II. Важнейшие направления развития западноевропейской художественной культуры XIX века

Положение художественной культуры в XIX веке также становится сложным и противоречивым. С одной стороны, художественная культура продолжает успешно развиваться. В ней возникают новые стили, школы и течения. С другой стороны, художественная культура начинает все ощутимее испытывать определенное недомогание. Она все больше чувствует себя невостребованной, как бы никому не нужной. Одна из причин тому состояла в том, что пришедшая к экономической и политической власти буржуазия имела весьма скромный культурный и эстетический уровень, явно проигрывая в этом плане уходящей в прошлое феодальной аристократии. Духовные и художественные потребности и запросы буржуазии были слишком ограниченными. Она исповедовала философию утилитаризма, в которой главными ценностями выступали польза и удовольствие в их узком материальном понимании. Слово «литература» в среде новых господ приобретало отрицательный, пренебрежительный смысл, им называлось все то, что считалось совершенно бесполезным и ненужным в жизни.

К середине XIX века ситуация меняется, и богатые буржуа начинают активно покупать предметы искусства, делая это в силу того, что обладание такими предметами воспринималось как внешнее свидетельство принадлежности к просвещенной элите общества. Внутренняя, духовная, настоящая и глубокая тяга к искусству по-прежнему отсутствовала.

Вторая причина, осложнявшая развитие художественной культуры, была связана с новыми социально-экономическими условиями жизни. Дело в том, что складывающуюся капиталистическую действительность никак нельзя было назвать царством разума, свободы и справедливости, которое обещала идеология Просвещения. Становление капитализма сопровождалось острыми социальными противоречиями и конфликтами, жестокой эксплуатацией наемного работника, которая сводила к нулю представляемую ему политическую свободу. Все эти процессы были далекими от эстетики прекрасного и возвышенного и ставили перед искусством трудные проблемы, не пробуждали у художников творческого вдохновения. Поэтому не удивительно, что художественная культура в целом не приняла буржуазную действительность.

В одном случае она спасалась от нее бегством в мир грез, фантазии и воображения, как это делали романтизм и сторонники «чистого искусства». В другом случае она занимала по отношению к ней критическую позицию, что было характерно для реализма в целом и критического реализма в особенности.

Еще одни фактор, сильно влиявший на развитие художественной культуры, был связан с наукой.

В ХIХ веке наука и художественная культура не просто продолжали обособляться друг от друга. Их взаимоотношения становились все более антагонистическими и напряженными. Художественная культура ревниво воспринимала растущий общественный престиж науки, видя в ней опасного и преуспевающего соперника. Она не могла смириться с претензиями науки на монополию в области познания мира, считая, что научный рационализм бессилен в познании того, что касается человека и общества.

Здесь на передний план выходят чувства, эмоции, воля, стихийное, иррациональное и т.д., которые подвластны не столько разуму и логике, сколько интуиции, чувствованию, воображению и другим способам постижения, находящимся в компетенции художественной культуры. В то же время художественная культура не могла полностью игнорировать бесспорные успехи науки. Потому некоторые художественно - эстетические течения и направления, возникшие во второй половине XIX века, начинают использовать научные методы и достижения. В качестве примера в этом плане можно указать на натурализм, импрессионизм и неоимпрессионизм.

К числу благоприятных для развития художественной культуры факторов следует отнести формирование интеллигенции как особого социального слоя. Он включал в себя как самих творцов художественной культуры, так и наиболее подготовленных зрителей. Внутри него также складывается группа профессиональных критиков, выполняющих важную роль посредника между создателями художественных произведений и воспринимающей публикой.

В целом развитие художественной культуры XIX века идет под знаком усиления роли субъективного начала, личности художника и творчества как процесса. Данная тенденция проявилась прежде всего в том, что в художественной культуре все большее значение приобретает не «что», а «как», или, иначе говоря, не содержание, а форма, не то, что художник, изображает, рассказывает или выражает, но то, как он это делает, какими средствами и в какой форме. Отсюда повышенное внимание к поиску формы, новых выразительных средств, необычного угла зрения и т.д. Данная тенденция проявилась также в том, что предметом художественной культуры все чаще становятся не окружающий мир и природа, но внутренний духовный мир человека и самого художника, жизнь сознания и психология.

В первой половине XIX века ведущим направлением в художественной культуре является романтизм. Он возник в конце XVIII века в Германии, а затем быстро распространился по всей Европе. Его основателями и первыми теоретиками стали немецкие критики и литературоведы Новалис и братья Шлегели.

Романтизм возник как реакция на рационализм и механицизм эстетики классицизма и философии Просвещения. В то же время пессимизм в отношении перспективы общественного развития, умонастроения «мировой скорби» сочетались в романтизме со стремлением к гармонии миропорядка, духовной целостности личности, с тяготением к «бесконечному», с поисками новых, абсолютных и безусловных идеалов.

Острый разлад между идеалами и реальной действительностью вызывал чувство двоемирия и это составляло основу романтического мировосприятия и искусства. Для романтиков идеал - это нечто столь же прекрасное, совершенное, но абсолютное, таинственное, туманное, непостижимое разумом и недостижимое. Напротив, действительность конкретна, низка, безобразна и преходяща, она достойна только отрицания. Противоречие между идеалом и действительностью абсолютизируется, это непреодолимая пропасть. Отсюда понимание цели искусства: «Искусство не есть изображение реальной действительности, а искажение идеальной правды» (Жорж Санд - фр. писательница). Приблизиться к достижению идеала нельзя с помощью разума и науки, он доступен только интуиции и искусству. Из этого представления вытекает особая миссия художника - нового вождя человечества - и особый способ его существования и творческой деятельности: художник не подчиняется никаким правилам, он свободен, главное - это талант и вдохновение. Абсолютность идеала приводит к абсолютизации моральных категорий (добра и зла), титанизму романтических образов в противовес ничтожности толпы. Романтизм проявляет глубочайший интерес к человеческой личности, который понимался романтиками как единство индивидуальной внешней характерности и неповторимого внутреннего содержания. Отсюда устремленность к безграничной свободе и «бесконечному», жажда совершенства и обновления, пафос личной и гражданской независимости. Романтики открыто провозгласили торжество индивидуального вкуса, полную свободу творчества. Разрушая препоны, которые сдерживали свободу художника, они смело уравнивали высокое и низменное, трагическое и комическое, обыденное и необычное.

Надо отметить, что романтики преодолевали пропасть между идеалом и действительностью с помощью романтической иронии - универсального принципа, сформулированного еще в начале XIX века Фридрихом Шлегелем. Ирония - это скрытая насмешка. Романтическая ирония - это двойная ирония: романтик насмехается над действительностью, пытаясь в своем произведении воплотить идеал; но как только произведение создано, оно тоже становится частью действительности и, следовательно, достойно насмешки.

