Художественные стили начала ХХ века

Фовизм

Первую треть XX века называют периодом художественной революции. Одну из них произвело появление фовизма (от фр. fauve – дикий). Ироничное прозвище «диких» критика дала молодым живописцам, чьи картины, в несколько агрессивной цветовой гамме, были выставлены в парижском Осеннем салоне 1905 году. Новое течение во французской живописи просуществовало недолго – с 1905 по 1907 год. Оно объединило в своих рядах достаточно крупных мастеров, А.Матисса, А.Марке, Ж.Руо, А.Дерена, Р.Дюфи, М.Вламинка. Пронзительные цвета, притягивающие этих художников, отталкивали одних и, напротив, привлекали других, вызвав волну подражаний.

Экспрессионизм

Экспрессионизм (отлат. еxpressio – выражение), просуществовавший дольше фовизма (первая четверть XX в.), возник, как и фовизм, в 1905 году, но охватил и литературу, и изобразительное искусство. Наиболее ярко он проявил себя в культуре Германии и Австрии (писатели Г.Кайзер, и В.Газенклевер в Германии, Ф.Верфель в Австрии, художники Э.Нольде, Ф.Марк, П.Клее в Германии, О.Кокошка в Австрии, австрийские композиторы А.Шенберг, А.Берг, немецкие кинорежиссеры Ф.В.Мурнау, Р.Вине, П.Лени). Единственной реальностью экспрессионизм провозгласил субъективный мир человека, выражение которого стало главной целью искусства. Экспрессионизм стремился передать напряженность человеческих эмоций, гротескную изломанность, иррациональность образов. К экспрессионизму стали впоследствии относить несколько художественных группировок.

Первой была основанная в Дрездене художником Эрнстом Людвигом Кирхнером (1880 – 1938) группа «Мост». Он создавал произведения, где динамичное, «пульсирующее» пространство сочетается с резкими, нервными контрастами цвета. В кругу экспрессионистов были часты религиозные настроения, граничащие с мистикой. В картине Эмиля Нольде (1867 – 1956) «Поклонение волхвов» огрубленные формы, чудовищные лица, налет чертовщины, следование цветовой символике (синий – цвет бесконечности) возникли из увлечения художника работами средневековых мастеров.

Вторая группа – «Синий всадник» возникла в 1911 году в Мюнхене и просуществовала до 1914 года. Ее главой считают художника Франца Марка (1880 – 1916), погибшего в начале Первой мировой войны. Его динамичные, напряженные по колориту мистико-символические картины выражают неприятие действительности, настроения тревоги («Судьба животных», 1913). Члены «Синего всадника» (Ф.Марк, В.Кандинский, П.Клее, А.Макке) разрабатывали проблемы живописно-декоративной и чисто колористической выразительности, тяготели к абстрактным композициям.

Кубизм

Одним из направлений, явившимся своеобразной реакцией на фовизм (наряду с экспрессионизмом), стал возникший во Франции в 1906 году кубизм (фр. cubisme, от cube – куб). Термин «кубизм» был впервые использован в 1911 году. Его родоначальниками явились Жорж Брак (1882 – 1963) и Пабло Пикассо (1881 – 1973). Это авангардистское течение (П.Пикассо, Ж.Брак, X.Грис, Ф.Пикабиа, М.Дюшон, Р.Делоне, Ф.Леже и др.) выдвинуло на первый план формальные эксперименты – конструирование объемной формы на плоскости, выявление простых устойчивых геометрических форм (куб, конус, цилиндр), разложение сложных форм на простые. Отличительное свойство кубизма – максимально возможное разрушение законов перспективы, начатое еще импрессионистами. Предмет определяется не по его положению в пространстве, а по тому, в какой степени его можно представить с разных точек зрения. Кубизм знаменовал радикальный поворот от описания реальности к ее полному пересозданию, геометрические формы призваны были обнажить некие изначальные «прототипы» человеческих фигур, вещей и мира природы.

Первая стадия кубизма (1907 – 1913) получила название «аналитической». В этот период изображения кубистов дробятся на мелкие плоскости, объемность вообще не принимается в расчет, а объем существует как бы параллельно плоскости изображения. В 1907 г. Пикассо создает композицию «Авиньонские девицы» – большое панно, изображающее сцену в борделе: розовые фигуры персонажей геометризированы, лица написаны в штриховой манере, имитирующей приемы африканских скульпторов. Вызывающе грубая, с нарочито деформированными фигурами, «Авиньонские девицы» произвела сенсацию, поощрив других художников к более смелым экспериментам. Эта картина радикально изменила ход истории искусства XX в. В 1912 году появился коллаж, оказавший большое влияние на развитие всей живописи XX века. Коллаж позволял строить композицию совершенно произвольно.

