Искусство Западного средневековья.

В 476г. бы смещен последний император. Около 500г. большая часть Западной Римской империи оказалась в руках варваров.

Рим, перестав быть столицей Империи, остался духовным центром христианского мира.

Скачало было развито деревянное зодчество. С принятием христианства в церковной архитектуре утверждается тип базилики, а вместе с тем и каменное строительство.

Орнаментально-декоративные формы отличались чрезвычайным богатством. Была развита техника художественной обработки металлов: украшения оружия, декоративная утварь.

Ирландия приняла христианство в 5в. Появились специальные мастерские — «скриптории», где писались и украшались книги. Вначале украшалась только заглавные буквы, затем появились целые орнаментальные страницы.

Конец 8в. – подъем искусства, связанный с правлением династии Каролингов. В конце VIII под покровительством Карла Великого в Аахене была организована книгописная мастерская, позже подобные мастерские возникли в других городах его империи.

Храмы становятся более значительных размеров и сложных форм. Внутренний декор составляет мозаика и фреска. Постепенно усиливается оборонительный характер храмов, появляются башни.

10. Романский стиль в архитектуре западноевропейского средневековья.

В западноевропейском искусстве XI—XII веков развивается романский стиль.

Термин «романский стиль» появился в начале XIX века, когда была установлена связь архитектуры XI—XII веков с древнеримской архитектурой (в частности, использование полуциркульных арок, сводов). В целом, термин условен и отражает лишь одну, не главную, сторону искусства. Однако, он вошёл во всеобщее употребление.

Государства крепли по мере усиления королевской власти, опиравшейся на систему феодальных отношений. Повседневная жизнь людей Средневековья определялась их христианской верой Многие тысячи мужчин принимали обеты и уходили в монастырь. Распространение монашества способствовало и распространению паломничества. Паломники странствовали по святым местам, где хранились реликвии.

Основными постройками на этот период становится храм-крепость и замок-крепость. Монастыри стали представлять собой замкнутые сообщества. Центром которых была церковь, рядом с ней помещался внутренний дворик, окруженный открытыми колоннадами. Вокруг располагались дом настоятеля монастыря, жилые помещения.

В основе плана храма осталась раннехристианская базилика, но из за множества паломников необходимо было увеличить пространство перед главным престолом - хор, оно предназначалось для привилегированных лиц. Увеличилась высота храма, в центральном нефе были применены крестовые своды (это был 1 шаг к готике). В этом случае давление свода распространялось не на всю стену, а сосредотачивалось на 4 угловых точках. Камни отесывались различными мастерами - одна из причин того, что в средневековом искусстве редко встречаются две совершенно одинаковые детали. Главным элементом композиции монастыря или замка была башня – донжон.

Памятники романского искусства рассредоточены по всей Западной Европе. Больше всего их во Франции.

Архитектура Франции связана с аббатством Клюни. Клюнийские архитекторы ввели стрельчатую арку, и начали использовать контрфорсы - опоры для наружных стен. Между дугой арки и дверью оставалось полукруглое пространство – тимпан, на котором размещалась скульптурная композиция с религиозными сюжетами.

Нормандская школа отличалась простотой конструктивных форм, храмы лишены внешнего декора. Общий облик напоминает крепость а не церкви. (пример –собор в Дареме). Из живописи нормандских мастеров ярким примером является «Ковер из Байе». Вышитый ковер 50см*70м. со сценами завоевания Нормандцами Англии.

Искусство Германии. Башни составляют неотъемлемую часть храма. Они располагались с западной и восточной частях храма. Для всех церквей характерна устремленность вверх. Толстые стены украшались аркатурным поясом - ряд декоративных ложных арок на фасаде здания.

Искусство Италии. Соборы отличаются приземистостью, колокольни находятся около церкви. Снаружи храмы украшаются аркадами (небольшие арки опираются на ряды колонн) и рядами арок виде карниза.

Примером итальянского зодчества является Пизанский комплекс, который включает Пизанский собор, баптистерий, «падающую» башню. Башня получила большую популярность, потому что она сильно наклонена. Постройки украшены поясами белокаменных арочных галерей.

