Тема. Жанры изобразительного искусства.

Вопрос.

Стиль (лат. stilus, stylus, от греч. stylos-остроконечная палочка для письма), устойчивое единство образной системы, выразительных средств, характеризующее художественное своеобразие тех или иных совокупностей явлений искусства, будь то крупная художественная эпоха, отдельное художественное направление или манера отдельного художника.

Понятие стиль имеет как бы несколько уровней.

Оно сегодня употребляется для обозначения индивидуальных художественных особенностей, присущих творчеству писателя, художника, музыканта (например, стиль Микеланджело или Э. Делакруа) или даже отдельному периоду его деятельности (например, стиль позднего Рембрандта).

Понятие стиль широко используется в истории искусств и при определении типичных для какого-либо периода художественных направлений или тенденций, обладающих специфическим сочетанием стилевых признаков.

Как характер, границы, наименования таких стилей многообразны, а иногда весьма произвольны. Так, «звериный стиль» в искусстве Евразии, зародившийся в эпоху железного века и в отголосках сохранявшийся до периода средних веков, объединяет в себе разные этапы и формы почитания священного зверя и стилизации изображений реальных зверей. В изобразительном искусстве древне-греческой классики выделяют «строгий стиль», в изобразительном искусстве поздней готики – «мягкий стиль», в советской живописи конца 50-х - начала 60-х гг.- «суровый стиль» и т. д. Стилями именуют иногда и устойчивые особенности искусства какого-либо народа, в дальнейшем ставшие предметом подражания или стилизации («древне-египетский стиль», «китайский стиль», «русский стиль» и др.).

Однако, поскольку не любой признак общности в искусстве (в частности, признак его национальной принадлежности) есть непременный признак стиля такие наименования обычно не имеют характера научного определения.

Важное место в истории пластических искусств занимает категория «исторического стиля» - этапа истории искусства, когда вырабатывалась цельная художественная система, объединяющая различные виды искусства и художественной культуры, обладающая внутренним (содержательным) и внешним (формальным) единством и создающая единый образно-пластический строй в произведения архитектуры, изобразительного и декоративно-прикладных искусств. Таковы стили древне-восточного искусства Египта и Месопотамии, античного искусства эпох архаики, классики и эллинизма.

В современном обществе растёт потребность в синтезе искусств, в создании стилистически цельной, эстетически значимой среды, окружающей человека. Это порождает разнообразные поиски единства в сфере стилей.

Вопрос.

Живопись очень древнее искусство. Она начинает свое развитие с наскаль­ных изображений.

Творческие поиски ху­дожников разных течений и направлений в последующие столетия привнесли много новых живописных открытий — от реализ­ма до абстракционизма.

Художественное творчество человека позднего палеолита отражало его представ­ления об окружающей природе, о мире животных. Это главным образом сцены охоты и рыболовства. В пещерах сохрани­лись не только живописные, но и графи­ческие, и рельефные настенные изобра­жения. Первобытные наскальные рисунки поражают нас, людей XX столетия, своим совершенством и мастерством, точной передачей анатомии животного, его дви­жений, фактуры шерсти, образной выра­зительностью. Изображение явилось неза­менимым средством фиксации и передачи из рода в род духовной культуры.

Античную эпоху отличает стремление художника отразить реальный мир таким, каким он его видит. С этим связано зарож­дение принципов светотени, элементов перспективы, появление объемно-про­странственных живописных изображений. Греческие мастера изучали строе­ние человеческого тела, соразмерность его пропорций, пластику движений. Художники добивались реалистически правдивого изображения человека на фресках и в греческой вазописи (чернофигурная и краснофигурная роспись).

Средневековая живопись была преимущественно религиозного содержания. Ведущее место в искусстве романского периода и особенно готики принадле­жало собору, поэтому живопись в основном предназначалась для его украше­ния. Ее отличала экспрессия звучных, в основном локальных цветов, вырази­тельность контуров. Фон фресок и картин, как правило, был условным, нейтральным или золотым. Символика цвета играла значительную роль. Глав­ным в готической живописи было искусство витража. В таинственном полу­мраке интерьера витражи, заполняющие оконные проемы, светились яркими синими, желтыми, красными цветами, создавая особую духовную атмосферу. Поистине выдающиеся образцы витражей находятся в Шартрском соборе.

В готическом соборе идеальным образом проявился синтез искусств: витражи сочетались со скульптурой, резьбой по камню, кости, дереву и др.

Готический период — время расцвета книжной миниатюры, эмалей и других видов декоративно-прикладного искусства.

Портреты поздней готики отличались индивидуальными особенностями, одухотворенностью и возвышенностью образов. В искусстве готики органично переплелись лиризм и трагизм психологических переживаний, возвышенная духовность и социальная сатира, фантастический гротеск и точные жизнен­ные наблюдения. Изменилось отношение к художникам в обществе. Их труд получил признание.

Возрождение (Ренессанс) — одна из величайших эпох в развитии миро­вого искусства. Возрождение в истории культуры стран Западной и Цент­ральной Европы — переломный этап от средневековой культуры к культуре нового времени (в Италии — ХIV-ХVI вв., в других странах — XV-XVI вв.). Новая историческая эпоха отличалась возрождением интереса к ан­тичному наследию. Однако художники не только копировали старые образцы. Античное наследие рассматривалось с новых позиций. Развивались принципы гуманистического искусства, которое было направлено на изуче­ние человека и окружающего его мира. Реальный мир и человек провозгла­шались высшей ценностью: человек — мера всех вещей.

Эта новая система ценностей нашла достойное воплощение в пластиче­ских искусствах, которые представляли для всех огромный интерес. Среди видов изобразительного искусства ведущее место занимала живопись, в ос­новном монументальная (фрески). В живописных композициях на религиоз­ные и мифологические темы, в портретах, бытовых и исторических сценах нашли отражение гармония мироздания, антропоцентризм (человек в цент­ре Вселенной). Наиболее полно эти идеи воплотились в творчестве Леонардо да Винчи. Например, «Джоконду» (Мона Лиза) можно рассматривать как символ эпохи. С величайшим мастерством живописцы изображали мадонну. Они создали яркие, запоминающиеся образы, в которых стремились под­черкнуть земную красоту. Свободная, всесторонне развитая личность была в центре творчества художников Возрождения. Новая изобразительная система складывалась на основе изучения натуры. В понимание объема, его передачи с помощью светотени внес неоценимый вклад художник Мазаччо. Во мно­гом благодаря живописи была создана научно обоснованная система линей­ной и воздушной перспективы, светотени. Это значительным образом по­влияло на дальнейшее развитие европейского искусства (Франции, Испании, Германии, Англии, России).

Гении Возрождения: Леонардо да Винчи, Рафаэль, Микеланджело, Джор­джоне и Тициан, Тинторетто — в своем творчестве наилучшим образом воп­лотили новое мировоззрение эпохи.

Подъем в развитии искусства Нидерландов, Франции и Германии (XV-XVI вв.) называют северным Возрождением. Творчество живописцев Ян ван Эйка, П.Брейгеля Старшего — вершины искусства этого периода. В Германии величайшим художником немецкого Возрождения был А.Дюрер.

Открытия эпохи Возрождения в области духовной культуры и искусства имели огромное историческое значение для европейского искусства последую­щих веков. Интерес к ним сохраняется и в наше время.

Процесс развития европейской живописи в XVII—XVIII вв. усложняется, складываются национальные школы со своими традициями и особен­ностями. Обращение к многообразию реальной жизни, особенно к повседневному окружению человека, привело к становлению жанров: пейзаж, натюрморт, портрет, бытовой жанр и т. д. В искусстве создавались различные стилевые направления: барокко с динамичной живописью и характерной для нее незамкнутой, спиралевидной композицией; рококо с изысканными нюансами цвета; классицизм с чет­ким, строгим и ясным рисунком.

