Новгородская школа.

В 12-13в. Новгород превратился в богатую и сильную республику.

римером нового типа городского и монастырского храма служит храм Спаса Нереднцы, построенный князем Ярославом Всеволодовичем. Гладкие светлые стены были лишь немного оживлены немногочисленными окнами и простыми лопатками В интерьере храма Спаса Нередицы боковые нефы не играли значительной роли, все сосредоточивалось в центре. Для архитектуры 12в. характерны сравнительно небольшие, 1-главые, 4-столпные церкви. В постройках Новгорода присутствует простота, строгость.

В 13в. Новгород был одним из немногих городов, избежавших нападения татаро-монгольского ига. Храмы по прежнему возводятся по заказу бояр. Меняется техника кладки и материал, стены строятся из плохо отесанного камня, и лишь на сводах и окнах применяется кирпич.Из апсид сохраняется только одна. Промером является Цевровь Николы на Липне.

Во второй половине 14в. создается тип храмов, аналога которого нет нигде. Церковь Спасо-Преображения на Ильине ул. В Новгороде. Отличительная особенность – декор экстерьера,в котором новгородцы были всегда сдержаны.Фасад расчленяется лопатками и украшен кружками, бровками над окнами, орнаментальным поясом над окнами барабана.

28. Особенности московской архитектуры. Ансамбль Московского Кремля.

В 12 в. на Руси появился важный политический и культурный центр – Москва. В 1480г. при правлении Ивана 3 Русь окончательно освободилась от Татаро-монгольского ига. В связи с укреплением территорий встала задача создания нового архитектурного ансамбля Кремля, как символа России. В этот период в Москве работают и русские и иностранные мастера, развивается искусство не отдельных школ, как ранее, а общенациональное искусство.

В 1485-1496гг. Кремль был возведен заново, сохраняя план старого. Его стены представляют собой не только грозную крепость, но и архитектурный ансамбль.

Центром Кремля стала Соборная площадь с расположенными на ней Успенским собором (1475—79), Благовещенским собором (1484—89), Грановитой палатой (1487—91), Архангельским собором (1505—08) — (усыпальницей русских князей и царей) и колокольней Иван Великий.

Для строительства кремля приглашались иностранные архитекторы. Архитектору приглашенному из Италии - Аристотелю Фиораванти было поручено строить главный Успенский собор(1474-79) (по образу Владимирского.) Построен из белого камня в сочетании с кирпичом. Имеет вытянутый план, 5-главый, по фасаду украшается аркатурно-колончатым поясом, одинаковыми по высоте закомарами. Во внутреннем пространстве отсутствуют хоры. Благодаря использованию круглых столбов и крестовых сводов интерьер превратился в высокий светлый зал. (отл. от Владимирского) В росписи принимал участие известный иконописец Дионисий, но в 17в храм был расписан заново.

Строительство Благовещенского собора было поручено русским псковским мастерам Кривцову и Мышкину(до итальянцев они возводили успенский собор, но он был разрушен землетресением в 1474г.). Благовещенский собор является исключительно национальным творением русских мастеров в Кремле. Сначала глав было 3, но при Иване Грозном стало 9.Девятиглавие этого собора объясняется его посвящением именно празднику Благовещения: в русской церковной архитектуре девять глав символизируют образ Пресвятой Богородицы как Царицы Небесной Церкви, состоящей из девяти чинов Ангелов и девяти чинов Праведников Небесных. В росписях присутствуют изображения Аристотеля, Сократа. Пол храма был выложен из ценных благородных камней - мрамора, агата, и яшмы, которая, говорят, была прислана царю Алексею Михайловичу персидским шахом. Собор был домовой церковью семьи и соединялся двором. Отсюда небольшие размеры.

Архангельский собор(1505-1508) был построен Итальянцем Алевизом. Оформлен в духе ренессансной архитектуры. Его облик отличается от других храмов. Закомары отделены от стен антаблементом и украшены резными раковинами. В интерьере храм сохраняет русские традиции. Храм служит усыпальницей князей.

Грановитая палата построена итальянскими архитекторами Марко Руффо и Пьетро Антонио Солари.

В декоре сказались ренессансные черты. Фасад облицован граненным камнем (отсюда и название).

Внутри на 2 этаже главный зал перекрыт крестовыми сводами опирающиеся на стоящий в центре столп. Было сделано по типу монастырских трапезных.

Кремль стал образцом для многих крепостей 16в. Московская архитектура стала общерусским явлением несмотря на возведения храмов итальянскими зодчими, она не потеряла свои исконно русские черты.

В 16в. появился новый тип шатрового храма(пример – церковь Вознесения в Коломенском ) – выполнен из нескольких объемов – 4ник, на нем 8ник, переход между ними плавный из за нескольких рядов кокошников, и завершает композицию шатер с крестом. Главная выразительность храмов в экстерьере. Ставили такие церкви в честь какого то события. Такая церковь явилась образцом для храма Покрова на рву (Василия Блаженного)был построен в 1555—60 годах по приказу Ивана Грозного в память о взятии Казани. Архитекторами были Барма и Постник. Храм состоит из 9 объемов, центральный увенчан Шатром, вокруг него по осям и диагоналям расположены 8 остальных храмов, разных высот. Нарядный вид придают собору множество украшений, построен из красного кирпича с белокаменными деталями, Луковичнвые главы появились в конце 16в. , многоцветная роспись в 17-18в. Все девять церквей объединены общим основанием, обходной (первоначально открытой) галереей и внутренними сводчатыми переходами.

В 1588 году с северо-востока к собору был пристроен придел, освящённый в честь Василия Блаженного (1469—1552), мощи которого находились на месте постройки собора. В 1670-х годах построена шатровая колокольня.

(Закомара – полукруглое завершение станы, кокошник – ложные закомара)

29. Зодчество и живопись русского барокко ХVII в.

В 17 столетии, после изгнания иноземцев древнерусская архитектура переживает новый подъем. Московский Кремль становится символом величия Руси. На основе московского зодчества создается общерусская архитектура. Для храмов 17в. была характерна асимметричная планировка, обилие декора на фасадах(например оконных проемов, сочетание штукатурки с кирпичной кладкой, золочение), сложные формы.

В 30-е г. в Кремле построен Теремной дворец. . Это первые каменные покои в царском дворце. Этот пятиэтажный дворец был необычайно крупным и монументальным для того времени. Интерьеры, построены по анфиладному(один зал из другого) принципу и богато украшены. Роспись помещений Теремного дворца проводилась под руководством С. Ф. Ушакова.

К 40-м годам архитектурная форма усложняется, декор покрывает все здание, что оно читается с трудом. Постепенно теряет смысл шатровое зодчество, появляются 3-5 одинаковых по высоте шатров, исчезает вертикальность и целостность постройки. Однако шатровые храмы остаются быть популярными, (Ново-Иерусалимский монастырь в Истре, прототип Иерусалимского храма, Центральная ротонда заканчивается шатром).