Романтизм стал первым художественным направлением, в котором со всей определенностью проявилось осознание творческой личности как субъекта художественной деятельности.

Яркими представителями романтизма в литературе являются англичане: Вальтер Скотт, Джордж Байрон, П.Б. Шелли, французы: Виктор Гюго и Теофил Готье, поляк Адам Мицкевич, американец Эдгар По и многие др. Они внесли значительный вклад не только в развитие художественного направления, но и в развитие мировой литературы, явились зачинателями многих жанров, на базе романтизма развивались другие художественные течения.

Так Вальтер Скотт (1771 - 1832) явился зачинателем жанра исторического романа, где сочетаются романтические и реалистические тенденции. В своих романах «Роб Рой», «Айвенго», «Квентин Дорвард» и многих др. создал образ благородного, честного рыцаря, который мужественно сражается за справедливость, честь и достоинство, показывает истинно рыцарское отношение к женщине.

Джордж Байрон (1778 - 1824) - благородный рыцарь - романтик в поэме «Паломничество Чайльд Гарольда» вывел образ разочарованного действительностью бунтаря-одиночку, защитника обездоленных и обиженных.

Сам Байрон в 1816 г. покидает Англию, участвует в движении итальянских карбонариев, в национально-освободительной борьбе в Греции, где и погибает. Творчество Байрона оказало большое влияние на развитие поэзии во многих странах, особенно сказалось на творчестве Лермвнтова.

П.Б. Шелли (1792 - 1822) много внимания в своих стихах уделял философскому осмыслению проблем тирании и свободы, оправдывая насильственное свержение деспотии.

Виктора Гюго (1802 - 1885) - вождя французских романтиков, автора романов «Отверженные», «Собор Парижской богоматери», «Труженики моря», «Человек, который - смеется» и др. знали и высоко ценили писатели и читатели во многих странах мира, в т. ч. и в России за широту охвата, многоплановость, искусство использования знаний психологии, показ героев своих произведений, остро поставленные проблемы, за неистовость в борьбе с классицизмом, за новое искусство, требование свободы искусства, за новое эстетическое кредо. Его драма «Кромвель» даже стала манифестом французских романтиков.

В предисловии к «Кромвелю» В. Гюго пишет, что для искусства «нет ни правил, ни образцов, или вернее, нет иных правил, кроме общих законов природы, господствующих над искусством, и частных законов для каждого произведения, вытекающих из требований, присущих всякому сюжету».

Виктор Гюго умер в расцвете славы. В его похоронах участвовало около двух миллионов человек.

Теофил Готье (1811 - 1872) - видный прозаик и критик, друг В. Гюго. Он обосновал теорию «искусство для искусства» и яростно ее пропагандировал.

Эдгар По (1809 - 1849) - американский писатель, родоначальник детективной литературы. Им написаны произведения «Золотой жук», «Убийство на улице Морг» и др. Замечательный новеллист, предтеча символизма.

Что же касается изобразительного искусства, то впервые термин «романтизм» относительно живописи был применен в некрологе рано умершего французского художника Теодора Жерико (1791 - 1824). Именно он был первым художником этого направления. Теодор Жерико - мастер героических монументальных форм, который соединил в своем творчестве и черты классицизма, и черты самого романтизма, и, наконец, мощное реалистическое начало, оказавшее огромное влияние на искусство реализма XIX века. Но при жизни он был оценен лишь немногими близкими друзьями. Его картина «Плот Медузы» открыла новую страницу западноевропейской живописи, привлекла внимание критиков и публики, но спустя пять лет после его смерти. Темой картины послужила гибель пассажиров судна по вине морского пароходства, отправившего в плавание негодный корабль. Трагический сюжет картины и привлек широкое внимание общественности, обвинившей в катастрофе политический режим Реставрации. Картина представляет собой гигантское полотно 7x5 м, на котором изображены немногие из оставшихся на плоту людей в тот момент, когда они увидели на горизонте корабль. Среди них мертвые, сошедшие с ума, полуживые и те, кто в безумной надежде всматриваются в эту далекую, едва различимую точку.

Картина Жерико написана в суровой, даже мрачной гамме, нарушаемой редкими вспышками красных и зеленых пятен. Но сама тема, раскрытая на бурном драматическом конфликте, дает возможность показать смену разных психологических состояний и настроений, доведенных до крайнего напряжения, построение композиции по диагонали, усиливающее динамический характер изображаемого, - все это черты будущих романтических произведений. Именно к этой картине Жерико был применен термин «романтизм».

Но художник, которому предстояло стать признанной главой романтического движения, был молодой друг Жерико Эжен Делакруа (1798 - 1863), у которого ярко ощущается сопричастность к великим историческим событиям, изменяющим лицо мира. Обращение к кульминационным, драматически острым темам породили пафос и остросюжетный накал его лучших произведений. Так, в картине «Резня на Хиосе» представлен один из эпизодов освободительной борьбы Греции от турецкого ига (в которой погиб глава английских романтиков Байрон). В «Сарданапад» обозначена тема, заимствованная из одноименной трагедии Байрона о легендарном ассирийском царе. Но самое знаменитое свое произведение Э. Делакруа посвятил событиям июльской революции 1830 г. Выставленная в 1831 году картина «Свобода на баррикадах» (другое название -«Свобода, ведущая народ») потрясла современников смелостью художественного решения. Повстанцы на развалинах баррикад, среди мертвых тел погибших товарищей изображены воодушевленными волей к свободе. Эта вдохновляющая сила изображена в романтическом образе прекрасной молодой женщины со знаменем в руках, подобной греческой богине Нике. В картине сочетаются достоверность факта и символичность образов, реализм, доходящий до натурализма, и идеальная красота. Зрители были шокированы новизной и смелостью произведения, немыслимого для своего времени. Недаром позже французы назвали эту картину «Марсельезой» в живописи. Полотно Делакруа осталось уникальным по своему художественному содержанию. Это единственное произведение, в котором романтизм с его вечной тягой к величественному и героическому, с его недоверием к действительности обратился к этой действительности и был ею вдохновлен.

Все его 855 картины, больше полутора тысяч акварелей и пастелей, более 6 тысяч рисунков были посвящены утверждению права человека на активное познание жизни, полноту жизневосприятия. Делакруа по-новому поставил вопрос о границах искусства, он отстаивал принцип «многообразия прекрасного».

Живопись Делакруа была настолько необычна, что вызвало бурю негодования в академической среде. Но осмеянный при жизни, он оставался учителем новых поколений художников, к его живописному видению мира обратились импрессионисты. С признания Делакруа начался типичный для XIX века конфликт публики и художника.

Романтизм изменил не только место искусства в сравнении с наукой, но и иерархию его видов. Если в эстетике XVIII века высшая ступень на «лестнице искусств» принадлежала поэзии, то в XIX веке ее место заняла музыка. Ибо музыка, с точки зрения романтиков, не постигает мир в отвлеченных понятиях, а раскрывает его эмоциональную сущность. Так крупнейшие представители романтизма - Новалис, Шлегель, Гофман и Тик - утверждали, что мыслить звуками выше, чем мыслить понятиями, поскольку музыка воплощает чувства столь глубокие и стихийные, что они не могут быть выражены словами.