Барокко (причудливый) — художественный стиль, преобладающий в искусстве Европы с конца XVI до середины XVIII в. Он зародился в Италии и распространился в других странах после эпохи Ренессанса. Основные чер­ты барокко — парадность, торжественность, пышность, динамичность, жизнеутверждающий характер. Искусству барокко свойственны смелые кон­трасты масштабов, света и тени, цвета, совмещение реальности и фантазии. Особенно необходимо отметить в стиле барокко слияние различных ис­кусств в едином ансамбле, большую степень взаимопроникновения архи­тектуры, скульптуры, живописи и декоративного искусства. Это стремле­ние к синтезу искусств — основополагающая черта барокко.

Стиль барокко прославлял могущество власти и церкви. Вместе с тем в живописи нашли отражение и такие прогрессивные взгляды, как сложность мироздания, безграничность и многообразие мира, его изменчивость. Человек в искусстве барокко — часть мира, сложная личность, со всеми ее пережива­ниями, противоречиями, конфликтами. Особенность барокко — отказ от ренессансиой гармонии ради эмоционального контакта со зрителем.

В изобразительном искусстве преобладали монументальные декоративные композиции на религиозные или мифологические темы, парадные портре­ты, предназначенные для украшения интерьеров.

Рококо — стиль европейского искусства (вторая четверть и середина) ХVIII в. Проявился во Франции и получил свое название от главного эле­мента орнамента — рокайля. Рокайль по форме походит на завиток раковины. Парковые павильоны-гроты украшали деталями, имитирующими природ­ные элементы (морские раковины, причудливые растения, камни, обломки скал). Этим объясняется происхождение названия «рокайль». Впоследствии термин «рокайль» стал обозначать все изгибающиеся, вычурные, необычные формы, напоминающие раковину, неровную жемчужину или камень, Иног­да термином «рокайль» обозначают стиль рококо.

Интерьеры, мебель и декоративные изделия украшались причудливыми, изысканными орнаментами, резными и лепными узорами из рокайльных за­витков, от присущих барокко монументальности и размаха стиль рококо обращается к удобству повседневного быта, утонченности обстановки. В уб­ранстве помещений преобладали орнаменты, покрывающие стены и потол­ки, рельефы, маски амуров, живописные панно и зеркала. Прихотливым изяществом отличались изделия декоративно-прикладного искусства. Масте­ра умело выявляли выразительные возможности фарфора, ювелирных укра­шений, резьбы по дереву.

Стиль рококо отказывается от прямых линий, ордерной системы. Для него характерны светлые тона, воздушная легкость, асимметрия, изысканность и причудливость форм. Пышное оформление рокайльных интерьеров сочеталось с относительной строгостью внешнего облика здания. С 1760-х гг. на смену рококо приходит классицизм.

Классицизм — художественный стиль европейского искусства XVII—XIX вв., одной из важнейших особенностей которого было обращение к античному искусству как высшему образцу и опора на традиции Высокого Возрождения. Искусство классицизма, отражая идеи гармонического устройства общества, во многом их утратило по сравнению с эпохой Возрождения. Противоречия между личностью и государством, идеалом и реальностью, чувством и разумом свидетельствовали о достаточной сложности нового стиля. Художественным формам классицизма свойственны строгая организованность, уравновешенность, ясность и гармоничность образов.

Выдающимся шедевром архитектуры, соединившим классицизм и барокко в единый торжественный стиль, был дворцово-парковый ансамбль в Верса­ле — резиденция французских королей (вторая половина XVII в.).

В живописи главное значение приобрели логическое развертывание сюжета, ясная уравновешенная композиция, четкая передача объема с помо­щью светотени, использование локальных цветов, подчиненная роль цвета (Н.Пуссен, К. Лоррен); разграниченность планов в пейзаже выявлялась также с помощью цвета: передний план обязательно должен был быть коричне­вым, средний — зеленым, а дальний — голубым.

Во второй половине XVIII в. живопись обращается к республиканским иде­ям античности, к образам мужественных борцов против тирании. Характер­ный пример — полотно Ж.-Л. Давида «Клятва Горациев» (1785 г.).

В XIX в. живопись продолжает играть активную роль в общественной жиз­ни. Живопись романтизма проявляла интерес к драматическим событиям ис­тории и современности. Полотна отличались контрастностью света и тени, насыщенностью колорита.

Романтизм — идейное и художественное направление в европейской и американской культуре конца XVIII — первой половины XIX в. Оно прояви­ло себя во всех видах искусства, в философии и гуманитарных науках. Роман­тизм возник как противопоставление рационализму и бездуховности обще­ства, эстетике классицизма и философии Просвещения. В основе романтического идеала — свобода творческой личности, культ сильных стра­стей, интерес к национальной культуре и фольклору, к искусству других народов, к истории. Характерная черта романтизма — острые противоречия между идеалом и гнетущей реальностью. Романтики искали взаимопроник­новения и синтеза искусств, слияния видов и жанров.

В пластических искусствах романтизм наиболее ярко проявился в живописи и графике, оказал влияние на садово-парковое искусство и архитектуру малых форм, отразившую экзотические мотивы.

Представительная школа романтического искусства сложилась во Фран­ции. Живописцы Т.Жерико, Э.Делакруа вновь открыли свободную динами­ческую композицию и яркий насыщенный колорит. Они писали людей геро­ических в моменты наивысшего подъема их духовных и физических сил, во время противостояния природным или социальным стихиям. В творчестве романтиков в известной мере еще сохранились стилевые основы классициз­ма, но при этом большую свободу получила индивидуальная манера худож­ника.

Романтизм имел свои отличительные особенности и разнообразные фор­мы в искусстве Германии, Австрии, Англии и других стран. Например, в творчестве англичан У.Блейка и У.Тернера проявились черты романтической фантастики, направленные на поиск новых выразительных средств.

В России романтизм значительным образом повлиял на развитие портрет­ной и пейзажной живописи. Главным в портрете стало выявление ярких ха­рактеров, напряженной духовной жизни, мимолетных выражений чувств, в пейзаже — восхищение мощью природы и ее одухотворение. Это отразилось в творчестве выдающихся русских художников О.Кипренского, К.Брюллова, С.Щедрина, И.Айвазовского, А.Иванова.

Изобразительному искусству романтизма свойствен отказ от академических канонов. Оно было проникнуто лиризмом, героической приподнятостью, эмоциональностью, стремлением выразить кульминационные, драма­тические события.

Реализм, пришедший на смену романтизму, часто рассматривают как оп­позиционный ему, но отношения здесь достаточно сложные, поскольку идеи романтизма были направлены на создание новой, прекрасной реальности. Реализм в искусстве — правдивое, объективное, всестороннее отражение дей­ствительности специфическими средствами, присущими художественному творчеству.

В искусствознании существуют различные взгляды на определение понятия «реализм». В более общем плане реализм рассматривается как тенденция раз­вития художественной культуры человечества, продолжающая лучшие тради­ции мирового искусства, которое рассматривается как способ духовно-прак­тического познания действительности. Мерой реалистичности произведения в этой связи считается мера проникновения в жизнь, отражения ее важных сто­рон в художественной форме.

В ходе развития искусства реализм приобретает конкретно-исторические формы и творческие методы — просветительский, критический, социалисти­ческий реализм. В узком значении реализм рассматривается как художествен­ный стиль, можно считать, что он возник в эпоху Просвещения (XVIII в.). Наиболее полное раскрытие реализма усматривается в критическом реализме XIX в. и в последующем социалистическом реализме XX в. Реализм исследует личность человека в неразрывной связи с современным ему обществом и социальным положением в нем.