В 90-е годы появляется новый стиль, именуемый «нарышкинское барокко»(в честь боярского рода Нарышкинких, в чьих имениях применен новый стиль)

Для н.б. характерны Центричность и ярусность, симметрия и равновесие масс, усложнение архитектурной формы, сложные конструкции, обилие декора, полихромность. Все эти черты уже были известны ранее, но в этом стиле сложились в определённую систему. Храмы возводились на деньги купцов, и они увековечивали свои имена постройкой храмов.

Ярким примером «московского барокко» является церковь Покрова в Филях.(храм Нарышкина) – ажурная, изящная, колонки на ребрах граней и обрамление дверей и окон подчеркивают вертикальность сооружения.

Церковь Троицы в Троице-Лыкове,1698—1704 гг.), которым свойственны симметричность композиции, логичность соотношений масс и размещения пышного белокаменного декора, в котором свободно истолкованный ордер, заимствованный из западноевропейской архитектуры

Для нарышкинского стиля также характерна двуцветность сочетания красного кирпича и белого камня.

Главное значение нарышкинского стиля состоит в том, что именно он стал связующим звеном между архитектурой старой патриархальной Москвы и новым стилем (петровским барокко), возводимого в европейском духе.

В живописи на рубеже 16-17в. появляются 2 школы – годуновская (основные заказы Бориса Годунова) и Строгановская школа(по заказу строгановых).

Годуновская школа страмилась следовать монументальным образам Рублева и Дионисия

Хаар-ные черты: каноничность, многофигурные сцены, фигуры в разнообразных позах.

Строгановская икона – небольшая, не столько представляла ценность как икона, сколько была драгоценной миниатюрой, рассчитанная на ценителей искусства. Хаар-ные черты: богатство орнамента, обилие золота или серебра, мелкие делали, лирические, поэтические образы, сказочный пейзаж.

Раскол в церкви в17в. повлиял на иконографию. Произошел разрыв с древнерусской иконописной традицией. Стала выделятся художественная, эстетическая сторона иконы. Сторонником этой новой тенденции стал живописец Симон Ушаков(1626-1686). В своих работах стремился избавится от канонов изображения иконописания. Появляется объем, правильная перспектива, правильные черты лица, прорабатывается тон кожи. (любимые темы -Троица, Спас Нерукотворный, )

Во Фресковой живописи росписи становятся иными. Фрески покрывают стены, столбы, одним сплошным узором. Орнамент покрывает архитектуру, фигуры людей, одежды.

Характерны 2 отличительные особенностей фресковой росписи:

1-я - Декоративизм, 2-я - интерес к человеку, акцент на красоте природы.

Предвесником искусства будущей эпохи становится портретный жанр. 1 портрет – парсуна изображение Ивана 4, князя Скопина-Шуйского. Они еще близки к иконе, но есть определенное портретное сходство, попытка передачи светотени. Некоторые парсуны были исполнены иностранными художниками.

30. Архитектура русского барокко ХVIII в.Творчество В.В.Растрелли.

Русское барокко зародилось в 17в. и получило название «нарышкинское барокко».

В начале 18в. в судьбе России произошел значительный перелом, когда Петр 1 открыл окно в Европу. Это должно было вывести страну из политической и экономической замкнутости. Это повлияло на искусство.

В 1712г. Санкт-Пересбург стал новой столицей Русского государства. Все силы государства были брошены на строительство нового города. За границу для обучения «архитектуре» посылали способных молодых людей. Были приглашены архитекторы из стран Западной Европы. Возник монолитный, органичный сплав русского и зарубежного начал архитектурных стилей.

Образ Петербурга создавал Доменико Трезини – он построил Петропавловскую крепость – доминанта столицы. Постройки получали светский характер.

В петровское время первостепенное внимание уделялось строительству частных жилых домов.. Дворцовые здания имели весьма ограниченные размеры

Архитектура второй половины 20-х, 30-х годов следовала установившимся приемам предыдущего времени, но в ней стали появляться и некоторые новые признаки, и прежде всего несколько усиливаться декоративное начало, в том числе в убранстве интерьеров.

Зрелое барокко отличалось от западного наиболее ярко выраженного — итальянского, структурной ясностью и простотой плановых построений, тесной связью конструктивной основы и декорирующих ее элементов. Другой отличительной особенностью русского барокко был его мажорный характер, активное использование ярких цветов в окраске, смелых колористических контрастов, включая золочение.

Барокко, тяготевший к созданию героизированных образов, к прославлению могущества Российской империи, наиболее ярко проявился в середине XVIII века в архитектурных сооружениях Ф. Б. Растрелли. По его проектам созданы величественные дворцовые ансамбли в Петербурге (Зимний, 1754—1762; Строгановский дворец, 1752—1754) и в Петергофе (1746—1775), в Царском Селе (Екатерининский дворец, 1747—1757).

Никто из архитекторов тех времен не владел такой удивительной фантазией, таким блестящим талантом в создании могучих архитектурных симфоний, как Растрелли.

В своих сооружениях никогда не прибегал к усложненным контурам и очертаниям стен в плане, никогда не допускал разрывов или несоответствий внешних и внутренних объемов. Планы помещений в зданиях Растрелли почти всегда имеют очертания прямоугольника.

В 1747-52 Растрелли работал над постройкой Большого дворца в Петергофе (см. Петродворец). Сохранив основную композицию дворца петровской эпохи, Растрелли расширил его среднюю часть, пристроил к его торцам выделяющиеся изяществом пропорций, выразительностью силуэта и праздничной декоративностью облика дворцовую церковь и "корпус под гербом", заново создал все интерьеры. Для пышных и праздничных интерьеров Растрелли характерны яркая полихромия, изобилие декора: отражения в многочисленных зеркалах, мерцающая позолота деревянной резьбы, узор паркетов, роспись плафонов, картуши, раковины, сверкая и переливаясь, создавали полный великолепия фон для дворцовых церемоний.

В период строительства дворцов М. И. Воронцова (1749-57) и С. Г. Строганова (1752-54) в Петербурге завершилось формирование зрелого стиля Растрелли. Членения фасадов и трактовка стены приобретают в постройках Растрелли необычайную пластичность. Растрелли широко пользуется наружными колоннами; собранные парами и пучками, то направляясь к центру, то группируясь вокруг главных композиционных узлов здания, они не играют прямой конструктивной роли и приобретают характер тектонического декора. Растрелли перестроил также Большой (Екатерининский) дворец (1752-57) в Царском Селе (см. Пушкин). Продольная ось здания стала главной пространственной координатой в его плане; огромная протяжённость двух параллельных анфилад парадных помещений, масштаб которых нарастает к центру - Большому залу и Картинной галерее, подчёркнута выносом парадной лестницы в юго-западный конец здания. Ритмическое разнообразие ордерной системы фасада, большие выступы колоннад с раскреповками антаблемента над ними, глубокие впадины окон, создающие богатую игру светотени, обилие лепнины и декоративной скульптуры, полихромия фасадов придают зданию эмоционально-насыщенный, праздничный и торжественный облик. Ликующей мощью и величием проникнуты и две поздние постройки Растрелли - Смольный монастырь (1748-54) и Зимний дворец (1754-62) в Петербурге, которые он задумал как грандиозные, замкнутые в себе городские ансамбли.