Вместе с тем романтиками владело стремление к синтезу искусств, ведь все искусства говорят об одном и том же, только формы выражения, материал у них различный. Так появилась мысль о том, чтобы сблизить все виды искусства, дабы музыка могла рисовать и рассказывать в звуках содержание романа и трагедии, поэзия приблизилась бы по своей музыкальности к искусству звуков, а живопись передавала образы литературы. И сам художник романтической эпохи часто соединял в себе разные дарования, дополняющие друг друга. Так Шуман не только гениальный композитор, но и одаренный писатель, а Гофман не только гениальный писатель, но и одаренный композитор.

Вне связей с литературой невозможно понять творчество Берлиоза, Листа и Вагнера. Вагнер сам создавал текст своих музыкальных драм. Берлиоз и Лист писали программные музыкальные сочинения, связанные с литературными или живописными образами.

В эпоху романтизма родились новые жанры и изменилось соотношение тех, что существовали раньше. Появились новые средства выразительности и приемы воздействия на слушателей. И - что особенно важно - возникли новые национальные композиторские школы, представленные яркими, талантливыми образцами профессионального искусства, впитавшего фольклорные богатства своей страны.

Гордостью не только европейской, но и мировой культуры были на редкость талантливые и выдающиеся композиторы и музыканты: Австрия - Франц Шуберт (1797 - 1828), создатель новых романтических типов песни (романса), симфоний и миниатюр. Одни из величайших мелодистов в истории музыкального искусства. Ведущая область творчества Шуберта - песня (св. 600 - на слова Гете, Шиллера, Мюллера, Гейне и др.); Германия - Роберт Шуман (1810 - 1856) — музыкант -новатор, музыкальный критик и выразитель эстетики. романтизма. Музыке Шумана свойственны портретность, меткая изобразительность, программность и углубленно-психологическое раскрытие человеческих чувств в сочетании с кипучей страстностью, порывистостью и романтической мечтательностью. Он создатель программных фортепьянных циклов («Бабочки», «Карнавал», «Фантастические пьесы», «Крейслериана»), лирико-драматических вокальных циклов, оперы «Геновена», ораторий «Рой и Пери» и многих других произведений. Рихард Вагнер (1813 - 1883) - композитор, дирижер, драматург, критик. Вошел в историю мировой музыкальной культуры как один из крупнейших реформаторов оперного искусства. Целью его реформ было создание монументального программного вокально-симфонического произведения в драматической форме, призванного заменить все виды оперной и симфонической музыки. Таким произведением стала музыкальная драма, в которой музыка течет непрерывным потоком, сливающим воедино все драматургические звенья. Большое место в операх Вагнера занимают самостоятельные оркестровыеэпизоды, являющиеся ценным вкладом в мировую симфоническую музыку. Он является автором 13 опер (в их числе «Летучий Голландец», «Тангейзер», «Лоэнгрин», «Тристан и Изольда», «Нюрнбергские мейстерзингеры»), тетралогии «Кольцо нибелунга», состоящей из музыкальных драм («Золото Рейна», «Валькирия», «Зигфрид» и «Гибель Богов»), 13 произведений для оркестра, множества фортепьянных пьес, романсов и др. Написал 16 томов работ по истории, театру, музыкальной культуре, политике, в их числе «Искусство и революция»; Италия - Джоанкино Россини (1792 - 1868) - композитор и дирижер. Творчеству Россини присущи редкое мелодическое богатство (итальянцы считали, что он обладает великолепным «солнечным» дарованием мелодиста), легкость и блеск музыки. Динамичность развития действия, сценичность, виртуозный стиль пения, высокое мастерство обусловили популярность его опер во всем мире. Автор около 40 опер, множества фортепьянных пьес, арий, романсов и др. С наибольшим блеском музыкальный талант Россини проявился в «Севильском цирюльнике» и «Вильгельме Телле» -шедеврах не только итальянского, но и мирового музыкального искусства; Джузеппе Верди (1813 - 1901) - композитор, дирижер, органист. Основная, область творчества - опера. До начала 50-х гг. выступал главным образом как выразитель героико-патриотических чувств и национально-освободительных идей итальянского народа (современники называли его «маэстро итальянской революции»). В последующие годы уделял преимущественное внимание драматическим конфликтам, порожденным социальным неравенством, насилием, угнетением, изобличал в своих операх зло и несправедливость. Характерные черты творчества Верди: народность музыки, реализм, драматический темперамент, мелодическая яркость, чутье и понимание сцены. Автор 26 опер, каждая из которых является мировым шедевром (в их числе «Макбет», «Риголлето», «Трубадур», «Травиата», «Аида», «Отелло»,, «Дон Карлос» и др.); Франция - Гектор Берлиоз (1803 - 1869) - композитор, создатель жанра программной романтической симфонии, смелый новатор в области музыкальных форм, гармонии и инструментовки, подлинный виртуоз оркестра.

Искусство Берлиоза во многом родственно творчеству Гюго в литературе и Делакруа в живописи. Характерно стремление Берлиоза к театрализации симфонической музыки, ярким инструментальным краскам, грандиозным масштабам сочинений и огромным исполнительским составам.

Технические возможности, способы соединения музыкальных инструментов и образные сферы их употребления описал в «Большом трактате по современной инструментовке и оркестровке». Оставил много музыкально-критических и публицистических очерков, статей и «Мемуары», в них раскрывается его образ как художника и человека; Жорж Визе (1838 - 1875) - композитор, создатель музыкальной драмы. Главная область его творчества - опера, в них выявились лучшие качества стиля Визе: полнота мироощущения, щедрый мелодизм, красочная инструментовка, наивысшее достижение композитора - опера «Кармен» по новелле П. Мериме. Богатство жизненных наблюдений, сочность и выразительность музыкального языка с элементами цыганского и испанского фольклора, драматизм, стремительность действия принесли опере всемирную известность; Польша - Фредерик Шопен (1810 - 1849) - один из крупнейших мировых музыкальных творцов, выдающийся пианист своего времени. Основная область его творчества - фортепьянная музыка. Музыка и игра Шопена носят исключительную по силе и яркости творческую индивидуальность. Наиболее существенными чертами его сочинений являются: богатство идейного и эмоционального содержания и тонкий психологизм, жизненная правдивость и человечность музыки, ярчайшее мелодическое дарование, соединение художественной фантазии и импровизационной свободы с безукоризненной логикой музыкального мышления, стройностью и изяществом формы, свободы владения всеми средствами музыкальной выразительности, новаторство в области гармонии, формы, трактовки фортепьяно и др. Шопен оказал сильнейшее влияние на развитие мировой музыки, в первую очередь, фортепьянной. Написал более 200 произведений: пьесы, сонаты, полонезы, баллады, около 60 мазурок, 17 вальсов, 21 ноктюрн, 27 этюдов, 26 прелюдий, несколько циклов вариаций и др.; Венгрия - Ференц Лист (1811 - 1886) - композитор, пианист - виртуоз, дирижер. Создал новый вид программной симфонической музыки - одночастную симфоническую поэму, обновил содержание музыки. Этому способствовало новаторство в области формы, гармонии и других элементов композиции. Расширил сферу пианизма, достигнув при этом вершин виртуозности, не превращая ее в самоцель. Характерные черты его музыки - импровизационность, романтическая приподнятость чувств, достигающая нередко ораторского пафоса, частая смена настроений, экспрессивная мелодика, содержательная виртуозность. Автор около 700 произведений: в том числе опер, ораторий, симфоний, симфонических поэм, вальсов, романсов и др.