Впервые термин «реализм» в области изобразительного искусства появил­ся в середине XIX в. Его отличительной особенностью является внимание к повседневной жизни людей. Развитие реализма связано с искусством масте­ров эпохи Просвещения, которые критиковали социальные порядки в об­ществе и отражали это в своем творчестве.

Критический реализм в искусстве европейских стран и Америки был ори­ентирован на изображение жизни обездоленных, ее противопоставление жизни богатых слоев общества, сочувствие человеку с неблагополучной судь­бой. Творчество Г.Курбе, Ф.Милле, других французских художников было связано с исследованием общественных противоречий.

Тенденция реалистического мышления проявляется по-разному и в раз­ных видах и жанрах искусства. Следует отметить, что сила воздействия худо­жественного образа не зависит от степени сходства, подражания реальному объекту, то есть от натуралистичности изображения. В таком понимании ис­кусство примитива может быть реалистичнее академической живописи, а одинаково реалистическими можно считать и натурализм малых голландцев, и русский лубок, и импрессионизм. Нередко натурализм нереалистичен, не является жизненным, поскольку довольствуется поверхностным сходством без проникновения в глубинные процессы действительности, а абстрактное художественное мышление более точно выражает реальность, так как схва­тывает самую сущность какого-либо элемента изображаемого явления или предмета. Вероятно, правильнее считать, что художественно-образный смысл Реалистического искусства связан с мерой соответствия избираемой худож­ником формы для выражения конкретной идеи.

Признаком метода реализма является достоверность в воспроизведении действительности. Вместе с тем реалистическое искусство обладает огромным Разнообразием способов познания, обобщения, художественного отражения действительности. Например, реализм Мазаччо и П. делла Франческа, А.Дюрера и Рембрандта, Ж.-Л. Давида и О.Домье, И.Репина, В.Сурикова, В.Серова существенно различен, что свидетельствует о его широчайших творче­ских возможностях.

Появление импрессионизма, выявившего возможности оптического смеше­ния чистых цветов и эффекты передачи фактуры, с его стремлением передать изменчивую красоту мира, было переворотом в живописи, на долгие годы повлиявшим на ее развитие.

Импрессионизм — художественный стиль в искусстве последней трети XIX -. начала XX в. — оказал огромное влияние на все последующее искусство. Его представители стремились передать непосредственное впечатление от окружа­ющего мира, изменчивые состояния природы живописными средствами. Им­прессионизм зародился в 1860-х гг. во Франции, когда Э.Мане, О.Ренуар Э.Дега в своих живописных работах отразили все многообразие и сложность городского быта, свежесть и непосредственность восприятия мира. Для их про­изведений характерны случайные ситуации, смелость композиционных реше­ний, кажущаяся неуравновешенность, фрагментарность композиции, не­ожиданные точки зрения, ракурсы, срезы фигур рамой.

Законченная система пленэра, разработанная художниками К.Моне, К. Писсарро, А. Сислеем, привела к революционным преобразованиям в пейзажной живописи. Эти художники вышли писать свои картины на открытый воздух и получили возможность запечатлеть, как простой будничный мотив преоб­ражается в лучах сверкающего солнца, объемные формы как бы растворяют­ся в вибрации света и воздуха. Художники стремились изобразить видимый мир во всем богатстве сверкающих красок, в присущей ему постоянной из­менчивости и воссоздать единство человека и окружающей его природы.

Импрессионисты создали живописную систему, которая была построена на разложении сложных цветовых тонов на чистые цвета. Художники накла­дывали на холст раздельные мазки с таким расчетом, чтобы при восприятии картины издали происходило оптическое смешение этих цветов. Все это, а также цветные тени и рефлексы создавали светлую, радостную живопись. Игра разнообразных мазков, пастообразных и жидких, придавала красочному слою трепетность и реальность, ощущение незаконченности, эскизности произ­ведения. Происходило соединение нескольких стадий работы художника в единый процесс, как бы замена картины этюдом. В отдельных приемах пост­роения композиции и пространства в импрессионизме заметно влияние япон­ской гравюры. Для импрессионизма характерна тенденция стирания четких границ между жанрами, например слияние бытового жанра с портретом. Импрессионизм широко распространялся в мировом искусстве, но многие использовали лишь отдельные его приемы: обращение к современной тема­тике, эффекты пленэрной живописи, высветление палитры, эскизность жи­вописной манеры и т. п.

В России яркими представителями импрессионизма были художники К.Ко­ровин и И.Грабарь, воплотившие на своих полотнах необычайную меткость наблюдения, смелость и неожиданность композиционных решений. В скульп­туре импрессионистические черты — кажущаяся незавершенность, незакон­ченность, схваченное на лету движение, особая трепетность и фактурность поверхности бронзы и мрамора — свойственны работам О.Родена во Фран­ции и П.Трубецкого в России.

С конца XIX — начала XX в. разнообразные новые течения во французской живописи объединились под названием постимпрессионизм, который созна­тельно выступил против некоторых принципов импрессионизма. Постимп­рессионизм проявил большой интерес к философским и символическим Началам искусства. Художники этого направления не придерживались только зрительных впечатлений, а стремились свободно и обобщенно передавать мате­риальность мира, использовали декоративную стилизацию (П.Сезанн, Ван Гог, П.Гоген). К постимпрес­сионизму относится творчество А.Тулуз-Лотрека, который изображал на своих полотнах жизнь акте­ров, циркачей, певиц, танцовщиц, завсегдатаев кафе и баров. Картины Ж.Сера, П. Синьяка, некоторые полотна К. Писсарро, написанные раздельными маз­ками (пуантилизм), также причисляют к постимпрес­сионизму.

В конце XIX — начале XX в. развитие живописи становится особенно сложным и противоречивым. Раз­личные реалистические и модернистские течения за­воевывают себе право на существование.

Модерн — художественный стиль в европейском и американском искусстве этого периода (другое назва­ние — арт нуво). Стиль модерн следует отличать как от общего смысла слова «современный», так и от поня­тия модернизм. Основной признак стиля модерн — де­коративность, основной мотив — вьющееся растение, основной принцип — уподобление рукотворной фор­мы природной и наоборот. Это нашло отражение в архитектуре, детали зданий, в орнаменте, получив­шем необычайно широкое развитие. Линии орнамен­та несли в себе духовно-эмоциональную, символи­ческую напряженность.

Стиль модерн пронизан идеей синтеза искусств. Это прежде всего архитектура, объединяющая все другие виды искусства — от живописи до моделей одежды. В архитектуре модерна проявилось органи­ческое слияние конструктивных и декоративных эле­ментов. Наиболее яркие примеры синтеза искусств — особняки, павильоны, общественные здания. Как правило, они построены словно «изнутри наружу», то есть внутреннее пространство определяет внешний облик здания. Фасады таких домов были несиммет­ричны и подобны природным формам и одновремен­но являлись результатом свободного формотворчества скульптора. Особенно выразительны интерьеры этих особняков с перетекающим пространством, изогнутыми очертаниями карнизов, круглящимися дверными и оконными проемами, богатым декором из резного дерева, цветного стекла, металла. Новейшие технико-конструктивные средства и свободная планировка были использованы для постройки зданий с подчеркнуто индивидуализирован­ным обликом.

Творчество испанского архитектора А. Гауди — яркий и неповторимый пример единого образно-символического ансамбля причудливой архитектуры, словно вырастающего до небес, в котором сплелись воедино реальность и фантазия.