31. Русская живопись XVIII века (Д.Г.Левицкий, Ф.С.Рокотов, В.Л.Боровиковский).

Начало XVIII века - период рождения русской живописи. Реформа государственного управления, усиление светской власти, реформа в области просвещения очень плодотворно сказались на развитии искусства и литературы. Классическое древнерусское искуство уходит в прошлое. Иконопись разделяется с живописью. Петр I посылает обучаться за границу многих будующих русских живописцев.

Уже в первой половине XVIII столетия русское изобразительное искусство сделало огромные успехи. Во всех областях искусства — в живописи, скульптуре, архитектуре и графике — росло профессиональное мастерство художников, создававших яркие и оригинальные произведения.

Петр 1 способствовал созданию первой русской Академии художеств(1757).В течение 18в. она была единственным в России высшим художественным заведением. Академия вырастила множего талантливыс архитекторов, скульпторов и живописцев. Основой образования было изучение мастеров прошлого, античности. Ведущим направлением Академии стал классицизм, он был основан на принципах европейского классицизма, но имел свои черты. Русские художники изучали античные и ренессансные композиционные приемы и пересматривали их применительно к национальным традициям. Русский классицизм менее официален.

Федор Степанович Рокотов (1735 (32?) —1808)

В лице Рокотова новое русское искусство выдвинуло своего первого великого художника. Искусство Рокотова отмечено чертами острой и неповторимой оригинальности. По внутренней проблематике живопись Рокотова перекликается с древнерусским искусством; среди художников XVIII века один только Рокотов по-настоящему приблизился к глубоким истокам национальной художественной традиции.

Учился в Академии художеств. Созданный Рокотовым тип портрета — камерный интимный портрет — составляет целую эпоху в русской портретной живописи. Он обладал редким даром, позволяющим мастерски передавать внутренний мир человека, его трепетность и теплоту. Его модели как бы выступают из мерцающего сумрака, черты лица слегка размыты, словно окутаны дымкой. Полотнам мастера присуще богатство оттенков тона, изысканные цветовые сочетания. Мягкие, приглушенные тона создают атмосферу интимности: в его портретах нет ничего показного, внешне эффектного. Художника привлекает внутренняя красота человека.

Дмитрий Григорьевич Левицкий (1735—1822)

В живописи Левицкого с наибольшей яркостью раскрылись реалистические тенденции русского искусства XVIII века.

В 1770 году на выставке в Академии художеств было представлено 5 портретов, написанных малоизвестным Левицким. В них уже в полной мере проявился огромный талант молодого художника. В этих ранних работах обнаруживаются реалистическая направленность Левицкого, стремление к объективной и правдивой характеристике, способность глубоко проникать во внутренний мир изображаемого человека и вместе с индивидуальными выделять социальные и типические черты образа. Выставка принесла признание и огромное количество заказов.

К их числу шедевров относятся портреты «смолянок», воспитанниц Смольного института(инст. Благородных девиц). Институтки изображены во весь рост на фоне условного декоративного пейзажа или пышных занавесей, ниспадающих тяжелыми широкими складками. Этим приемом художник подчеркивает, что предметом изображения является здесь не реальная жизнь, а театр. Портреты составляют цельный и замкнутый цикл, объединенный не только внешне, при помощи декоративных приемов. По силе художественного выражения и по уровню мастерства «Смолянки» принадлежат к числу самых совершенных созданий русского и мирового искусства той эпохи.

Левицкий не льстит своим персонажам, не приукрашивает их некрасивых лиц и даже намеренно подчеркивает угловатую неловкость их движений.

1770-1780-е годы - время расцвета дарования Левицкого. За эти двадцать лет он создает самые значительные произведения. Имя художника окружено славой, постоянно поступают заказы царского Двора.

с 1771 года в течение семнадцати лет руководит классом портретной живописи в Академии художеств.

Среди сохранившихся произведений Левицкого 1770-х годов преобладают различные варианты парадных портретов. Главной задачей такого портрета было прославление человека высокого социального положения. Изображаемый появлялся перед зрителями в самом представительном виде — в мундире, с орденами, знаками отличия и монаршего поощрения. Обстановка и атрибуты должны были красноречиво свидетельствовать о значимости персоны и ее деяний, о достигнутом уровне престижа.(портреты Екатерины 2, портрет Кокоринова - архитектор).

Влади́мир Луки́ч Боровико́вский (1757—1825)

В молодости учился иконописи под руководством отца. Со 2-й пол. 1790-х Б. становится известным портретистом. В его творчестве преобладает камерный портрет.

В 1790-х годах Рокотов уже перестал работать и лучшая пора творчества Левицкого подходила к концу. Место ведущего русского портретиста перешло к Боровиковскому.

Поворот 1790-х годов связан с литературным и художественным течением, известным в истории искусств под названием сентиментализма. Поэты и теоретики нового направления призывали к изображению «естественной, неукрашенной природы» и «истинных чувств», не похожих на условные, выработанные классицизмом представления о характерах и страстях. Содержанием художественных произведений отныне становятся события повседневной жизни, в которых могло и не быть ни героизма, ни возвышенности, ни пафиса. Но в сентиментализме был повышенный интерес к человеческой личности, внимание к внутренней душевной жизни человека.

Боровиковский изображал на своих портретах “частного” человека; окутанные легкой дымкой модели Боровиковского пребывают в состоянии томного упоения гармонией своей внутренней жизни и окружающей их природы.

портрет М. И. Лопухиной считается шедевром и отражением живописи того периода. Окружением фигуры Лопухиной служит пейзаж, внимание художника чуть ли не впервые в русском искусстве привлекают здесь типические особенности национального русского пейзажа — белые стволы берез, васильки, золотистые колосья ржи, колорит легкий и воздушный.

32. Архитектура русского классицизма ХVIII века (Ж.-Б.Валлен-Деламот, В.И. Баженов, М.А.Казаков).

Активная политика Петра 1 сделала Россию одним из могущественных государств Европы. Елизавета 2 продолжила политику расширения связей с Западной Европой. При ней во дворе был принят стиль неоклассицизма.

В развитии классицизм проходит 3 сэтапа: ранний (60-80г.), зрелый (80-90г.), поздний (90-30г.19в.).