Наряду с романтизмом в 30 - 40-е гг. ХIХ века в художественной культуре складывается и утверждается как самостоятельное течение реализм.

Реализм (от позднелат. — вещественный, действительный) - правдивое, объективное отражение жизни в искусстве; в более узком значении - особое направление (школа, стиль) в искусстве - обращенное к реальной жизни, отражающее социальную действительность в жизненно достоверных художественных образах, правда жизни, воплощенная специфическими средствами различных видов искусства (литературы, живописи, музыки, театра и т.д.). Меру реалистического произведения определяет мера проникновения в реальность, глубина и полнота ее художественного познания.

Так, широко понимаемый реализм - основная тенденция исторического развития художественной культуры, присущая всякому большому искусству. По существу, всех крупнейших художников мировых эпох можно назвать реалистами. Второе значение реализма - исторически конкретная форма художественного сознания нового времени, начало которой ведут либо от Возрождения (ренессансный реализм), либо от Просвещения (просветительский реализм), либо с 30-х гг. XIX века.

Новый этап в развитии реализма связан с попытками уловить закономерности жизни, постигнуть материальные, экономические факторы, влияющие на поведение людей и формирующие их характеры. В поисках скрытого смысла писатели исследовали материальные побудительные силы поступков людей, обнажили механизм общества.

Дух новой идеологической атмосферы стал определяться философией позитивизма. Позитивизм как тип мышления проявился во всех сферах культуры, в том числе и в художественной культуре. Художественная культура должна была изображать реальность в ее подлинном, т.е. эмпирическом существовании. Художественная культура должна была познавать и воссоздавать современную социальную жизнь человека, либо изображать конкретные явления природы. Ему полагалось быть жизнеподобным. Ту сторону реализма, который всесторонне развил и углубил воспринятую от романтизма критику материального, бездуховного прогресса, определили как критический реализм.

Такое направление в художественном освоении реальности выдвигало на первый план художественного творчества не поэзию и музыку, как в эпоху Романтизма, а прозаическую литературу.

Наиболее яркими представителями реализма были французы О. Бальзак, Ги де Мопассан, Ф. Стендаль, англичане Ч. Диккенс и У. Теккерей. Фредерик Стендаль (настоящее имя Анри Мари Бейли (1783 - 1842) - писатель. Его слова: «Если разум не отважен, то зачем же разум», - могут служить эпиграфом не только к его собственной жизни, но и ко всему его творчеству. Он был создателем социально-психологического романа («Расин и Шекспир», «Красное и черное», «Пармская обитель» и др.) Стендаль сделал попытку применить научный подход к характеристике любви. В трактате «О любви» (1822) он выделил четыре ее рода: 1) любовь - страсть (единственно настоящая: человек думает только о любимом существе, забывая о тщеславии); 2) любовь - влечение (любимому существу уделяется много внимания, но не забываются и другие радости, удовольствия, источником которых являются деньги и тщеславие); 3) физическую любовь: 4) любовь - тщеславие (наиболее презираемый Стендалем род любви). Любовь субъективна: любящий приписывает предмету своей любви несуществующие достоинства (происходит «кристаллизация» любви).

Стендаль одни из первых связал проблему любви с социальным анализом, тем самым создал основу для развития нового типа психологизма в литературе.

Ги де Мопассан (1850 - 1893) - писатель, мастер короткого рассказа. Его романы и новеллы, многообразные по тематике и тональности, отличаются точностью и пластичностью художественного изображения. Они содержат трезвость и остроту социального анализа, резкое неприятие прагматизма, лживость и лицемерие морали, приводящих к измельчению личности, утрате духовной цельности. В трактовке постоянной для Мопассана духовной любовной темы - откровенное, лишенное иллюзорности изображение чувственных влечений. Беспощадный наблюдатель человеческой скверны, анатом, называвший жизнь «клиникой для писателей», незадолго до своего конца он потянулся к чистоте, к прославлению любви - страдания и любви - радости. Но счастливо складывающаяся писательская судьба Мопассана рано оказалась омраченной. Признаки тяжелой болезни, непереносимые головные боли, слабость, утомляемость все чаще преследовали его уже с середины 80-х гг., внушая мрачные мысли о наследственном характере недуга и усугубляя пессимистический взгляд на мир. Совершив неудачную попытку самоубийства, впав в безумие, Мопассан скончался в психиатрической больнице, оправдав им же сделанное пророчество: «Я появился в литературе, как метеор, и исчезну, как молния». Его творческий путь длился немногим более десяти лет.

Чарльз Диккенс (1812 - 1870) - классик английской литературы, один из величайших юмористов. Основная тема его романов - тема стойкости человека, сила его сопротивления отнюдь не благоприятствующей ему действительности, а юмор и смех - неизменные помощники в преодолении темных начал жизни, ибо в юморе существует неизменно сознание того, что явление, над которым смеются, не страшно, оно может быть преодолено. С. Цвейг писал: «Юмор, подобно лучу света, озаряет его книги». («Приключения Оливера Твиста», «Дэвид Коперфильд», «Большие надежды», «Посмертные записки Пиквикского клуба» и др.). Юмор Диккенса возносит его творчество в область непреходящего, делает его вечным».

Основные нравственные коллизии романов Диккенса - столкновение бескорыстного великодушного или беззащитного героя с миром эгоистических страстей и расчета, олицетворяемым низким «злодеем» или холодным рационалистом.

Уильям Теккерей (1811 - 1863) - английский писатель, журналист, теоретик искусства, график, иллюстратор своих произведений. Основная тема его произведений - обличение социально-политических пороков современного общества, которые рассматриваются им как зло, свойственное всему человеческому роду («Ярмарка тщеславия», «Пенденнис», «История Генри Эсмонда» и др.).