Художественный язык модерна был во многом воплощением идей и образов символизма, сочетающихся со сложным стилизованным растительным декором, ритмом гибких текучих линий и плоскостных цветовых пятен. В этом духе выполнялись произведения декоративного искусства: панно, мо заика, витражи, керамическая облицовка, декоративные рельефы, майоли­ковая скульптура, фарфоровые и стеклянные вазы и др. Картинам и графи­ческим листам тоже придавались черты декоративной стилизации в духе модерн.

С живописью модерна связаны П.Гоген, М. Дени, П.Боннар во Франции Г.Климт в Австрии, Э.Мунк в Норвегии, М.Врубель, В.Васнецов. А.Бенуа, Л.Бакст, К.Сомов в России. В рамках модерна получила большое распространение книжная и журнальная графика (О. Бердслей в Англии). Особое внима­ние уделялось афише и плакату (А.Тулуз-Лотрек во Франции, А.Муха в Че­хии).

В России с середины XIX в. наиболее широкое распространение получил критический реализм. Он нашел воплощение в жанровых сценах П.Федотова, в искусстве В.Перова, художников-передвижников И.Крамского, В.Маков­ского, Н.Ярошенко, И.Репина и других. В своем творчестве они отразили несправедливость общественного устройства.

Значительным событием в культурной жизни России было создание и 1870 г. по инициативе известных художников И.Крамского, Г. Мясоедова, Н. Ге и В. Перова демократического художественного объединения «Това­рищество передвижных художественных выставок» (ТПХВ). Первая выстав­ка состоялась в 1871 г. Художников, входивших в это товарищество, стали называть передвижниками. Они испытали воздействие общественных и эсте­тических взглядов В.Белинского и Н.Чернышевского. Большую роль в фор­мировании их творческой программы сыграл критик В.Стасов. Материаль­но поддерживал передвижников П. Третьяков, приобретая их произведения для своей галереи. Передвижники были убежденными реалистами, а их программа народности искусства выражалась в изображении типических сторон и многогранных характеров социальной жизни, часто с критичес­кой тенденцией («Земство обедает» Г.Мясоедова, 1872 г.; «Встреча иконы» К.Савицкого, 1878 г.). Передвижники показывали не только бедность, но и красоту народного быта («Приход колдуна на крестьянскую свадьбу» В.Мак­симова, 1875 г.), не только страдание, но и стойкость перед лицом жизненных невзгод, мужество и силу характеров («Бурлаки на Волге» И.Репина, 1873 г.), богатство и величие родной природы (пейзажи А.Саврасова, И.Шишкина, И.Левитана), героические страницы национальной истории (картины В. Сурикова) и освободительного народного движения («Арест пропагандиста», 1892 г.; «Отказ от исповеди», 1885 г.; «Не ждали», 1888 г. — И.Репина). Большое значение в их творчестве приобрел социально-быто­вой портрет («Курсистка» Н.Ярошенко, 1883 г.), пейзаж, а позже истори­ческая живопись, где главным действующим лицом выступал народ («Утро стрелецкой казни» В.Сурикова, 1881 г.). Образы русской народно-сказочной фантазии оживали на полотнах В. Васнецова.

Произведения В.Сурикова, И.Репина, Н.Ге, В.Васнецова, И.Шишкина, И.Левитана — вершины передвижнического реализма. Они отличаются свободной, широкой манерой письма, передачей световоздушной среды с по­мощью рефлексов, цветных теней, свободой и разнообразием композици­онных решений. Последняя, 48-я выставка ТПХВ состоялась в 1923 г. Передвижники в России своим творчеством окончательно утвердили пози­ции реализма в бытовом и историческом жанрах, портрете и пейзаже.

В России с середины 1930-х до начала 1980-х гг. официальным теоретическим принципом и художественным направлением в советском искусстве был социалистический реализм. Его целью было утвердить в общедоступной реалистической форме социалистические идеалы, образы новых людей — строителей коммунизма. Постепенно сложилась жесткая программа социали­стического реализма, основанная на прославлении, воспевании революци­онной борьбы народа и его вождей, советского строя, социалистического строительства и трудового энтузиазма. Необходимо было следовать лозунгам коммунистической идейности, партийности и народности. Такие требова­ния, положенные в основу деятельности союзов художников, определяли круг сюжетно-тематических композиций, типизированных портретов, тематических пейзажей-картин и т.д.

Однако в русле этой программы были созданы проникнутые историчес­ким оптимизмом выразительные реалистические произведения живописцев А.Герасимова, Б.Иогансона, А.Дейнеки, Ю.Пименова, С.Чуйкова, А. Плас­това, П. Корина и других.

В начале XX в. появляется много направлений авангардной живописи (абст­ракционизм, андеграунд, кубизм, фовизм, футуризм, экспрессионизм и др.), ко­торая отказалась от изобразительности и ознаменовала активное выражение личного отношения художника к миру, эмоциональность и условность цве­та, утрированность и геометризацию форм, декоративность и ассоциатив­ность композиционных решений. Затем в 20-е и 30-е гг. нашего столетия авангардистские позиции занимает сюрреализм.

Подробнее остановимся на рассмотрении кубизма. Это художественное направление в европейском изобразительном искусстве начала XX в. стави­ло своей целью выявление геометрической структуры видимых объемных форм, разложение реальных предметов на части в соответствии с их внут­ренним строением и организацию их в другом порядке в новую форму. Название этому направлению дали за внешнее сходство живописи куби­стов с простыми геометрическими телами — шаром, конусом, призмой, кубом. Кубизм возник во французском искусстве в 1900—1910 гг. Его осно­вателем был П.Пикассо («Авиньонские девицы», 1907 г.). В истории кубиз­ма принято выделять три периода: так называемый сезанновский, аналити­ческий и синтетический.

В картинах сезанновского периода геометризация форм подчеркивает ус­тойчивость, предметность мира, массивные объемы как бы раскладываются на плоскости холста, цвет выделяет отдельные грани предмета (П.Пикассо «Три женщины», 1909 г.; Ж.Брак «Эстак», 1908 г.).

В следующем аналитическом периоде предмет дробится на мелкие грани и сходящиеся под углом плоскости, которые четко отделяются друг от друга, используется ограниченный набор красок. Изображение одного и того же предмета показано с разных сторон одновременно во многих ракурсах. Это приводит к ритмической игре форм, плоскостей, объемов. Изображение словно расплывается на холсте (П.Пикассо «А.Воллар», 1910 г.).

В последний синтетический период предпочтение отдается декоративному началу; картина превращается в красочное плоскостное панно (П.Пикассо «Гитара и скрипки», 1913 г.; Ж.Брак «Женщина с гитарой», 1913 г.). Основ­ным становится прием коллажа. Объект как бы собирается, синтезируется из разнообразных фрагментов или знаков — слов, цифр, нот, обрывков газет, цветной бумаги, обоев, схематических рисунков и красочных мазков. Отказ от изображения пространства и объема как бы компенсируется прикладыва­нием реальных объемных конструкций к плоскости холста. В то же время появляется кубическая скульптура с геометризацией форм, деформированием фигур, обозначением металлическими полосами только их внешних контуров и др.

Кубизм ставил цель — познать реальность, раскрыть внутреннюю, философскую сущность предметов с помощью новых средств. Он знаменовал собой отказ от реализма и явился вызовом стандартной красивости официального салонного искусства. В картинах П.Пикассо кубического периода созда­ется трагический образ грандиозного изломанного, разрушающегося мира.

В XX в. продолжается поиск новых идей, образов, форм, новых красок и технических средств создания живописных произведений, что несомненно приведет к появлению новых стилей в живописи. Надеемся, что при этом идейные и технические достижения художников предыдущих эпох не будут забыты, так как в ходе исторического развития живописи накоплены огромные духовные сокровища.