С 1913 года начинается «синтетическая» стадия, когда появляется большее внимание к цвету, преобладают натюрморты, преимущественно с музыкальными инструментами, трубками и коробками из-под табака, нотами, бутылками с вином и т. п. – атрибуты, присущие образу жизни художественной богемы на­чала века. В композициях появляется «кубистическая тайнопись»: зашифрованные номера телефонов, домов, обрывки имен возлюбленных, названий улиц, кабачков. В «синтетический» период появляется стремление к более гармоничным цветам и уравновешенным композициям.

Постепенно Пикассо отходит от кубизма, с 1914 года у него проявляется интерес к точным контурам и пластическим формам. При этом в творчестве мастера сохраняется тенденция к одновременным поискам в разных направлениях. Так, в середине 20-х годов он испытывает влияние сюрреализма, продолжает активно заниматься скульптурой. В 1937 году Пикассо создает знаменитую «Гернику», посвященную жертвам гражданской войны в Испании.

В 1944 году Пикассо становится членом Французской компартии, в 1950-м он рисует знаменитого «Голубя мира». Позже Пикассо много работает как гра­фик, скульптор, керамист. Его творчество оказало громадное влияние на художников всех стран.

Абстракционизм

Разрабатывая принципы кубизма, Пикассо и Брак не дожили до полной абстракции, сохранив, хотя и слабую, связь между живописным изображением и реальными объектами. Их новации довели до логического завершения другие художники – Василий Кандинский (1866 – 1944), Казимир Малевич (1878 – 1935) и Питер Мондриан (1872 – 1944). Язык их живописи становится совершенно беспредметным. Кандинский заканчивает юридический факультет, его ожидает университетская карьера, но он неожиданно покидает Россию и переезжает в Мюнхен (1896). Первым среди всех он дает теоретическое обоснование нового метода в живописи, утверждая, что главная цель искусства заключается в выражении внутреннего мира художника. К этой позиции присоединяются трое немецких живописцев-экспрессионистов (Франц Марк, АвгустМакке и Пауль Клее), основавших в Мюнхене вместе с Кандинским группу «Синий всадник». Как и Кандинский, К.Мале­вич отказался от изображения предметного мира, избрав в качестве альтернативы сочетание геометрических форм, которые, по его убеждению, утверждали интеллектуальное превосходство человека над природой. Его супрематические картины «Черный квадрат» (1915), «Белый квадрат на белом фоне» (1918) – зрелое выражение абстракционизма.

Благодаря творчеству русских художников в мировой культуре появился новый вид – абстрактное искусство. Его называют беспредметным и нефигуративным. Сложилось несколько его вариантов: геометрическая абстракция, абстрактный экспрессионизм, информель, ташизм, постживописная абстракция.

Футуризм

Футуризм (от лат. futurum – будущее) – авангардистское направление в европейском искусстве 1910 – 1920-х годов, преимущественно в Италии и России. Стремясь создать «искусство будущего», футуризм декларировал (в манифестах и художественной практике итальянского поэта Ф.Т.Маринетти, российских кубофутуристов из «Гилеи», участников «Ассоциации эгофутуристов», «Мезонина поэзии», «Центрифуги») отрицание традиционной культуры культивировал эстетику урбанизма и машинной индустрии. В первом «Манифесте футуризма» (1909) Маринетти заявлял, что мчащийся автомобиль производит на него гораздо большее впечатление, чем любая классическая скульптура вроде Ники Самофракийской. Культ машины действительно стал символом итальянских художников. Современная техника, ее динамизм и экспрессия, по мнению художников, бросали вызов образцам и идеалам прошлого. Переняв приемы, отработанные кубистами, художники-футуристы воспевали в своих картинах и скульптурах динамику и грохот современного индустриального города. Футуристы заложили основу возникновения дадаизма, а их художественная программа перекликалась и с экспериментами русских авангардистов.