Преодолев пышность барокко, его внешнюю парадность эти мастера достигают глубокой выразительности строгостью и простотой. Первым вестником новых идей в архитектуре был в России французский архитектор Валлен-Деламот. Обучался в Риме, в 1759г. был приглашен в Россию для преподавания в новосозданной петербургской Академии художеств.

Творчество Деламота имело большое значение для русской архитектуры: Деламот оказал большое влияние не только на своих учеников Баженова и Старова, но и на других архитекторов работающих в Петербурге. В Петербурге Деламот наряду с педагогической деятельностью выступал как строитель - практик. Здания Деламота уже не являются дворцовыми усадьбами, Деламот почти не вводит скульптурных украшений в отделку основных стен. Помимо участия в разработке проекта здания Академии художеств, Деламот выполнил ряд построек. Наиболее значительные из них - дворец Чернышева, Малый Эрмитаж на набережной Невы Со второй половине ХVIII века начинается расцвет московского строительства.

Василий Иванович Баженов(1737-1799)

Один из первых выпускников Академии художеств.

Баженов первым из русских архитекторов стал мыслить постройку в её связи с окружением, как объёмную композицию, активно организующую пространство города.

После заграничной командировке он поселился в Москве, с которой связаны его крупнейшие постройки и проекты. Особо видное место среди них принадлежит проекту Кремлевского дворца(с главной овальной площадью и радиальными улицами) и строительству в Царицыне под Москвой. Проект Кремля воплощен не был.

10 лет Баженов работал над созданием загородной резиденции в Царицино. Ансамбль составлял единое целое окружающим парком. В планировке Царицына с её элементами классицистической чёткости тонко учтен рельеф местности: здания живописно расположены на разных уровнях. В ансамбле присутствуют и зодчество древней Руси (материалы: красный кирпич с белокаменными деталями) и псевдоготический стиль, стрельчатые окна и башни, классические карнизы.

Постройки в Царицыне остались незавершёнными, поскольку Екатерина II враждебно отнеслась к ним при их осмотре на месте.

Вместе с Баженовым в процессе становления классицизма участвовал Матвей Федорович Казаков (1738-1812). Был учеником Баженова. Хотя никогда не покидал Москву, хорошо знал европейское зодчество. Вместе с Б. работал над проектом Кремлевского дворца. Создает Здание Сената, которое становится образцом стиля классицизма в русской архитектуре. В план Сенат – треугольник, одна сторона параллельна кремлевской стене. У вершин треугольника находится парадный круглый зал. Двор внутри треугольника разделен на 3 части. Впервые в России применено купольное покрытие большого диаметра. Карниз охватывает все фасады здания, объединяя и связывая их в единое целое. Колонны дорического ордера.

Целостные и пластичные архитектурные формы преобладают в центрических постройках Казакова.

Выразительность и праздничная торжественность интерьеров Казакова достигаются введением большого ордера (Колонный зал Дома Союзов в Москве), привлечением скульптуры (Сенат, Университет), монументальной живописи (т. н. "Золотые комнаты" дома Демидова). Казаков оставался последовательным классиком и в сооружениях так называемого псевдоготического направления, где сохранялась классическая основа здания, а декоративные элементы допетровской и готической архитектуры использовались лишь для декорации фасадов (Петровский подъездной дворец, ныне Военно-воздушная академия им. Н. Е. Жуковского, 1775-82, в Москве).

33. Архитектура русского ампира ХIХ века (А.Н.Воронихин, А.Д.Захаров, К.И.Росси, О.И.Бове, Д.И.Жилярди).

Увлечение стилем Ампир(высокий классицизм) не миновал Россию. После изгнания наполеона в русской архитектуре ощущается пафос победы. Развернулось бурное строительство. Идеалом становится античность в греческом варианте(а не палладианская классика). Используется дорический или тосканский ордер, подчеркивается мощь стен. Большую роль играет скульптура. Главное место в строительстве занимают общественные здания: театры, уч.заведения.

Андрей Никифорович Воронихин (1759-1814)

Главными творениями мастера явились петербургские Казанский собор и Горный институт(мощный фасад с дорич. колоннами). Казанский собор (1801–1811) доминирует в застройке Невского проспекта. За основу проекта был взят собор святого Петра в Риме с куполом Микеланджело и колоннадой Бернини. Воронихин творчески развил римские ренессансно-барочные идеи, создав монументальный ансамбль (с увенчанной куполом полукруглой, открытой к проспекту коринфской колоннадой) совершенно иных пропорций и иной (гораздо более активно взаимодействующей с пространством города) планировки. Классицистическая строгость общего замысла сочетается здесь с триумфальной пышностью декоративного убранства. Новаторским является решение купола с внешней оболочкой, впервые в таком масштабе выполненной на чисто металлической основе.

Захаров Андрей Дмитриевич (1761-1811)

Превратил Адмиралтейство в главный ансамбль Петербурга. Сохранив конфигурацию плана уже существовавшего здания, Захаров создал новое, грандиозное (протяжённость главного фасада 407 м) сооружение, придав ему величественный архитектурный облик и подчеркнув его центральное положение в городе. В центре здания - монументальная башня со шпилем, ставшая символом города. Внутри этой башни Захаров сохранил старый шпиль Адмиралтейства. Композиция 2 крыльев фасада, симметрично расположенных по сторонам башни, построена на сложном ритмическом чередовании простых и чётких объёмов (гладкие стены, сильно выступающие портики, глубокие лоджии). Новое значение получает скульптура. Декоративные рельефы органично соотносятся с крупными архитектурными объёмами, пристенные скульптурные группы подчёркивают в грандиозно развёрнутых фасадах живую человеческую меру. В интерьерах Адмиралтейства (сохранились вестибюль с парадной лестницей, зал собраний, библиотека) суровая строгость монументальных архитектурных форм смягчена обилием света и исключительным изяществом отделки. Здание гармонирует с архитектурой центра города.

Росси Карл Иванович (1775-1849)

Подчёркнуто триумфальный характер сооружений Росси отражал патриотические идеи величия России. Дря Росси характерны широта в охвате архитектурных задач, выразительность и богатство ордерных композиций, гармоническое сочетание архитектурных форм с аллегорической скульптурой.

В 1819 Росси полностью преобразил пространство перед Зимним дворцом (значительно обновленным им в 1818–1827 и изнутри; правда, из интерьеров сохранилась лишь Военная галерея 1812 года, восстановленная после пожара 1837 В.П.Стасовым). На месте отдельных частных домов он возвел два грандиозных здания Главного штаба и министерств, объединенных дугообразным фасадом и триумфальной аркой над Морской улицей. Основой для реконструкции другого района столицы – между Невским проспектом и Марсовым полем – послужило строительство дворца для великого князя Михаила Павловича (1819–1825; ныне – Русский музей.Наиболее грандиозный из ансамблей Росси имеет своим началом перестройку Аничковой усадьбы (1816–1818); преображая территорию от Невского до Чернышева моста через Фонтанку, Росси возвел здесь в 1828–1834 Александринский театр с отходящей от его заднего фасада Театральной улицей (ныне улица зодчего Росси), оформленной двумя однородными протяженными корпусами со сдвоенными дорическими колоннами; с городом театр и улицу связали площади Театральная и Чернышева.