Ответьте на вопросы и выполните задания

1. Назовите основные черты живописи античной эпохи. Каково было ее назначение?
2. Расскажите о содержании средневековой живописи.
3. Какие полотна создавали художники эпохи Возрождения? Что являлось
   мерой всех вещей и центром живописных произведений этого периода?
4. Дайте характеристику различным живописным системам в европейском
   искусстве в ХУИ-ХУШ вв.
5. Какую роль играла живопись в общественной жизни XIX в.?
6. Расскажите об отличительных особенностях живописной системы импрессионистов.
7. Возможны ли импрессионистические черты в скульптуре?
8. Какие современные течения и направления в живописи вы знаете?

Тема. Жанры изобразительного искусства.

План.

1. Понятие жанра.
2. Портрет как один из главных жанров изобразительного искусства.
3. Натюрморт и его характеристика.
4. Пейзаж и его характеристика.
5. Анималистический жанр.
6. Исторический, батальный жанр.
7. Мифологический жанр.
8. Бытовой жанр или жанровая картина.
9. Ню.

Домашнее задание:подобрать репродукции, характеризующие жанры живописи.

Вопрос.

ЖАНР (франц. genre - род, вид), исторически сложившиеся внутренние подразделения в большинстве видов искусства.

Принципы разделения на жанры специфичны для каждой из областей художественного творчества.

В изобразительном искусстве основные жанры определяются прежде всего по предмету изображения (пейзаж, портрет, бытовой жанр, исторический жанр, анималистический жанр и др.).

Дальнейшая, более дробная жанровая дифференциация обусловлена тем, что в художественном творчестве сливаются познавательные, идейно-оценочные, образно-художественные элементы, а каждое произведение искусства имеет ещё и определённое функциональное назначение.

В зависимости от своего назначения тот же портрет может быть парадным, камерным, интимным и пр.

Новые «поджанры» основных жанров возникают также при дроблении на более частные явления самих предметов изображения (например, морской вид, марина - особый вид пейзажа, «галантный жанр» - один из видов бытового жанра, и т. д.).

Поскольку каждому жанру присущи определённые, характерные только для него средства художественной выразительности, жанр может быть определён как тип произведения искусства в единстве специфических свойств его формы и содержания. В тех видах искусств пластических, где невозможно выделить предмет изображения (в архитектуре, декоративно-прикладном искусстве и др.), жанровая классификация не принята; её место занимают типологические разделения, основанные главным образом на функции произведений (например, дворец, церковь, жилой дом в архитектуре).

Понятие жанра не является внеисторическим. Искусство древности, средних веков и Возрождения не знало чётких границ между жанрами. Только в 17 - 18 вв. эстетика классицизма создала строго определённую, нормативную, иерархическую жанровую систему (именно тогда во Франции входит в употребление и сам термин «жанр»). Уже в 19 в. жёстко установленные границы жанра начинают стираться, ряд жанров постепенно утрачивает своё значение и главенствующее положение в системе (например, «историческо-мифологический» жанр); одновременно важнейшее значение получают некоторые жанры, ранее относившиеся к категории «низких» (портрет, пейзаж, бытовой жанр и др.). В 20 в. происходит сложный процесс переплетения и взаимодействия жанров, рождения их новых разновидностей.

Вопрос.

ПОРТРЕТ (франц. portrait, от устар. portraire - изображать), - жанр изобразительного искусства, отличающийся изображением одного человека или группы людей, существующих или существовавших в действительности.

Портрет - один из главных жанров живописи, скульптуры, графики.

Важнейший критерий портретности - сходство изображения с моделью (оригиналом), которое достигается передачей внешнего облика портретируемого и раскрытием его духовного мира.

Исторически сложилось много видов портрета.

В зависимости от техники исполнения, назначения, особенностей изображения персонажей различают портреты:

- станковые (картины, бюсты, графические листы) и монументальные (фрески, мозаики, статуи),

- парадные и интимные (камерные).

Как правило, парадный портрет предполагает изображение человека в полный рост (на коне, стоящим или сидящим). В камерном портрете используется поясное, погрудное, поплечное изображение. В парадном портрете фигура обычно дается на архитектурном или пейзажном фоне, а в камерном — чаще на нейтральном фоне.

Хиазм (от греч. chiasmоs- крестообразное расположение), изображение стоящей человеческой фигуры, в которой тяжесть тела перенесена на одну ногу (опорную); поднявшемуся из-за этого бедру соответствует опущенное плечо, а другому, опущенному бедру - поднятое плечо (итальянские мастера Раннего Возрождения).

По числу персонажей портреты делятся на индивидуальные, двойные, групповые.

Парными называют портреты, написанные на разных холстах, если они согласованы между собой по композиции, формату и колориту. Чаще всего это портреты супругов. Нередко портреты образуют целые ансамбли — портретные галереи.

Портрет, в котором человек представлен в виде какого-либо аллегориче­ского, мифологического, исторического, театрального или литературного пер­сонажа, называют костюмированным.В наименования таких портретов обыч­но включаются слова «в виде» или «в образе» (например, Екатерина 2 в виде Минервы).

Портреты различают и по размеру, например миниатюрный или портретная миниатюра

Существуют портреты на медалях (см. Медальерное искусство), геммах (см. Глиптика),

Специфический жанр портрета - автопортрет. Это изображение художником самого себя. Портрет не только передает индивидуальные черты портретируемого (или, как говорят художники, модели), но и отражает эпоху, в которую жил изображаемый че­ловек.

Подвижность жанровых границ портрета позволяет в одном произведении сочетать его с элементами других жанров. Таков портрет-картина, где портретируемый представлен во взаимосвязи с миром окружающих его вещей, с природой, архитектурой, другими людьми. Возможность выявления в портрете негативных свойств модели обусловила появление портретной карикатуры-шаржа, сатирического портрета.

Искусство портрета насчитывает несколько тысячелетий.

Уже в Древнем Египте скульпторы создавали довольно точное подобие внешнего облика че­ловека. Статуе придавали портретное сходство для того, чтобы после смерти человека его душа могла в нее вселиться, легко отыскать своего владельца. Известны файюмские портреты - это заупокойные живописные портреты в Древнем Египте. Расцвет - в середине 1-3 вв. Писались в технике восковой живописи на доске, вставлялись затем в бинты мумии на месте лица (иногда первоначально помещались в домах, вставлялись в мумии после смерти портретируемых). Позже их сменили древне-египетские заупокойные маски в греко-египетской среде под римским влиянием.

Идеализированные портреты поэтов, философов, общественных деяте­лей были распространены в скульптуре Древней Греции. Правдивостью и тонной психологической характеристикой отличались древнеримские скульп­турные портретные бюсты. Они отражали индивидуальные черты.

Изображение лица человека в скульптуре или живописи во все времена привлекало художников. Особенно расцвел жанр портрета в эпоху Возрож­дения, когда человек стал мерой всего (Леонардо да Винчи, Рафаэль, Джор­джоне, Тициан, Тинторетто). Мастера Возрождения углубляют содержание портретных образов, наделяют их интеллектом, душевной гармонией, а иногда и внутренним драматизмом.

В XVII в. в европейской живописи на первый план выдвигается камерный, интимный портрет в противоположность портрету парадному, официально­му, возвеличивающему. Выдающиеся мастера этой эпохи — Рембрандт, Ван Рейн, Ф. Гальс, Ван Дейк, Д.Веласкес — создали галерею замечательных об­разов простых, ничем не знаменитых людей, открыли в них величайшие богатства доброты и человечности.

