Вторая половина 1840х, ГРМ; «КАБИНЕТ ДОМА В "ОСТРОВКАХ", ИМЕНИИ Н.П. МИЛЮКОВА», 1844)

Яркий представитель пейзажной живописи – СИЛЬВЕСТР ФЕОДОСИЕВИЧ ЩЕДРИ́Н(1791–1830), замыкает группу художников представляющих русский романтизм на первом его этапе.

Сильвестр Щедрин, сын скульптора Феодосия Щедрина, начал творческий путь учеником своего дяди Семена Щедрина с классицистических композиций: четкое деление на три плана (третий план – всегда архитектура), по бокам кулисы.

Сильвестр Щедрин прекрасно прошел курс Академии художеств (1800-1811), которую окончил с большой золотой медалью и правом пенсионерской поездки в Италию. Правда, выехать в этот солнечный край он смог лишь в 1818 году. До отъезда молодой художник пишет виды Петербурга и его окрестностей, принесшие ему известность (ВИД С ПЕТРОВСКОГО ОСТРОВА НА ТУЧКОВ МОСТ И НА ВАСИЛЬЕВСКИЙ ОСТРОВ В ПЕТЕРБУРГЕ», 1815, ГТГ).

Настоящая же слава пришла к нему все же в Италии,где Щедрин прожил более 10 лет и умер в расцвете таланта. Его пенсионерство кончилось в 1823 году, но на родину Сильвестр Щедрин так и не выехал. Причин тому несколько, и, возможно, главная из них — тяжелая болезнь, которая требовала возрастающего лечения и пребывания в теплых краях. Умер живописец в неполные сорок лет, оставив после себя замечательные полотна. Популярность русского художника в Риме и, особенно, в Неаполе была столь велика, что он делал по иным своим картинам до десятка авторских копий. Но лишь меньшая часть его художественного наследия была переправлена в Россию.