Жилярди Дементий Иванович (1785-1845)

Выходец из Швейцарии. Сын архитектора. Самостоятельно изучал искусство и архитектуру Рима, Флоренции и Венеции. Первой полностью самостоятельной работой Жилярди стало восстановление здания университета(после пожара 1812г.) соорудил монументальный портик дорического ордера на главном фасаде и грандиозную полуротонду актового зала. Крупной постройкой Жилярди в центре Москвы стал ансамбль Опекунского совета Воспитательного дома на Солянке (1820-е гг., совместно с А.Г. Григорьевым, постоянным помощником Жилярди и в дальнейшем). Одно из наиболее гармоничных произведений Жилярди — дом Гагарина (на Поварской улице), необычным приёмом в оформлении которого стали арочные окна с 2-колонной вставкой.

34. Искусство русского романтизма ХIХ в.

В России романтизм в разной степени проявился в творчестве многих мастеров - в живописи и графике, но русский романтизм не был столь крупным движением, как во Франции, Германии. Он занимал переходный период от классицизма к реализму 20-40гг. Заметны черты романтизма в портретах Кипренского. Хотя там много классического, образы имеют сентиментальность, задумчивость (портрет мальчика Челищева )Характерны романтическая приподнятость и взволнованная страстность образов.

Существенное влияние романтизм оказал на формирование русского пейзажа творчество Щедрина. После окончания Академии он поехал в Рим, гдк раскрылся как художник-романтик. Он первым открыл России пленэрную живопись. Как и барбизонцы он писал этюды с натуры. Рим в его картинах – современный город. Он рисует моряков, торговцев. Светотеневые эффекты гармония природы в его картинах добавляют лиризм композиции.

В мастерской Айвазовского были созданы тысячи полотен, поражающих знанием изменчивой души моря, картина "Девятый вал" (1850). В ней передана сила, пробужденная в человеке стихией: потерпевшие кораблекрушение преодолевают страшный девятый вал. Возвышенное романтическое чувство передано в колорите - в контрастах насыщенного темно-зеленого цвета волн, марева, окутавшего рассветное солнце, в оттенках пенных гребней бушующего моря.

Черты романтизма противоречиво сочетали с академическим классицизмом в своей живописи Брюллов К. в своей знаменитой Катрине «Последний день Помпей», которую он написал после поездки в Помпею. Тема неизбежной гибели характерна для романтизма. Лава надвигается на город, мать прикрывает ребенка, молодой человек женщину. Даже в гибели образы остается красивыми. Театральные позы, жесты эффект освещения говорит о соблюдении правил академической школы и классических приемах.

35. Творчество А.А.Иванова.

Алекса́ндр Андре́евич Ива́нов (1806—1858)

Заканчивает Академию Художеств. 1830 году на средства Общества поощрения художников А.А. Иванов едет в Италию, посещает Австрию и Германию. В 1831-1858 годах он постоянно жил в Италии. Изучение античных памятников и живописи великих мастеров нашло отражение в его картине "Апполон, Гиацинт и Кипарис". С самого начала пребывания за границей Иванов стремился найти значительную тему. он копирует «Сотворения человека» в Сикстинской капелле и в написании эскизов на разные библейские сюжеты. в 1834 году написал «Явление воскресшего Христа Марии Магдалине». в 1836 году художник удостоился за неё звания академика. Ободренный успехом, Иванов принялся за «Явление Мессии народу».

Жизненным подвигом художника стала 20-летняя работа над огромной картиной "Явление Христа народу" (1837-1857, Третьяковская галерея). Евангельский сюжет Иванов трактовал как реальное историческое событие, основное содержание которого - духовный переворот в жизни угнетённого человечества. многофигурная композиция объединяет людей различных сословий и характеров, по-разному воспринимающих событие; каждый персонаж получил глубокий идейно-психологический смысл. Созданию грандиозного полотна (40 кв.м) предшествовала огромная подготовительная работа. Художник исполнил более 600 этюдов и эскизов. Эти этюды явились замечательной школой реализма и для последующего поколения художников. Картина "Явление Христа народу" осталась в истории русского искусства замечательной школой углублённой работы над натурой, над различными компонентами картины.

«Явление Христа народу» встретило холодный прием со стороны критики и подавляющего большинства зрителей.

36. Художественная деятельность передвижников.

Товарищество передвижных художественных выставок (Передви́жники) — творческое объединение российских художников, существовавшее в последней трети XIX века. Возникшее как реакция на мертвое безжизненное искусство Академии Художеств (В 1863 году 14 выпускников художников во главе с И. Крамским отказалась писать дипломную картину на предложенную мифологическую тему Пир в Валгалле и потребовали самим выбрать сюжет картины, на что им было категорически отказано, после чего многие художники демонстративно покинули академию. Бунт 14-ти).

Расцвет деятельности передвижников пришелся на 1870—1880-е годы.

Василий Перов группу московских художников, вошедших в состав товарищества передвижных художественных выставок. С 81г. выставки передвижников проходили ежегодно в разных городах. В товарищество входили почти все художники-реалисты: Репин(писал из эжизни русской провинции, картины на исторические и мифологические темы «Иван грозный и его сын Иван»), Петров – в картинах стремился добится сочуствия, жалости, часто действие происходит зимой, изображена мрачная жизнь бедных людей («Тройка»- дети зимой тащут воду). Виктор Васнецов – напомнил художникам, об задаче искусства – украшать, делать мир человека радостным. «Богатыри» отличалась оптимизмом. Поиски истинно русского начала. Алексей Саврасов, Шишнин – передавали пейзажи, волнующие душу человека. «Грачи прилетели».

Многие из работ передвижников были сделаны по заказу Павла Михайловича Третьякова.

Для картин передвижников были характерны обострённый психологизм, социальная и классовая направленность, высокое мастерство типизации, реализм, граничащий с натурализмом, трагический в целом взгляд на действительность. Ведущими стилями в искусстве передвижников были импрессионизм и реализм

Товарищество Передвижных Художественных Выставок распалось в 1923 году, однако за время его существования значение живописи в жизни в русского общества достигло своей кульминации.

37. Творчество В.И.Сурикова.