Развитие группового портрета и перерастание его в групповой портрет-картину, особенно в творчестве Рембрандта, Гальса, Веласкеса; широкая и многообразная разработка станковых форм автопортрета у Рембрандта, ван Дейка, франц. художника Н. Пуссена и др.),

Свежие реалистические тенденции проявились в портрете 18 в., связанных с гуманистическими идеалами эпохи Просвещения. Примером тому служат «Жанровые» портреты Ж. Б. С. Шардена, пастели Ж. Б. Перронно.

В России в 17 в. получают распространение портреты – парсуны (искажение слова «персона», от лат. persona-личность, лицо), носившие ещё условно-иконописный характер.

Во 2-й половине 17 в. развитие портрета – парсуны шло по 2 направлениям. Первому было присуще ещё большее усиление иконного начала: черты реального персонажа как бы растворялись в идеальной схеме лика его святого патрона (П. царя Фёдора Алексеевича, 1868, ГИМ). Представители второго направления, не без влияния работавших в России иностранных художников, искусства Украины и Литвы, постепенно усваивали приёмы западно-европейской живописи, стремились к передаче индивидуальных особенностей модели, объёмности форм; вместе с тем сохранялись традиционная застылость поз и условность трактовки одеяний (парсуна Г. П. Годунова, 1686, ГИМ). Портреты – парсуны создавались живописцами Оружейной палаты - С. Ф. Ушаковым, И. Максимовым, И. А. Безминым, Г. Одольским, М. И. Чоглоковым и др.

Интенсивное развитие светского станкового портрета в 18 в. (полотна И. Н. Никитина, А. М. Матвеева, А. П. Антропова, И. П. Аргунова) к концу столетия подняло его на уровень высших достижений современного мирового портрета (живопись Ф. С. Рокотова, Д. Г. Левицкого, В. Л. Боровиковского, пластика Ф. И. Шубина, гравюры Е. П. Чемесова).

Ф.Рокотов, Д.Левицкий, В. Боровиковский создали серию великолепных портретов знатных людей. Особенно прелестны и очаровательны, пронизаны ли­ризмом и духовностью женские образы.

В первой половине XIX в. главным героем портретного искусства становится мечтательная и одновременно склон­ная к героическому порыву романтическая личность (на картинах О.Кипрен­ского, К.Брюллова).

Становление реализма в искусстве передвижников отразилось и на искусстве портрета. Художники В.Перов, И.Крамской, И.Репин создали целую Портретную галерею выдающихся современников. Индивидуальные и ти­пичные черты портретируемых, их духовные особенности художники пе­редают с помощью характерного выражения лица, позы, жеста. Человек изображался реалистично, давалась оценка еще и его общественному положению.

В XX в. портрет сочетает самые противоречивые тенденции. На почве модернизма возникают произведения, лишённые самой специфики портрета, нарочито деформирующие образ человека (П.Пикассо, А.Модильяни, Э.А. Бурдель во Фран­ции, В.Серов, М.Врубель, С.Конёнков, М.Нестеров, П. Корин в России).

Новаторскими чертами отмечены советские групповые (произведения А. М. Герасимова, В. П. Ефанова, И. А. Серебряного, Д. Д. Жилинского, С. М. Вейверите) и исторически-революционные («Лениниана» Н. А. Андреева, работы И. И. Бродского, В. И. Касияна, Я. И. Николадзе и других) портреты.

Портреты доносят до нас не только образы людей разных эпох, отражают историческое время, но и говорят о том, каким видел мир художник, как он относился к портретируемому.

Замечательными русскими портретистами были Ф.Рокотов, Д.Левицкий, В.Боровиковский, В.Серов и другие.

Вопрос.

НАТЮРМОРТ (франц. nature morte, итал. natura morta, букв. - мёртвая природа; голл. stilleven, нем. Stilleben, англ. still life, букв. - тихая или неподвижная жизнь), жанр изобразительного искусства (главным образом станковой живописи), который посвящён изображению окружающих человека вещей, размещённых, как правило, в реальной бытовой среде и композиционно организованных в единую группу.

Натюрмортом называют также произведение этого жанра

Кроме неодушевлённых предметов (например, предметов домашнего обихода), в натюрморте изображают объекты живой природы, обращённые в вещь, - рыбу на столе, цветы в букете и т. п. Натюрморт может характеризовать не только вещи сами по себе, но и социальное положение, содержание и образ жизни их владельца, порождать многочисленные ассоциации и социальные аналогии.

Искусство натюрморта как жанр возникло в Голландии в начале XVII в. Знаменитые голландские натюрморты передают радость бытия; рассматривая их, кажется, ощущаешь вкус реальных плодов, рыбы, напитков. Художники изображали самые обычные вещи, но это было красиво и поэтично. Одни любили натюрморты скромные, с не­большим количеством предметов, а другие писали на огромных холстах много дичи, рыбы, цветов (в Голландии П. Клас, В. Хеда, во Фландрии Ф. Снейдерс и др.)- Основной мотив натюрморта мог быть дополнен изображением лю­дей, зверей, птиц, насекомых.

Строгостью и свободой композиции, тонкостью колористических ре­шений, удивительной человечностью выделяются произведения одного из самых замечательных мастеров натюрморта — французского художника Ж.Шардена.

В XIX в. многие ведущие мастера живописи, работавшие в разных жанрах, писали и натюрморты, особенно постимпрессионисты, для которых мир ве­щей был одной из основных тем (П.Сезанн, Ван Гог).

С начала XX в. к жанру натюрморта обращаются художники самых разных стилистических направлений. Они экспериментируют с цветом, формой и пространством, увлекаются поиском разнообразной фактуры. Натюрморты выполняют и в строгой реалистической, и в декоративной манере, и в манере кубизма.

Изображение прекрасного мира вещей увлекало очень многих художников. В русском искусстве П. Кончаловский, И.Машков, Р.Фальк, К.Петров-Водкин, М.Сарьян, Ю.Пименов и другие создали великолепные натюрморты, раскрывающие не только красоту вещей, но вместе с тем и мир человека, его мысли и чувства. Каждый художник нашел для решения этой сложной задачи свои выразительные средства. Порой человек незримо присутствует на карти­не, и кажется, что он только что вышел и может вернуться в любой момент. Например, на картине Ю.Пименова «Ожидание» (1959 г.) изображен одиноко стоящий телефонный аппарат со снятой трубкой, а капли дождя на окон­ном стекле подчеркивают тоскливость этого ожидания, вызывают знакомые ассоциации. В другом натюрморте этого же художника — «Актриса» через предметы раскрывается не только мир профессии, но и характер человека, хозяина этих вещей.

В ином типе натюрморта вещи говорят прежде всего о себе, предлагают полюбоваться красотой их формы, цвета, фактуры. Например, полотно И.Маш­кова «Снедь московская. Хлебы» словно передает аромат свежеиспеченного хлеба, предлагает полюбоваться богатством и разнообразием булок, бато­нов, караваев и калачей.

Мир вещей в натюрморте всегда выражает внешние приметы жизни опре­деленной исторической эпохи.

Вопрос.

Пейзаж (франц. paysage, от pays - страна, местность) — жанр изобразительного искусства, предметом которого является изображение природы, вида местности, ландшафта.

Пейзажем называют также произведение этого жанра.

Пейзаж — традиционный жанр станковой живописи и графики.

В зависимости от характера пейзажного мотива мож­но выделить:

- сельский,

- городской (в том числе городской архитектурный — ведута),

- индустриальный пейзаж.

- марина.

Пейзаж может носить исторический, героический, фантастический, ли­рический, эпический характер.