Дадаизм

Дадаизм (фр. dadaisme, от dadа – конек, дсревянная лошадка; детский лепет) , как и футуризм, представляет авангардистское литературно-художественное течение в 1916 – 1922 гг. Дадаизм, сложившийся в Швейцарии (А.Бретон, Т.Тцара, Р.Гюльзенбек, М.Янко, М.Дюшан, Ф.Пикабия, М.Эрнст, Ж.Арп), выразил себя в скандальных выходках – заборных каракулях, псевдочертежах, комбинациях случайных предметов. Антивоенное, антинационалистическое, антиконформистское течение, дадаизм был направлен против всего на свете, даже против себя. Само название «дада» не имело никакого смысла. Дадаист-писатель пронизывал свои не поддающиеся пониманию песни криками и рыданиями. Поэт-дадаист «писал» стихи, вырезая слова из газет, перемешивая их, а затем вытаскивая из общей кучи, не глядя.

После окончания войны многие дадаисты покинули Цюрих. Одни уехали во Францию, другие в Германию. В Кельне Макс Эрнст организовал выставку, попасть на которую можно было, лишь пройдя через общественный туалет (1920). Анархичное и спонтанное по своей сути, течение дадаизма утверждало бессмысленность и бесполезность войны. В 20-е годы дадаизм во Франции слился с сюрреализмом, в Германии – с экспрессионизмом.

Сюрреализм

Сюрреализм (фр. surrealisme, букв. – сверхреализм.) – одно из ведущих направлений в искусстве XX века, провозгласившее источником искусства сферу подсознания (инстинкты, сновидения, галлюцинации), а его методом – разрыв логических связей, замененных свободными ассоциациями. Сюрреализм сложился в 20-х годах, развивая дадаизм. С 30-х годов (художники С.Дали, П.Блум, И.Танги) главной чертой сюрреализма стала парадоксальная алогичность сочетания предметов и явлений, которым виртуозно придается видимая предметно-пластическая достоверность.

Под влиянием идей французского писателя Андре Бретона (1896 – 1966) внутри группы парижских дадаистов позднее сформировалось новое художественное течение – сюрреализм. В «Манифесте сюрреализма» А.Бретон (1924) утверждал, что личность обретает свободу лишь в интуитивных психических актах, подавляемых обществом. Бретон признает, что многим обязан не только Фрейду и его толкованию сновидений, но и графу Лотреамону, который еще в прошлом веке писал, что красота – это случайная встреча швейной машинки и зонтика на анатомическом столе». Эта фраза стала девизом сюрреалистов.

Творчество одного из самых ярких представителей сюрреализма испанского живописца Сальвадора Дали (1904 – 1989), отмечено безудержной фантазией и виртуозной техникой исполнения. В своих картинах – «Постоянство памяти» (1931), «Пылающий жираф» (1935), «Предчувствие гражданской войны в Испании» (1936), «Осенний каннибализм» (1936), «Сон, вызванный полетом пчелы вокруг граната, за секунду до пробуждения» (1944), «Атомная Леда» (1947) и др. – Дали с необычной фантазией соединяет, кажется, несоединимое и создает парадоксальные образы: расплавившиеся часы, телефон-аппарат с трубкой в виде лангуста, диван-губы, рояль, свисающий словно драпировка, и т. п. Обращаясь к сфере подсознательного, интересуясь эротикой, неосуществленными желаниями, игрой воображения, Дали стремится объективировать видения (метод «паранойи»), дать тотальное описание безумия. Использует он и прием «исчезающих образов», которые как бы растворяются в окружающем пространстве. Помимо живописи Дали изготовляет многочисленные сюрреалистические объекты (жакет, обшитый стаканами, манекены у рояля и в такси, гипсовые муляжи, варварски раскрашенные или перетянутые веревками и т. п.). Дали всегда отличался причудливой манерой поведения, постоянно меняя экстравагантные костюмы и фасон усов. В 1974 году, вложив все свои средства, Дали построил «Театр-музей Дали», в котором он и погиб во время пожара, пребывая в полном одиночестве и не желая покинуть дом[22].

Бельгийский художник Репе Магрит (1898 – 1967), один из крупнейших представителей сюрреализма, в своих картинах нарочито разрушает пропорции, подобно Дали, совмещает несовместимые предметы или вообще выворачивает образы наизнанку – например, русалка изображена у него как существо с ногами человека и телом рыбы. Его оригинальность проявляется в смеси «черного юмора» и традиционного видения предметов. Картины Магрита основаны на эффекте отстранения вещи от ее привычного смысла («Это не трубка», – предупреждает надпись на его композиции 1930 года, где изображена именно курительная трубка). В его образах предметы и персонажи на глазах превращаются в метафоры, не теряя четкой предметной узнаваемости.