Васи́лий Ива́нович Су́риков (1848 - 1916) — великий русский живописец, мастер масштабных исторических полотен. Василий Суриков родился 12 (24) января 1848 года в Красноярске, в казачьей семье. начал рисовать в раннем детстве. С 1869 по 1875 год Суриков учился в петербургской Академии художеств у П. П. Чистякова. Работает в Петербурге и в Москве. В Москве окончательно оформились мировоззрение Суриков и его художественные интересы, прежде всего как исторического живописца. В 1881 он стал членом Товарищества передвижных художественных выставок. Картины Сурикова покупал для своей галереи П. М. Третьяков. Широкую известность получили его холсты "Утро стрелецкой казни" была первым большим полотном Сурикова на тему русской истории. Обостренное восприятие художником социальной действительности и происходившей в ней борьбы обусловило глубину, напряженность и силу переживаний героев его исторических народных драм. Взяв сюжетом своей картины казнь стрельцов, Суриков не показал, однако, самой казни. Последние минуты перед неотвратимой казнью, которая сейчас начнется... Первого осужденного уже повели к виселице.
Страшную драму стрельцов художник раскрыл, сосредоточив внимание прежде всего на их душевном состоянии, на том, как каждый из приговоренных переживает свою последнюю предсмертную минуту, показав отчаяние и бессильные слезы тех, кто с ними прощается.

«Боярыня Морозова» ниписана в 1887г. Феодосия Прокопьевна Морозова была страстной староверной монахиней, церкви приняла новую веру. Ни уговоры, ни угрозы, ни мучительные пытки не могли сломить дух Морозовой. Заключенная в «земляную тюрьму» Боровского острога, она умерла голодной смертью в 1672 году. В картине затронут момент когда Морозову везут в тюрьму. Она подняв руку вверх изображает двукрестие. Морозова — источник, возбуждающий в толпе сложную гамму различных переживаний, и тот центр, к которому устремляются взоры, мысли и чувства всех действующих лиц этой сцены. Полотно воспринимается, как живой кусок действительности. Толпа на нем живет и волнуется. Заключенное в картине трагедийное, героическое начало, ее живописная гармония волнуют любое сердце.

38. Творчество И.Е.Репина.

Илья́ Ефи́мович Ре́пин (1844—1930) — русский художник, живописец, мастер портретов, исторических и бытовых сцен.Закончил Академию художеств. Его наставником был Крамской.

Во время путешествия по Волге в 1870 году написал ряд этюдов и эскизов; по некоторым из них написал для великого князя Владимира Александровича картину «Бурлаки на Волге». Эта картина, изображающая тяжкий труд бурлаков, тянущих баржу, произвела сильное впечатление на публику и критиков. Над ней Репин вплотную работал три года, настойчиво отыскивая наиболее выразительную композицию и впечатляющий типаж. Картина построена так, что процессия движется из глубины на зрителя. Перед нами - вереница персонажей, каждый из которых - самостоятельная портретная индивидуальность.

В 1873 года художник отправился в Европу. Он посетил Всемирную выставку в Вене, где экспонировались его «Бурлаки», имевшие громадный успех.

Путешествовал по Италии и обосновался в Париже, где начал работу над картинами «Садко» и «Парижское кафе». Сюжеты этих произведений - фантастическая сказка и жанровая сцена «во французском вкусе» - кажутся совершенно не «репинскими».

В 1876 года Репин вернулся на родину. Он становится членом Товарищества передвижных художественных выставок.

«Крестный ход в Курской губернии» (1880-1883). Тема крестного хода - одна из популярнейших в русской живописи. Однако Репин не имеет соперников в изображении толпы, шествия. В «Крестном ходе» толпа показана как единый массив. Но когда взгляд начинает выхватывать отдельные фигуры, создается впечатление, что Репин буквально каждое лицо увидел в жизни.

Около пяти лет работал Репин над своим «Иваном Грозным». Вдохновением послужил концерт Римского-Корсокого. Для вдохновения он также создал в своей мастерской интерьер дворца.

Картина была выставлена на 13 выставке Товарищества. Картина поражала глубочайшим психологическим реализмом в трактовке образов. картина ушла на выставку в Москву и к Третьякову. Здесь ее ожидал не меньший успех.

Трактовка Грозного Репиным отличалась большой психологической глубиной, потрясающей реалистичностью, подлинным драматизмом. Он значительно шире других художников подошел к своей задаче. Жизненная правда образов выражена им с силой и страстностью шекспировского гения.

39. Творчество В.А.Серова.

СЕРОВ Валентин Александрович (1865-1911), живописец и график, сын композитора А. Н. Серова: брал уроки живописи у И. Е. Репина, в 1880-81 учился в Петербургской Академии художеств, входил в Абрамцевский кружок художников.

Девочка с персиками» была создана не достигшим еще двадцати двух лет Серовым в 1887 году. Как эта, так и другая картина, — “Девушка, освещенная солнцем” (1888), воспевали юность и красоту, чувство радости бытия.

На картине изображена общая любимица гостивших в Абрамцеве художников — Вера Саввишна Мамонтова. Живая, загорелая, с большими темными лучистыми глазами, с шапкой непокорных густых волос, она пристально смотрит на зрителя, вся залитая светом.

Во всем портрете чувствуется продуманная композиционная завершенность, которая отличает все последующие портретные работы Серова. Фигура вписана в окружающую обстановку, как в естественную жизненную среду.

В 1890-е Серов обращается к изображению русских писателей, ученых, артистов, художников.Особая тема – крестьянская. Ощущение красоты и гармоничности крестьянской жизни (не как у передвижников социальная реальность). В н. 90-х Серов был связан с творческим объединением “Мир искусства”. В годы революции (1905-07) Серов создал серию сатирических рисунков. Большое место в творчестве Серова в последние годы жизни занимала историческая живопись, Серов интерес и к античной мифологии, таковы серии эскизов к картинам «Похищение Европы» по которой трудно поверить, что писал один мастер.

40. Творчество М.А.Врубеля

Врубель Михаил Александрович (1856–1910), русский художник, крупнейший представитель символизма и модерна в русском изобразительном искусстве. Родился в Омске 5 (17) марта 1856 года. Учился в Петербургской Академии художеств. уроки акварели брал у И.Е.Репина. Особое влияние на него оказали живопись венецианского Возрождения. манера Врубеля – особого рода кристаллический рисунок, мерцающий тонами «сине-лилового мирового сумрака» – окончательно сформировалась в его киевские годы (1884–1889), причем в русле церковного искусства.

в 1884 он получил приглашение в Киев для реставрации фресок новых композиций в Кирилловской церкви. Помимо фресок, Врубель написал четыре иконы. Он работал над ними в Венеции, куда ездил изучать искусство Раннего Возрождения. Лучшее из этих произведений - икона "Богоматерь" Византийская традиция насыщается здесь острым, трагически-напряженным психологизмом нового времени.

Художник разрабатывал темы добра и зла, писал картины на темы pyc. сказок и опер Н.А. Римского-Корсакова.

В 1889 году Врубель уезжает в Москву, начинается новый и самый плодотворный период его творчества. В эту пору Врубель много работает над портретами и для каждого находит особые живописные приемы.