Например, пейзаж И.Левитана часто имену­ется «пейзажем настроения». На его картинах воплощаются изменчивые на­строения, состояния тревоги, скорби, предчувствия, умиротворенности, радости и др. Поэтому художник передает объемную форму предметов обоб­щенно, без тщательной проработки деталей, трепетными живописными пятнами. Так написаны им в 1895 г. картины «Март» и «Золотая осень», знамену­ющие высшую точку в развитии русского лирического пейзажа. -. .Благодаря И.Шишкину, сумевшему создать на своих полотнах обобщенный эпический образ русской природы, русский пейзаж поднялся до уровня глубоко содержательного и демократического искусства («Рожь», 1878 г.; «Корабельная роща», 1898 г.). Сила шишкинских полотен не в том, что они почти с фотографической точностью воспроизводят знакомые ландшафты среднерусской полосы, искусство художника гораздо глубже и содержатель­нее. Бескрайние просторы полей, колышащееся под свежим ветром море колосьев, лесные дали на картинах И.Шишкина порождают мысли о вели­чии и мощи русской природы.

Часто пейзаж служит фоном в живописных, графических, скульптурных (рельефы, медали) произведениях других жанров. Художник не только стре­мится точно воспроизвести выбранный пейзажный мотив, но и передает свое отношение к природе, одухотворяет ее, создает художественный образ, обла­дающий эмоциональной выразительностью и идейной содержательностью.

Человек начал изображать природу в далекие времена. Элементы пейзажа
можно обнаружить еще в эпоху неолита, в рельефах и росписях стран Древнего Востока, особенно в искусстве Древнего Египта и Древней Греции. В сред­ние века пейзажными мотивами украшали храмы, дворцы, богатые дома. Пейзажи нередко служили для передачи условных пространственных пост­роений в иконах и в миниатюрах.

Как самостоятельный жанр пейзаж окончательно сформировался в XVII в. Его создали голландские живописцы.Еще в XVI в. художники обратились к изучению натуры (П.Брейгель в Нидерландах). Особый расцвет пейзажной живописи наблюдался в XVII—XVIII вв. (П.Рубенс во Фландрии, Рембрандт и Я.Рейсдал в Голландии, Н.Пуссен, К.Лоррен во Франции). Были созданы система валеров, световоздушная перспектива. В XIX в. творческие открытия мастеров пейзажа, завоевания пленэрной живописи (К.Коро во Франции, А.А.Иванов, А.Саврасов, Ф.Васильев, И.Шишкин, И.Левитан, В.Серов в России) продолжили импрессионисты (Э.Мане, К.Моне, О.Ренуар во Фран­ции, К.Коровин, И.Грабарь в России), открывшие новые возможности в передаче изменчивости световоздушной среды, неуловимых состояний при­роды, богатства красочных оттенков.

В русском пейзаже 19 в. романтические традиции играют ведущую роль е творчестве М. Н. Воробьёва и А. К. Айвазовского. На 2-ю пол. 19 в. приходится расцвет реалистического пейзажа (основы которого были заложены ещё в творчестве А. Г. Венецианова и особенно А. А. Иванова), тесно связанный с деятельностью передвижников.

Крупные мастера конца Х1Х-ХХ в. (П.Сезанн, П.Гоген, Ван Гог, А.Ма­тисс во Франции, А.Куинджи, Н.Рерих, Н.Крымов в России, М. Сарьян в Армении) расширяют эмоциональные, ассоциативные качества пейзажной живописи.

Позднеромантические веяния проявляются в произведениях А. И. Куинджи, сочетавшего пристрастие к сильным эффектам освещения с декоративной трактовкой картинной плоскости.

В произведениях П. Гогена, близких пейзажу символизма и отличающихся звучностью ритмизованных локальных цветовых плоскостей, радикально переосмысляется образ пейзажа - идиллии.

Традиции русского пейзажа обогатили А.Рылов, К.Юон, А.Ост­роумова-Лебедева, А.Куприн, П. Кончаловский и другие.

Особое развитие получил пейзаж в искусстве Востока. Как самостоятель­ный жанр он появился в Китае еще в VI в. Пейзажи китайских художников, выполненные тушью на шелковых свитках, очень одухотворенны и поэтичны. Они имеют глубокий философский смысл, как бы показывают вечно обнов­ляющуюся природу, беспредельное пространство, которое кажется таковым из-за введения в композицию обширных горных панорам, водных гладей и туманной дымки. В пейзаж включаются человеческие фигурки и символичес­кие мотивы (горная сосна, бамбук, дикая слива), олицетворяющие возвы­шенные духовные качества. Под влиянием китайской живописи сложился и японский пейзаж, отличающийся обостренной графичностью, декоративны­ми мотивами, более активной ролью человека в природе (К.Хокусай).

Жанр пейзажа не только выражает бесконечное многообразие и красоту природы в разное время года, в различных климатических условиях, при сол­нечном и лунном освещении, но и передает чувства и настроения. Сравните пейзажи К.Коро, Ван Гога, П.Сезанна, и вы увидите, что в основе любого из них — реальная природа, но при этом образы возникают самые разные, по­тому что главное — это индивидуальность художника. Он рисует не натуру, а передает свое внутреннее состояние в живописи, поэтому у каждого, художни­ка свои любимые цветовые сочетания, приемы, индивидуальное отношение к цвету.

И.Левитана можно назвать певцом русской природы. Замечательными рус­скими пейзажистами были Ф.Васильев, В.Поленов, А.Саврасов, И.Шиш­кин и другие.

Морские пейзажи называют «маринами», они составляют самостоятель­ный жанр.

Марина (франц. marine, итал. marina, от лат. marinus - морской), картина, изображающая морской вид; тип пейзажа.

Как самостоятельный вид ландшафтной живописи марина обособилась в европейском искусстве 17 в. и впервые пережила свой расцвет в творчестве голландских маринистов (Я. Порселлис, С. де Влигер, X. Сегерс, В. ван де Велде и др.), расширивших жанровые границы марины (служившей ранее целям иллюстрирования морских сражений, детального воспроизведения воен. кораблей и т. п.) и обратившихся к правдивой передаче морской стихии. В их произведениях получил дальнейшее развитие и парадный тип марины, в котором главное место отводилось изображению кораблей и лодок с многочисленными стаффажными фигурами. Среди крупнейших маринистов 18 - 19 вв.: К. Ж. Верне во Франции, У. Тёрнер в Англии, X. В. Месдаг в Голландии, Кацусика Хокусай в Японии, И. К. Айвазовский и А. П. Боголюбов в России. Представители советской школы маринистов - И. Ф. Титов, Э. Калнынь.

Стаффаж (нем. Stallage, от staffieren-украшать картины фигурами), фигуры людей и животных, изображаемые в пейзажной живописи для оживления вида и имеющие второстепенное значение. Стаффаж получил распространение главным образом в 17 в., когда пейзажисты часто включали в свои произведения мелкоформатные религиозные и мифологические сцены. Иногда стаффаж выполнялся не автором пейзажа, а другим художником.

5 вопрос.

Анималистический жанр (от лат. Animal – животное), жанр изобразительного искусства, в котором главным мотивом является изображение животных.

Многие художники любят изображать зверей и птиц. Некоторые из них посвятили этому все свое творчество. Они создают произведения анималистиче­ского жанра. Живописцы выбирают его редко, а вот графики и скульпторы любят рисовать и лепить различных зверей и их детенышей. Художника, который специализируется в этом жанре, называют анималистом. Он уделяет основное внимание художественно-образной характеристике животного, но при этом с научной точностью передает его анатомическое строение. Изображение животного мира можно встретить в произведениях живописи, скуль­птуры, графики, декоративно-прикладного искусства, иллюстрациях к на­учным и детским книгам.