«Поп-арт»

«Поп-арт» (англ, popular art – популярное, общедоступное искусство) – одно из течений в искусстве модернизма: Возникло в 50-х годах XX в. в Великобритании и США, первоначально в живописи и скульптуре, а затем распространилось на другие сферы массовой западной культуры.

«Поп-арт» – это удовлетворение и реализация «тоски по предметности», порожденной долгим господством и непонятностью массовым зрителям в западном искусстве абстракционизма. Абстракционистскому отказу от реальности «поп-арт» противопоставил грубый мир материальных вещей, котором приписывается художественный статус.

Теоретики «поп-арта» утверждают, что каждый предмет в определенном контексте превращается в произведение искусства, теряет свое первоначальное значение и приобретает художественные качества. Отсюда задача художника не создание художественного предмета, а придание обыденному предмету художественных качеств путем организации определенного контекста eго восприятия. Эстетизация вечного мира становится принципом «поп-арта». Художники стремятся добиться броскости, наглядности, доходчивости своих творений, используя для этого яркие этикетки и рекламу. «Поп-арт» – это композиция бытовых предметов, иногда в сочетании с муляжем или скульптурой.

Смятые автомобили, композиции с включением выцветших фотографий, обрывков газет и афиш, наклеенных на ящики, чучело курицы под стеклянным колпаком, выкрашенный белой масляной краской рваный ботинок, электромоторы, композиции из старых шин или старых газовых плит – таковы художественные экспонаты «поп-арта».

«Поп-арт» как художественное направление имеет ряд разновидностей (течений): «оп-арт» (художественно организованные оптические эффекты, геометрические комбинации линий и пятен), «эл-арт» (движущиеся с помощью электромоторов предметы и конструкции), «окр-арт» (композиции, окружающие зрителя) и т.д.

«Оп-арт» является таким течением «поп-арта», в котором упор с мира вещей перенесен на светоцветовую среду и атмосферу вокруг человека. Особая эстетическая среда создается с помощью световых и цветовых оптических эффектов благодаря применению линз, зеркал, вращающихся устройств, дрожащих металлических пластинок и проволок. При этом художник достигает высокой степени абстрагирования от конкретности. «Оп-арт» объединил «поп-арт» с традициями геометрического абстракционизма. В национальном музее в Вашингтоне в 1963 г. можно было видеть огромную композицию из блестящей медной проволоки. Это произведение «оп-арта» изображало солнце, являвшееся фокусом медной паутины – «неба». Композиция от малейшего движения воздуха тихо колыхалась и переливалась тысячами тончайших медных нитей.

В 1964 г. в Амстердаме в национальном музее рядом с залами, где висят картины Рембрандта, открылась выставка «поп-арта». Обращает на себя внимание представленный там образчик «окр-арта»: у стены стоит трельяж, на его подзеркальнике аксессуары дамского туалета – одеколон, пудра, пуховка, маникюрный набор, перед подзеркальником пуфик. Все предметы совершенно реальные, однако на пуфике находится белая, из нетонированного гипса, фигура женщины. В руке эта гипсовая женщина держит реальную расческу, которой причесывает свои гипсовые волосы.

«Поп-арт» выдвинул концепцию личности общества «массового потребления». Человек-потребитель, которому эстетизированные натюрморты товарных композиций должны заменить идеологию, жадно вкушающий массовую продукцию, – таков типичный представитель культуры «поп-арта». Это направление принципиально ориентировано на массовую нетворческую личность, лишенную самостоятельности мышления и заимствующую «свои» мысли из рекламы и средств массовой коммуникации. Эта личность программируется «поп-артом» на исполнение заданных ролей приобретателя и потребителя, покорно сносящих отчуждающее воздействие современной цивилизации. Утверждаемая «поп-артом» личность деидеологизирована. Как правило, «поп-арт» не касается общественной проблематики.

«Отец «поп-арта», американский художник Э.Уорол в эстетический принцип своего творчества превратил такие специфические особенности рекламы, как нарочитая крикливость, направленная на привлечение зрительского внимания, банальность, примитивизм, ориентация на среднестатистическую личность.

Хэппенинг

Хэппенинг (от англ, happening – случающееся, происходящее) – сценическая разновидность «поп-арта», импровизированное бесфабульное театрализованное действие, развивающееся без заранее запрограммированного сценария и рассчитанное на спонтанные, непредвиденные поведенческие акции исполнителей, нарочито абсурдные либо копирующие повседневный быт (еда, одевание, бритье и т.д.), и на активное соучастие зрительской аудитории.