Теккерей как критик и теоретик искусства создал свой особый «игровой» критический метод, который предполагает свободное манипулирование всеми известными писателю подходами к анализу произведений - биографическим, психологическим, нормативным и др. Это помогало писателю давать проницательные оценки как его современникам - Диккенсу, Дюма, Бальзаку, Куперу и др., так и писателям прошлых лет.

Самым выдающимся писателем, творчество которого явилось одним из величайших побед реализма и оказало громадное влияние на развитие реализма в мировой литературе был Оноре де Бальзак (1799 - 1850). Один из первых он утверждал идейное значение искусства, его социальную миссию. Задачей художника он считал осмысление социальных явлений, поиск внутренних пружин и связей. Искусство должно стать энциклопедией жизни, считал Бальзак. Он взялся за выполнение немыслимо сложной и трудоемкой задачи - показать историю современной Франции.

Начиная с 1829 года Бальзак создает эпопею «Человеческая комедия» из 90 романов и рассказов связанных общим замыслом и многими персонажами (Неведомый шедевр», «Шагреневая кожа», «Евгения Гранде», «Отец Горио», «Цезарь Биротто», «Утраченные иллюзии» и др). Эпопея Бальзака - грандиознаяпо широте охвата реалистическая картина французского общества. Особое место в «Человеческой комедии» занимает роман «Шагреневая кожа». По своему жанру «Шагреневая кожа» - философский роман. В дневнике писателя записано: «Изображение кожи, олицетворяющей собою жизнь...Шагреневая кожа - чистое и простое выражение человеческой жизни, поскольку она жизнь и поскольку она механизм. Точная формула человеческой машины». Недаром литературоведы считают, что «Шагреневая кожа» - это раковая опухоль «Человеческой комедии», а остальные книги - метастазы.

С реализмом как с направлением (стилем) художественного творчества тесно связан натурализм.

Ни одно из течений не сыграло в процессе тематического и художественного обновления европейской литературы и искусства на рубеже двух веков (XIX и XX) таковой роли, какая принадлежит натурализму. Натурализм, сложившийся во Франции с началом 70-х годов XIX века, на протяжении нескольких десятилетий оставался одним из центральных явлений в художественной жизни Европы, оказал воздействие на крупнейших писателей, художников, театральных деятелей эпохи.

Возникновение натурализма было сопряжено со стремлением писателей ввести в литературу строго научного исследования действительности, которые основываются на эксперименте, точности описания и документальности. Натуралисты избрали своей философской основой позитивизм. Их эстетика созвучна философии Огюста Конта, требовавшего сугубо эмпирического изучения действительности и отказа от обобщений, и в еще большей мере теориям социолога культуры Ипполита Тэна - уподобляющего развитие общества поступательной эволюции живого организма и его частей. В своей «Истории английской литературы» Тэн утверждал, что для понимания искусства важнейшее значение имеют три фактора: среда, в которой формируется и творит художник; исторический момент, на который приходится его творчество; раса, особенности национального склада творца.

Натурализм поставил своей задачей распространить на искусство методы точных наук, полагая, что только эти методы могут считаться вполне достоверными. В эпоху стремительного прогресса биологических наук, массового увлечения теориями Дарвина и открытиями Пастера точные науки вполне естественно ассоциировались прежде всего с биологией. Исходя из доктрины Тэна, натуралисты руководствовались тем, что социальный круговорот имеет прямые аналогии с круговоротом биологическим.

Зародившись во Франции, натурализм быстро получил распространение в других европейских странах и в США. Надо сказать, что натурализм в некоторых странах сыграл выдающуюся роль в процессе формирования художественной зрелости литературы и искусства. Так произошло в Италии, США и Латинской Америке.

Наиболее интенсивное развитие натурализм получил в творчестве братьев Эдмонда (1822 - 1896) и Жюля (1830 - 1870) Гонкур и Эмиля Золя (1840 - 1902). Но расцвет натурализма связывают с выдающейся фигурой Эмиля Золя. У Золя биологизм перерастал в исследование всей совокупности социальных и психологических стимулов человеческого существования. Формулируя задачу нового течения, Золя писал: «Мы ищем причины социального зла, мы анатомируем классы и индивидуальности, чтобы объяснить то, что происходит в обществе и в человеке» Золя сформулировал теорию «научного романа» и был самым пламенным пропагандистом натурализма. Теория «научного романа» основные положения которой Золя высказал в сборнике статей «экспериментальный роман», предусматривала аналитически-беспристрастный подход художника к материалу. Художник должен был, в первую очередь, развить и себе способности к наблюдению фактов, а не их отбору и типизации, -процессом с точки зрения Золя, всегда произвольным. Он должен был в полной мере представить себе действие механизма наследственности, которому Золя, увлеченный открытиями физиологии, придавал чрезмерное значение. Писатели, по мнению Золя, должны экспериментировать над характерами, над страстями, над фактами личной и социальной жизни человека так же как физик и химик, экспериментирующий над неодушевленными предметами, как физиолог экспериментирует над живыми людьми. Подобным экспериментом явился и ранний роман Золя «Тереза Ракен», в котором все отношения внутри традиционного «треугольника» объяснены физиологическими процессами, темпераментом, средой.

В 1868 году он приступает к созданию двадцатитомной серии «Ругон -Маккары», которой дает характерный подзаголовок «Биологическая и общественная история одной семьи в эпоху Второй империи». Работа над серией растягивается на четверть века. «Ругон - Маккары» явственно распадается на несколько циклов, отражавших эволюцию философской и художественной мысли писателя, его движение к критическому реализму, обогащенному тем новым, что было открыто натуралистами. Создавая свою серию, Золя преследовал двоякую цель. С одной стороны, он хотел нарисовать широкую картину важнейших общественных процессов эпохи Второй империи, с другой - художественно воплотить типичную для натуралистов идею, согласно которой биологические законы в такой же мере формируют человека, как и законы социальные.

Перед читателями картина жизни одной широко разветвленной семьи, в которой сложно переплелись два начала: хищническое, активное, ценное (Ругоны) и безвольное, болезненное, темное (Маккары). Прародительница всего семейства, дочь огородника Аделаида Фук, выходит замуж за батрака Ругона, а после смерти мужа сближается с нищим и пьяницей Маккаром; ее дети Пьер Ругон и Антуан Маккар наследуют разные начала, которые в дальнейшем будут сложно соотноситься и проявляться в третьем колене (лучшие романы серии «Чрево Парижа», «Западня», «Жерминаль», «Деньги», «Разгром»).

Творчество Эмиля Золя - одно из высших достижений литературы и искусства конца XIX века. Он первым из крупных художников Европы обратился к исследованию психологии больших масс людей, создал выдающуюся по своей широте и выразительности картину жизни самых различных социальных слоев, проследив ее на протяжении огромного исторического отрезка времени. Посуществу его натурализм стал первым художественным завоеванием реализма уже XX века.