В книжной графике, иллюстрациях к сказкам, басням, аллегорическим и са­тирическим произведениям животное часто «очеловечивается», то есть наде­ляется присущими людям чертами, с поступками и переживаниями, свойствен­ными человеку, животных одевают в костюмы. Например, рисунки Е.Рачева; и Ю.Васнецова.

Для скульптуры и мелкой пластики, декоративного и прикладного искусства (резьба по дереву, кости, камню, гли­няная игрушка, вышивка) особенно су­щественна декоративная выразительность фигуры, силуэта, фактуры, цвета жи­вотного.

Фольклорные, гротесковые и сказоч­ные образы зверей и птиц встречаются в искусстве разных стран и народов.

Произведения первобытного искусст­ва — наскальные рисунки зверей, пещерная живопись свидетельствуют об острой наблюдательности древних худож­ников. Например, росписи пещеры Альтамира (Испания) — объемные изобра­жения мамонтов, оленей, бизонов в характерных позах и движениях. Тесно связанное с первобытными мифологическими воззрениями, искусство основывалось на одухотворении сил природы (анимизм) и культе животных (тотемизм). Изображения животных встречаются в античной скульптуре, вазописи, мозаиках. В эпоху Возрождения художники начали рисовать животных с натуры. Величайший мастер рисунка А.Дюрер любил изображать лошадей, зайцев и других зверей. Его рабо­ты отличает реалистическая точность и пла­стическая выразительность.

В искусстве Востока к изображению зве­рей и птиц с давних времен относились с особым вниманием. Для них характерны изысканная красота линии, пятен, форм, философская утонченность и опоэтизированность образов.

В русском искусстве яркие образы животных создали такие прославленные художники, как Е.Лансере, П.Клодт, В.Серов. Выра­зительным и точным изображением львов, медведей, собак, котов, лошадей, коров про­славились скульпторы России. Например, замечательные конные статуи П.К.Клодта ук­рашают мосты в С.-Петербурге.

Творчество известных русских художни­ков-анималистов В.А.Ватагина, И.С.Ефимова, Е.И.Чарушина, А.М.Лаптева и дру­гих отмечено сочетанием познавательного восприятия животного мира с яркой об­разной характеристикой.

Например, в иллюстрациях Е.И.Чарушина мир зверей раскрыт в ярких образах, с большой теплотой и гуманностью. У него свои приемы передачи формы, цвета и фактуры.
Его герои и реалистичны, и сказочны одновременно. Он стремится лаконичными
средствами выразить характер каждого зверя, П.Клодт передать радость общения с живым.

Чарушин настолько хорошо изучил жи­вотных, что, создавая свои рисунки, с легкостью добивался точности в передаче формы или пропорции. Каждая иллюстрация не похожа на другую, в каждой свой выразительный образ — определенный характер в опреде­ленном состоянии. Герои Е.И.Чарушина добры, обаятельны. Они легко входят в сказочный мир. Художник любил изображать звериных детенышей — пушистых, мягких и еще совсем беспомощных.

Чарушин выработал свой метод иллюстрирования — чисто живописный. Он рисует необычайно искусно, не контурно, а, можно сказать, анти-контурно, пятнами и штрихами. Зверь может быть изображен просто «лохматым» пятном, но в нем ощущается и настороженность позы, и характерность движения, и особенность фактуры — упругость поднятой дыбом длинной и жесткой шерсти вместе с пуховой мягкостью густого подшерстка.

Главным художник считал создание образа, «а если нет образа, так и изображать нечего, и остается другой процесс работы — вроде рукоделия; это путь, идущий от механических навыков».

Вопрос.

Исторический жанр -один из основных жанров изобразительного искусства, который посвящается значимым историческим событиям, деятелям, явлениям.

В основном он обращается к историческому прошлому, но может показать и недавние события, если их историческое значение признано современниками.

Основные виды произведения исторического жанра:

- исторические картины,

- росписи,

- рельефы,

- монументальная и станковая скульптура,

- миниатюра,

- книжная и станковая графика.

Исторический жанр часто переплетается с другими жанрами: бытовым (исторически-бытовые изображения), портретом (изображения деятелей прошлого, портретно-историческая композиции), пейзажем («исторический пейзаж»). Особенно тесно исторический жанр смыкается с батальным жанром при изображении исторических баталий, крупных сражений и военных событий.

В XVII—XVIII вв. исторический жанр занял ведущие позиции в академиз­ме и классицизме, утвердилось представление о нем как о высоком жанре, включающем религиозно-мифологические и собственно исторические сю­жеты.

Оформился и тип торжественной, идеально-обобщённой по построению многофигурной исторической картины.

Помпезные историческо-аллегорические, как правило, многофигур­ные композиции представляли античных героев и отражали конфликты про­тивоборствующих сил (Н.Пуссен, Д.Веласкес, П.Рубенс, Рембрандт). В образе античных полководцев на картинах исторического жанра могли быть изоб­ражены властвующие монархи.

В России исторический жанр получил дальнейшее развитие в XVIII—XIX вв. и был связан с появлением светского искусства, исторической науки, просветительскими идеями и возвышенными воззрениями классицизма, пропа­гандистом которых выступала Академия художеств. В историческом жанре ведущая роль принадлежала большой по размерам тематической картине (А.Лосенко, Г.Угрюмов, А.Иванов, К.Брюллов). Скульптурные портреты и па­мятники, посвященные событиям Отечественной войны 1812 г., создавались в рамках исторического жанра.

Выдающимся мастером русской исторической живописи был В.Суриков, отразивший в своих полотнах яркие исторические события, героические на­циональные характеры, полную внутренних противоречий историю народа: «Утро стрелецкой казни» (1881 г.), «Боярыня Морозова» (1887 г.), «Покоре­ние Сибири Ермаком» (1895 г.), «Переход Суворова через Альпы» (1899 г.).

С конца XIX — начала XX в. борющиеся за гуманистические идеалы худож­ники в произведениях исторического жанра отразили революционные собы­тия, борьбу с фашизмом и трагические события освободительных движений современности.

Батальный жанр(от франц. bataille - битва), жанр изобразительного искусства посвящен темам войн, битв, по­ходов и эпизодам военной жизни.

Главным образом батальный жанр характерен для живописи, отчасти для графики и скульптуры. Он может быть состав­ной частью исторического и мифологического жанра, а также изображать современную художнику жизнь армии и флота. Батальный жанр может вклю­чать элементы других жанров — бытового, портретного, пейзажного, ани­малистического (при изображении конницы), натюрморта (при изображе­нии оружия и других атрибутов воинской жизни).

Формирование батального жанра начинается в эпоху Возрождения (Лео­нардо да Винчи, Микеланджело, Тициан, Тинторетто); его расцвет прихо­дится на XVII—XVIII вв. (Д.Веласкес, Рембрандт, Н.Пуссен, А.Ватто); осо­бенно ярко была передана трагедия войны в период романтизма первой половины XIX в. (Ф.Гойя, Т.Жерико1 Э.Делакруа). Художники-баталисты, как правило, стремятся показать героическую готовность к освободительной борьбе, воспевают воинскую доблесть, торжество победы, но их произве­дения, как правило, разоблачают античеловеческую сущность войны, про­клинают ее (П.Пикассо «Герника», картины В.Верещагина, М.Грекова, А.Дейнеки, Е.Моисеенко, Г.Коржева и др.).

Вопрос.

Мифологический жанр -картины, написанные на сюжеты мифов, сказочные и былинные темы.

Мифы, легенды, предания народов мира составляют важнейши