В картине "Демон сидящий" (1890) юный титан изображен в лучах заката на вершине скалы. Могучее прекрасное тело словно не умещается в раме, заломлены руки, трогательно прекрасно лицо, в глазах нечеловеческая скорбь. "Демон" Врубеля - соединение противоречий: красота, величие, сила и в то же время скованность, беспомощность, тоска; его окружает сказочно-прекрасный, но окаменевший, холодный мир. В колорите картины - контрасты. Холодный лиловый цвет "борется" с теплым оранжево-золотистым. Скалы, цветы, фигура написаны по-особому, по-врубелевски: художник как бы рассекает форму на отдельные грани и создается впечатление, что мир соткан из глыб драгоценностей. Рождается ощущение первозданности.

Даже среди блестящих художников конца XIX - начала XX века Врубель выделяется самобытностью, неповторимостью своего искусства. Оригинальность мысли, новизна формы мешали пониманию творчества Врубеля современниками.

Врубель считал, что призвание художника не изображать действительность, а проникать в мистические миры.

41. Художественное объединение «Мир искусства» (А.Н.Бенуа, Л.С.Бакст, К.А.Сомов, М.В.Добужинский, Н.К.Рерих, А.Я.Головин).

«Мир искусства», русское художественное объединение. Оформилось в конце 1890-х гг. в Петербурге на основе кружка молодых художников и любителей искусства во главе с А. Н. Бенуа и С. П. Дягилевым. В состав объединения входили: Серов, Врубель.

Движение издавало и одноименный журнал, первый номер которого вышел в ноябре 1898 г.,

Основной целью художественного творчества объявлялась красота, причём красота в субъективном понимании каждого мастера. Такое отношение к задачам искусства давало художнику абсолютную свободу в выборе тем, образов и выразительных средств, что для России было достаточно ново и необычно.

В противовес идеям передвижников художники «Мира искусства» провозгласили приоритет эстетического начала в искусстве. Художники и писатели, в своих картинах и на журнальных страницах, открыли российскому обществу тогда мало оцененную красоту средневековой архитектуры и русской древней иконописи, изящество классического Петербурга и окружающих его дворцов. Отличительной особенностью художников «Мира искусства» была многогранность. Они занимались и живописью, и оформлением театральных постановок, и декоративно-прикладным искусством. Однако важнейшее место в их наследии принадлежит графике.

М. устраивали выставки, 1 и единственная была международная. (фр.Ан. Гер. Итал. Норв. Фин.)

Творчеству Бенуа близка романтическая идея противопоставления одинокого страдающего героя и мира, равнодушного к нему и этим убивающего его. Лучшие произведения Бенуа графические; среди них особенно интересны иллюстрации к поэме А. С. Пушкина «Медный всадник» (1903—1922 гг.).

Оформление театральных спектаклей - самая яркая страница в творчестве Льва Самуиловича Бакста.Бакст выполнил эскизы декораций и костюмов к опере, в балете Художник моделировал костюм, ориентируясь на систему движений танцовщика, через линии и цвет он стремился раскрыть рисунок танца и характер музыки

Одной из главных тем для многих мастеров «Мира искусства» стало обращение к прошлому. Любимой эпохой было XVIII столетие, и прежде всего период рококо.

С особенной выразительностью мотивы рококо проявились в работах Константина Андреевича Сомова. Закончив Академию художеств, молодой мастер стал великолепным знатоком старой живописи. Сомов блистательно имитировал её технику в своих картинах. Однако все средства живописи Сомова направлены на то, чтобы показать «галантную сцену» как фантастическое видение, на мгновение вспыхнувшее и сразу же исчезнувшее. Ностальгическое восхищение прошлым Сомову удалось особенно тонко выразить через женские образы. Знаменитая работа «Дама в голубом» (1897—1900 гг.) — портрет современницы мастера художницы Е. М. Мартыновой.

Мстислав Валерианович Добужинский (1875—1957) сосредоточил своё внимание главным образом на городском пейзаже. Его Петербург в отличие от Петербурга Бенуа лишён романтического ореола. Художник выбирает самые непривлекательные, «серые» виды, показывая город как огромный механизм, убивающий душу человек.

Как цельное литературно-художественное объединение «Мир искусства» просуществовал недолго. Разногласия между художниками(особенно московской и Петербургской школами) и литераторами привели в 1904 г. к тому, что журнал закрыли.

В 1904—10 большинство мастеров «М. и.» входило в состав Союза русских художников.

42. Модерн и «Русский стиль» в архитектуре ХIХ—ХХ вв.

В середине 19в. еще в 1830-е годы зародился «русско-византийский стиль» в архитектуре церквей, где характерно заимствование приёмов и мотивов византийской архитектуры (Храм Христа Спасителя. Ар. Тон). В начале 1870-х годов заметен повышенный интерес к народной культуре, крестьянскому зодчеству и русской архитектуре 17-18вв. Это направление распространилось вначале в архитектуре деревянных выставочных павильонов и небольших городских домов, а затем в монументальном каменном зодчестве. Новое официальное направление псевдорусского стиля, почти буквально копировавшее декоративные мотивы русской архитектуры XVII в. В рамках данного направления здания, построенные, как правило, из кирпича или белого камня, стали обильно декорироваться в традициях русского народного зодчества. Для этой архитектуры характерны «пузатые» колонны, низкие сводчатые потолки, узкие окна-бойницы, теремообразные крыши, фрески с растительными орнаментами.(Здание Гумма, здание исторического музея архитектор В. О. Шервуда, инженер А. А. Семёнова)

В конце 19в. русская архитектура в использовании исторических стилей прошлого зашла в тупик и обратилась к опыту европейского ар-нуво, в России он получает название «Модерн». В модерне можно проследить две стадии развития. 1 – декоративная, с особым увлечением орнамента, 2 – более конструктивная.

Ярким примером модерна было творчество Федора Шехтеля. Ему свойственна асимметричность постройки, разный характер фасада, использование балконов, крылец, применение витражей в окнах, стилизованного изображения лилий и ирисов, разной фактуры материалов, мозайчный фриз. Во всем господствуют криволинейные очертания. Он был автором многих зданий в Москве: Ярославского вокзала (Крутые высокие крыши и башня, гипертрофированные машикули и многоцветная облицовка асимметричного здания придают ему черты уникальности), гостиницы «Боярский дом».Лучшим произведением Шехтеля считается Особняк Рябушкинского. Асимметричное здание, разнообразие декоративных мотивов отличало внешнее и внутреннее убранство особняки.

В этот период строятся вокзалы, гостиницы банки.

Московский архитектор Р. И. Клейн (1858—1924 гг.) продемонстрировал свое понимание модерна на выстроенном им в 1906—1908 гг. в центре Москвы (на Петровке) крупном здании универсального магазина «Мюр и Мерилиз» (ныне ЦУМ)

Значительное воздействие на петербургский модерн имела близость столицы к Скандинавским странам. Общность климатических и ландшафтных условий строительства в городах Финляндии, Швеции и в Петербурге обусловливала некоторое сходство и специфичность художественных черт модерна, получившего название северного, своеобразие которого проявлялось, в частности, в отделке фасадов природным камнем (гранит, мрамор). В интерьерах, помимо каменной отделки, использовалось много древесины и металла.