В 60 - 70-х годах во Франции возникает новое направление в европейской художественной культуре - символизм (от греческого - знак, символ). Символизм возник как реакция на господство в гуманитарной сфере норм буржуазного «здравомыслия» (в философии и эстетике - позитивизма, в искусстве - натурализма). В манифесте, написанном поэтом Жаном Мореасом, символисты объявили себя певцами «заката, упадка, гибели, «художниками безнадежности и разочарования». Отсюда символизм относят к течениям, которые объединены под названием декаданса (от французского - упадок).

Эстетические принципы символизма во многом восходили к идеям романтизма, а также к некоторым доктринам идеалистической философии А. Шопенгауэра, Э. Гартмана, отчасти Ф. Ницше, к творчеству немецкого композитора Р. Вагнера. Живой реальности символизм противопоставил мир видений и грез. Поэтому это направление в искусстве сосредоточено преимущественно на художественном выражении посредством символа «вещей в себе» и идей, находящихся за пределами чувственного восприятия.

У символистов - символ (знак) - является универсальным инструментом постижения тайн бытия и сознания. Художник - творец рассматривался как посредник между реальным и сверхчувствительным миром, где находятся знаки мировой гармонии и через них указывается будущее и прошлое. В целом символизм был весьма неоднородным и противоречивым явлением, он привлекал самых разных по манере и силе мастеров.

Теоретиком и главой символизма был французский поэт Стефан Малларме (1842 - 1898). Все его творчество пронизано борьбой за очищение поэзии от чуждых ей элементов и влияний, за создание «чистого» поэтического языка, доступного лишь посвященным. В его доме родилось творческое объединение поэтов - символистов (Поль Верлен, Анри Ренье, Артюр Рембо).

Однако высший художественный взлет этого течения осуществился в творчестве Поля Верлена (1844 - 1896) и Артюра Рембо (1864 - 1891).

Лирика Верлена воспринималась как принципиально новое явление и по сей день остается одной из вершин французской поэзии. Недаром он при жизни был провозглашен «королем поэтов».

Артюр Рембо промелькнул на небосклоне французской литературы ярким метеором - его творческий путь продолжался всего около десятилетия, а затем Рембо уехал в Африку и умер в нищете. Гениальная одаренность Рембо в полной мере была оценена только в XX веке, когда его влияние ощутили не только крупные поэты Франции, но и всей Европы, в том числе и России.

Рембо пытался согласовать лирику с живописью и в знаменитом «Цветовом сонете» подыскивал цветовые эквиваленты гласных (А - черный; Е - белый, И -красный, У - зеленый и т.д.) Он отдал немало сил формализму, но в то же время в лучших своих стихах добился блистательной оригинальности и лирической насыщенности.

Возникнув во Франции, символизм быстро распространился по Европе. В Англии самым значительным представителем был Оскар Уальд (1854 - 1900). Он разработал основы эстетики символизма, но занял видное место в истории литературы прежде всего как сатирик и обличитель индивидуализма, В романе «Портрет Дориана Грея» показало крушение героя как личности, который исповедует культ бездумных наслаждений, эгоизм и предает забвению естественные основы морали.

На протяжении всей своей недолгой жизни Уайльд оставался своего рода жупелом (пугалом) для викторианской Англии с ее строгостями морали. Травля Уальда завершилась в 1895 году скандальным судом над писателем и тюремным заключением. В заточении были созданы «Исповедь» и «Баллада Рэдингской тюрьмы», потрясшая читателей страстным обличением мира, где жестоко надругаются над человеком и его лучшими чувствами.

Ярким представителем символизма был бельгийский драматург и поэт М. Метерменк (1862 - 1949), автор знаменитой пьесы «Принцесса Мален» и изящной сказки.«Синяя птица».

Следует отметить, что активное отношение к форме, преимущественное внимание к тому, как сделано художественное произведение (а не что оно изображает), составляет отличительную черту западноевропейского искусства XIX века. Нетрудно заметить в нем чередование двух основных принципов, двух мироощущений: в одном преобладают формальные интересы к сюжету, в другом

- психологические. Художественно-изобразительной системой, которая не копировала, а воспроизводила действительность в соответствии со своим видением мира, стал импрессионизм (от французского - впечатление). Под влиянием этого течения в живописи происходит подлинная художественная революция, все значение которой было понятно лишь много лет позднее.

В парижском Салоне 1865 года была выставлена картина Эдуарда Мане (1832 -1883) «Олимпия» - произведение, предвосхищавшее импрессионизм.

Буржуазная публика, чьими кумирами были академисты Пюви де Шаванн и Гюсгав Моро, была возмущена изображением обнаженной натурщицы, написанной без всякой стилизации и декоративности. Новаторство Мане заключалось в необычном построении картины: Мане игнорировал академические условности и добился жизненности и целостности образа, необычного единства формы и цвета, Мане использовал пленэрную живопись. Пленэр (от французского - открытый воздух) - термин, обозначающий передачу в картине всего богатства изменений цвета, обусловленных воздействием солнечного света и окружающей атмосферы. Пленэрная живопись сложилась в результате работы художников на открытом воздухе (а не в мастерской), на основе непосредственного изучения натуры в условиях естественного освещения с целью возможно более полного воспроизведения ее реального облика.

Плоскостная композиция «Олимпии» и написанная позднее «Завтрак на траве», интенсивный колорит, на которых нет светотеней, пластичность формы - все это было воспринято публикой Салона тех лет как прямой вызов традициям иоскорбление «хорошего вкуса». «Олимпия» вызвала скандал, который вскоре перерос в острую полемику о путях современного искусства.

В защиту Мане выступил Золя, фазу же угадавший в его полотнах выдающееся явление. Работы художника вызвали огромный интерес молодежи; под его воздействием складывается кружок начинающих живописцев, которые не признают академических авторитетов и стремятся вдохнуть в искусство живую жизнь. За этим объединением закрепляется название кружка импрессионистов.

Импрессионистов роднит особое внимание к эксперименту, поиску все новых выразительных средства, технических и художественную приемов. В этом художники-импрессионисты следуют примеру ученых. Они как бы постоянно задают себе вопрос: а что будет, если сделать так? А если иначе? Они с увлечением занимаются разложением тонов, игрой цветовых отражений, необычным сочетанием красок. Им нравится текучесть, изменчивость, подвижность. Они не терпят ничего застывшего и статичного. Особый интерес у импрессионистов вызывают процессы взаимодействия предметов с атмосферой, воздухом, светом, туманом, смогом, солнечными лучами. Благодаря всему этому они добились значительных успехов и достижений в области цвета и формы.

В импрессионизме страсть к эксперименту, поиск новых приемов, погоня за новизной и оригинальностью не становится самоцелью, а является самовыражением художника.

В 1874 году «независимые» художники выставляют свои работы в фотоателье Надара. Выставка вызывает бурю возмущения в прессе, на импрессионистов обрушиваются официальные критики. Для них надолго закрываются двери салонов.

Надо отметить, что колористическое и композиционное их мастерство имели принципиально новую по сравнению с академистами основу. Это живопись легких, воздушных мазков, светлых тонов, динамичных цветовых сочетаний.

С импрессионизмом связан целый ряд крупнейших художников, в большей или меньшей степени разделявших его принципы - Клод Моне (1840 - 1926), Огюст Ренуар (1841 - 1919), Эдгар Дега (1834 - 1917), Камиль Писсаро (1830 - 1903).

Наиболее полное воплощение импрессионизм получил в творчестве Клода Моне. Излюбленным предметом его произведений выступает пейзаж - поле, лес, река, заросший пруд. Свое понимание пейзажа он определил так: «Пейзаж - это мгновенное впечатление». От его картины «Впечатление. Восходящее солнце» произошло название всего художественного течения. Наибольшую славу ему принесли знаменитые «Стога сена». Особое пристрастие он также проявлял к изображению воды. Во всем этом Моне добился впечатляющих успехов, что дало основание Эдуарду Мане назвать его «Рафаэлем воды».

Огюст Ренуар уделяет много внимания обнаженной натуре, портрету - в особенности женскому. Ярким примером его портретного искусства является портрет артистки Ж. Самари. Он также написал картины «Купание на Сене», «Мулен де ла Голет» и др.

Эдгара Дега от Моне отличает нелюбовь к пленэру, а от Ренуара - стремление не просто донести зрительный образ, а активнее, чем Ренуар, его осмыслить.

Новаторство Дега во многом определялось тем, что художник едва ли не первым открыл красоту движения. В этом отношении особенно выделяются два цикла работ Дега: один из них связан с изображением скачек, другой - балета. Дега довел импрессионистскую технику до совершенства в своих знаменитых полотнах, посвященных балетным спектаклям, особенно в «Голубых танцовщицах». У Дега немало общего с писателями его эпохи - Мапассаном и Золя. Художника роднит с ними пристрастие к бытовой детали, да и сама установка на изображение повседневной жизни и обыденных людей.

Камиль Писсаро отдает предпочтение городскому пейзажу - изображению домов, бульваров, улиц, заполненных экипажами и прогуливающейся публикой, бытовыми сценами.

Помимо живописи, импрессионизм проявил себя и в других видах искусства. В музыке его влияние испытали французские композиторы Клод Ашиль Дебюсси (1862-1918) и Морис Равель (1875-1937).

Клод Ашель Дебюсси вошел в историю музыки как зачинатель музыкального импрессионизма. На формирование его творчества частично оказало влияние русская музыка («Борис Годунов» Мусоргский, «Ангара» Римского - Корсакова и др.), которое отмечено яркой самобытностью, поэтичностью, преобладанием светлых, радостных эмоций, тонкой звукозаписью, богатством красок. Он сочетает типично французские черты - хороший вкус, чувство меры, изящество формы, красочность музыки, тягу к изобразительности - со смыслом и вдохновенным новаторством.

Стремясь запечатлеть в звуках мгновенные ощущения, мимолетные впечатления, тончайшие оттенки эмоций, контуры пейзажа и т.п., обновил средства музыкальной выразительности, обогатил звуковую палитру, создал новые типы произведений. Автор опер, балетов, мистерий, кантат, прелюдий, ноктюрнов, многочисленных произведений для фортепьяно. Музыка Мориса Равеля отличается яркой образностью, богатством колорита, связью с народным творчеством, особенно испанским. Автор опер, балетов, фортепьянных концертов, рапсодий, вокальных и фортепьянных циклов. Инструментировал даже для оркестра фортепьянный цикл Мусоргского «Картинки с выставки».

Импрессионистские тенденции сказывались и в творчестве скульпторов. Среди них самый замечательный скульптор XIX века Огюст Роден (1840 - 1917). Он создал скульптуру нового стиля. Его заслуга в том, что он сделал решающий шаг в возрождении истинной скульптуры, такой, какой она была в течение многих столетий и какой она перестала быть в годы ее кризиса в XIX веке.

Его монументальные произведения сочетают драматизм содержания, глубину и искренность замысла с обостренной патетикой образа и изломанностью формы. («Бронзовый век», «Поцелуй», «Граждане Кале», памятник Бальзаку и др.).

К середине 80-х годов движение импрессионистов начинает распадаться. Тогда же Эмиль Золя объяснил причины, в силу которых импрессионизм оказался в тупике тем, что «ни один художник этой группы не сумел окончательно реализовать новую формулу, общую для всех них, но распыленную в их творчестве».

Формула эта раздроблена на мельчайшие частицы, и нигде, ни у одного из художников в ее применении не чувствуется рука мастера». Речь шла о том, чтобы использовать художественные открытия импрессионистов для создания панорамы современной жизни. Об этом мечтал в романе Золя «Творчество» художник Клод Лантье, прототипом которого послужил Поль Сезанн.

Многие участники импрессионистских выставок в середине 80-х годов выступают с программой неоимпрессионизма или «пуантилизма» - мельчайших мазков, представляющих чистые тона спектра. Художники этого направления (Ж. Сера и П. Синяк), опираясь на достижения науки о цвете, доводят некоторые черты импрессионизма - разложение тонов на чистые цвета и страсть к эксперименту - до логического конца. Но в художественном и эстетическом плане данное течение не вызвало большого интереса, поэтому это течение оказалось недолговечным, на смену ему пришел постимпрессионизм, который оказался более продуктивным и интересным явлением.

Постимпрессионизм - искусство более активного отношения к миру и более строгой формы, чем импрессионизм.

К постимпрессионизму примыкали художники Поль Сезанн (1839 - 1906), Винсент Ван Гог (1853 - 1890) и Поль Гоген (1848 - 1903), которые оказали большое влияние на всю живопись XX века.

Поль Сезанн очень много внимания уделял конструктивной композиции, соотношению формы и пространства, формы и цвета, поиском объемных форм при помощи четкой разграниченности цветов. Он считал, что в природе все имеет форму шара, конуса или цилиндра, и в своих натюрмортах и пейзажах все более склонялся к геометризации предмета. Искусству Сезанна присуща большая внутренняя сила. В своем творчестве он ярко и мощно выразил личностное начало. «Живопись, - утверждал Сезанн, - не значит рабски копировать действительность; это значит - находить гармонию между многими отношениями». Как отмечал Пабло Пикассо, Сезанн всю жизнь писал самого себя.

Из произведений Сезанна можно выделить такие, как «Автопортрет», «Фрукты», «Натюрморт с драпировкой», «Берега Марны», «Дама в голубом».

Творчество Сезанна стало основой для кубизма и других модернистских школ. Анри Матисс называл его «общим учителем» широкого круга молодых художников, ставших затем известными и знаменитыми.

В живописи Винсента Ван Гога ощутимы традиции голландской школы, интерес к человеку из народа. Лаконичный строгий рисунок, экспрессивный цвет, драматическая тональность отличают лучшие работы художника - пейзажи, жанровые полотна.