Черты модерна ярко воплотились в архитектуре многих доходных домов и комплексов Петербурга. Белогруд. Доходный дом.

Несмотря на новаторскую сущность модерна, многие петербургские архитекторы обращались к традиционным ордерным элементам в декоративных целях, сильно их изменяя и подчиняя общему художественному замыслу. Таким примером является гостиница «Астория» (1910—1912 гг., арх. Ф. И. Лидваль) с ритмом стилизованных пилястр на фасадах.

Русский модерн вскоре стал разделяться на различные ветви, из которых стилизаторская свидетельствовала о стремлении зодчих опираться в своем творчестве на классическое наследие.

43. Искусство русского авангарда (М.Ф.Ларионов, Н.С.Гончарова, В.В.Кандинский, К.С.Малевич, М.З.Шагал).

«Русский авангард» - новаторские течения, складывающимися в русском искусстве в предвоенные – 1907–1914. Различные течения художественного авангарда объединяет разрыв с академическими традициями и с новым искусством стиля модерн – господствующим в это время повсеместно и во всех видах искусства от архитектуры и живописи до театра и дизайна. На разных этапах эти новаторские явления в русском искусстве обозначались терминами «модернизм», «новое искусство», «футуризм», «кубофутуризм», «левое искусство» и др.

русский авангард начинается с завершением стиля модерн и заканчивается с утверждением социалистического реализма.

В 1910-14гг. в русском искусстве возникает несколько направлений беспредметного творчества. Художники-авангардисты рассматривали беспредметность, как логическое продолжение форм прежнего искусства. Они отказались от прежних правил и форм в искусстве.

Одним из 1 авангардных течений был супрематизм, главным представителем был Малевич. Они полностью игнорировали реальность. Развитие супрематизма привело к усилению роли геометрических плоскостей.

Уже в ранних произведениях Шагала появляется характерный приём его зрелого творчества — предметы сдвигаются с привычных мест, и на полотне создаётся совершенно особая загадочная атмосфера. Шагал впервые попал в Париж, где оставался вплоть до 1914 г. оказался в центре европейского авангарда. Здесь сложилась своеобразная манера письма, построенная на выразительных преувеличениях, приёмах французского кубизма и народного лубка

44. Конструктивизм в архитектуре и изобразительном искусстве 1920-х.

К. возник после октябрьской революции, в качестве одного из направлений нового, авангардного искусства,

В 1924 году была создана официальная творческая организация конструктивистов — ОСА, представители которой разработали так называемый функциональный метод проектирования. Характерные памятники конструктивизма — фабрики-кухни, Дворцы труда, рабочие клубы, дома-коммуны указанного времени. Важной вехой в развитии конструктивизма стала деятельность талантливых архитекторов — братьев Леонида, Виктора и Александра Весниных. В проекте Дворца труда для Москвы (1923) с его чётким, рациональным планом и выявленной во внешнем облике конструктивной основой здания (железо-бетонный каркас).

Конструктивизм сыграл заметную роль в развитии плакатной графики и конструирования книги (использование выразительных возможностей шрифта и других наборных элементов в работах Гана, Л. М. Лисицкого и др.). В оформлении театральных спектаклей конструктивисты заменили традиционную живописную декорацию трансформируемыми установками-"станками", изменяющими сценическое пространство. Характерные проявления конструктивизма в живописи, графике и скульптуре - абстрактный геометризм, использование коллажа, фотомонтажа, пространственных конструкций, иногда динамических. Идеи конструктивизма вызревали в предшествующих направлениях русского авангарда.

45. Архитектура неоклассицизма («сталинский ампир») и живопись «социалистического реализма» 30-50 гг. (В.И.Мухина, А.А.Дейнека, С.В.Герасимов, А.А.Пластов, Ю.И.Пименов).

Сталинский ампир, сталинский монументальный классицизм — лидирующее направление в советской архитектуре с конца 1930-х годов по середину 1950-х, сменившее рационализм и конструктивизм и получившее распространение в годы правления И. В. Сталина, особенно — в послевоенное время. Для этого стиля характерны помпезность, ориентированность на вечность, некоторая театральность и воодушевляющая наигранность.

Отличительные черты стиля: ансамблевая застройка улиц и площадей; стилизация под палладианство, русский классицизм и ампир; систематическое использование архитектурных ордеров; барельефы с советской символикой и изображениями трудящихся; использование мрамора и бронзы в оформлении интерьеров общественных зданий и сооружений. В 1934г. создана Академия архитектуры СССР. Академия предоставляла образцы, которым должны были следовать архитекторы во всех городах страны. Декор строений мог варьироваться на местах — но общая стилистика строительства выдерживалась в едином ключе.

Примером архитектуры является сталинские высотки – 7 зданий построенных к1940–50х годов.

здание МГУ на Воробьёвых горах(Высота шпиля установленного на здании 50 метров, а вес звезды на шпиле – 12 тонн. На здании установлены часы диаметром девять метров, длина минутной стрелки 4.1 метра, вес 39 килограммов. Материал для часов – нержавеющая сталь), Жилой дом на Котельнической набережной, Гостиница «Украина», Здание Министерства иностранных дел, дом на Кудринской площади, : Высотное здание на площади Красных Ворот, Гостиница «Ленинградская»

Социалисти́ческий реали́зм, соцреали́зм — одно из важнейших художественных направлений в искусстве XX века; Социалистический реализм в СССР был официально одобренным (с 1932 года) партийными органами художественным методом в литературе и искусстве. Он возник в связи с необходимостью направить авангард на художественное развитие советской культуры. Художник должен изображать жизнь в свете идеалов социализма. Принципы: Народность. Герои произведений должны быть выходцами из народа. Партийность, В изображении действительности показать процесс исторического развития.

Появилось 2 художественных направления: 1 группа «Ассоциация художников революции». изображали сегодняшний день: быт Красной Армии, быт рабочих, крестьянства, деятелей революции и труда. Они считали себя наследниками «передвижников».

2 - ОСТ (Общество станковистов) — объединилась молодёжь, окончившая первый советский художественный вуз. Девиз ОСТа — развитие в станковой живописи тематики, отражающей приметы XX столетия: индустриальный город, промышленное производство, «остовцы» видели свой эстетический идеал в новейших европейских течениях. Для картин Оста характерны нередкая примитивизация, динамика композиции, графическая чёткость рисунка.

Лидер Оста – Дайнека

Мухина – автор скульптурной группы «Рабочий и колхозница. »Была создана для советского павильона на Всемирной выставке в Париже в 1937 году.