Стиль Ван Гога предполагает максимальное внимание к цвету, а также рельефность, графичность изображения, лишенного переходов и нюансов, которые так любили импрессионисты.

Материальный мир предстает у него преломленным сквозь призму трагических переживаний художника (Ван Гог был душевнобольным человеком, активная творческая жизнь его длилась только 10 лет. В 37 лет, в период обострения болезни, он покончил с собой).

Полотна Ван Гога полны экспрессивности и психологической насыщенности. Он стоял у истоков экспрессионизма в живописи: выразительность, яркое значительное проявление чувственных настроений, мыслей.

Экспрессионизм провозгласил единственной реальностью - субъективный духовный мир человека, а его выражение - главной целью искусства.

Немало взяли экспрессионисты и у Поля Гогена, создателя несколько упрощенных, намеренно примитизированных картин, изображающих жизнь острова Таити, где художник жил с конца 80-х годов. Любовь к живописи побудила немолодого парижского служащего Гогена оставить свою работу в банке и семью и уехать в 1886 году сначала в Бретань, а затем на остров Мартинику. С 1895 года и до самой смерти он жил среди туземцев Таити, найдя здесь темы для своих полотен. Тропическая природа подсказала ему и необычайные цветовые решения. Свою манеру письма Поль Гоген назвал «синтетизмом», ибо задача художника состояла в том, чтобы добиться целостности формы и цвета, передать ощущение пространства. Равнодушный к световой гамме, Гоген прибегал в живописи к чистому цвету, избегая нюансов в своих плоскостных композициях. Кроме того, он занимался керамикой, резьбой по дереву и написал автобиографическую книгу «Ноа - Ноа». Создал школу последователей - так называемую Понт - Авенскую школу (Нормандия).

Конец XIX века ознаменовался изобретением нового средства массовой культуры, сыгравшего огромную роль в духовной жизни XX века, - кино.

Первая экспериментальная демонстрация кинофильмов братьев Люмьер, Луи Жана и Огюста, 22 марта 1895 года явилась финальным актом в цепи открытий, сделанных в этой области в различных странах мира в XIX веке.

Развитие оптики, химии, фотодела, техники позволяло таким изобретателям как братья Люмьер и Демени - во Франции, Эдисон и Диксон - в США, У. Поль и У. Фриц - Грин - в Англии, Макс Складановский - в Германии, Н.А. Акимов и И. Тимченко - в России и др. почти одновременно создать различные варианты киносъемочной и кинопроекционной аппаратуры. Но крайняя простота аппарата Люмьеров, который мог использоваться и как киносъемочный, и как проекционный, сравнительная легкость изготовления, обусловили его быстрое и широкое распространение.

Первые фильмы Люмьеров «Выход рабочих с фабрики», «Приход Венсенского поезда», «Завтрак ребенка» и «Политый поливальщик» (первая кинокомедия) -зафиксировали движение и различные действия людей, привлекали новизной зрелища, очень быстро ставшего массовым. Эта массовость и доходность нового зрелища привлекли к нему интересы предпринимателей, промышленников и финансистов.

Но надо отметить, что однообразие и примитивность сюжетов и техники съемки уже на рубеже XIX - XX веков не удовлетворяли зрителя, который постепенно покидал кинозалы. Даже изобретатели кино в эти годы считали его бесперспективном аттракционом. Эстетические возможности кино еще не былиоткрыты. Лишь в начале XX века появились первые художники, которые постепенно вводили в строй специфические выразительные средства кинематографа, азбуку киноязыка. Так, Жорж Мельес во Франции начинает использовать для создания первых трюковых фантастических фильмов («Кабинет Мефистофеля», «Путешествия на Луну», «Путешествие через невозможное» и др.) павильонные съемки, специальные механизмы, замедленную и ускоренную съемки, прием «стоп - камера», двойную экспозицию и другие приемы. Предпринимаются попытки сделать цветной фильм.

Английские кинооператоры Д. Уильямсон и Д.А. Смит научились применять панорамирование, крупные- планы, монтаж «параллельного» действия, использовать движущуюся камеру. Эдвин Портер в США вводит деление действия на сцены и небольшие эпизоды внутри этих сцен, умело монтируя близкие и крупные планы, натурные съемки и декорации. Фильм Портера «Большое ограбление поезда» (в 1903 году, первый вестерн) стал образцом сочетания всех этих методов, образцом хорошего темпа, достоверности.

Совершенствование кинотехники, развитие сюжета и драматургии, все более умелое использование крупного плана и монтажа требовали соответствующей эволюции актерской техники. Театральная условность, которую пытались первоначально сохранить, на киноэкранах казалась совершенно невыносимой. Даже такие великие драматические актеры конца XIX века как Сара Бернар, Мунэ - Сюлль, Ж. Баржи не смогли сделать в кино ничего значительного. Шли поиски нового стиля актерской игры в кино. Нужны были актеры, которые способны были естественно и непосредственно вести себя перед камерой.

Первые успехи в этой области выпали на долю комедийных актеров. От характерных ролей театра они довольно легко сумели перейти к кинокомедии, сделав ее одним из любимых и популярных жанров кино. Андре Дид и Макс Линдер во Франции, Бестер Китон, Гарольд Ллойд и, наконец, Чарли Чаплин в США открыли блестящую плеяду комиков мирового кино.

В 1908 - 1914 гг. американский режиссер Гриффит создал единую систему актерской выразительности и стал обучать молодых актеров кино по методу, схожему с методом Станиславского. Сюда входили физические действия, ритм, выразительность рук, походка, передача через веши состояние человека. Через школу Гриффита прошли такие выдающиеся актеры немого кино - Мэри Пикфорд, Дуглас Фербенкс и другие звезды немого кино.

Поиски и находки этого периода подготовили почву для подъема как немого так и звукового кино.

XIX век в истории культуры Запада имеет фундаментальное значение. Именно в это время складывается совершенно новый тип цивилизации - индустриальный. Ее основу составлял научно-технический прогресс. Один из главных идеалов Просвещения - идеал прогресса разума - получил в ней наиболее полное воплощение. Становление буржуазной демократии способствовало расширению политической свободы. Что касается других идеалов и ценностей просветительского гуманизма, то их осуществления натолкнулось на серьезные трудности и препятствия. Поэтому общая оценка достижений культуры XIX века не может быть однозначной. С одной стороны, имеются невиданные успехи и достижения цивилизации. Вместе с тем, возникшая промышленная цивилизация начинает все больше теснить духовную культуру. В первую очередь, это коснулось религии. Однако и другие области духовной культуры - философия, мораль и искусство также переживают не лучшие времена. В целом можно сказать, что в XIX веке в западном мире возникает опасная тенденция дегуманизации культуры, следствием которой к концу столетия стала система лониализма, а в XX веке две мировые войны.