В изображении человеческой фигуры пропорции нарушались, их разномасштабность зависела от иерархической значимости.(бог изображался крупнее). Скульптура украшала в основном порталы и колонны. Кроме религиозных мотивов использовались растительные и геометрические узоры и изображение чудовищ-животных.

11. Стиль готики в архитектуре средневековья и нового времени.

Слово происходит от итал. gotico — непривычный, варварский и сначала использовалось в качестве бранного. Термин готика был введен в эпоху Возрождения, гуманистами (мировоззрение, в центре которого находится идея человека как высшей ценности;), желавшими подчеркнуть «варварский» характер средневекового искусства. В действительности же готический стиль не имел ничего общего с готами (–нем.пленена) и представлял собой закономерное развитие и видоизменение принципов романского искусства.

Готическое искусство было культовым по назначению и религиозным по тематике. Оно обращалось к высшим божественным силам, вечности, христианскому мировоззрению.

Главными заказчиками искусства теперь становиться не церковь, а города, (купцы короли). Основным типом сооружения теперь является не монастырская церковь, а городской собор.

Для готики характерны арки с заострённым верхом, узкие и высокие башни и колонны, богато украшенный фасад с резными деталями (вимперги, тимпаны, архивольты) и многоцветные витражные стрельчатые окна. Все элементы стиля готики подчёркивают вертикаль. Почти вся архитектура готических соборов обусловлена одним главным изобретением того времени — новой каркасной конструкцией, что и делает эти соборы легко узнаваемыми.

Зародилась готика на севере Франции.

Нововведением в архитектуре стали крестовый свод на нервюрах (выступающее ребро). Это говорило о техническом прогрессе, так как подобная каркасная конструкция была более простой и не требовала при возведении подпор, а следовательно позволяла экономить на средствах и строительстве и вертикальные опоры сводов теперь выносились наружу (контрофорсы), элементы соединяющие стену и дополнительную опору – аркбутаны.

Устремленность ввысь подчеркивалась не только высотой Храма, но и высокими стрельчатыми арками, высокими окнами, удлиненными статуями и колонными, капители их одинаковы, что отличает их от романских.

В отличие от романских церквей готический собор был необозрим.

Нельзя сразу понять какую форму имеет сооружение.

Витражи становятся неотъемлемым элементом архитектуры. они имеют свою духовную символику. Солнечный свет, проникавший в храм, воспринимался верующими, как божественный свет, преобразующий мир.

Витражи состояли из больших кусков цветного стекла. Сначала контур витража размечался на деревянной доске, потом по ее размеру нарезалось стекло, оправлялось в свинцовый обод, все фиксировалось с помощью обжига и потом все куски соединялись вместе в железной раме.

Ранние витражи соборов отличались яркими, интенсивными цветами, чаще красным и синим. К середине 13в. цвета становятся менее интенсивными.

Скульптура играла огромную роль в создании образа готического собора. Она украшала наружные стены и применялась в интерьере. Фигуры имеют S-образную форму (готическая кривая). Скульптура стала более самостоятельна, она немного отступает от плоскости стены, приобретает реалистичные манеры, подчеркивается индивидуальность каждого образа. Вырабатывается определенный канон: каждый сюжет имеет свое место в соборе.

в Англии готика возникла в кон.12в.

Английские соборы имеют свои характерные особенности: постройки были сравнительно низки (неф-25м, во фр. – 43м), стены оставались толстыми, соборы возводили не в городе, а на лугах. Фасады были обильно украшены декором. Главный готический собор в Англии – Кентерберийский собор. (85км. от Лондона).

Скульптура Англии имеет чисто декоративный характер и совершенно подчинена архитектуре. Статуй ставили тесно, одна к другой тем самым заполняя фасад.

Немецкая готическая архитектура сложилась позднее – к.13-н16вв. Немецкие соборы проще в плане, здание сильнее вытянуто по вертикале, шпили башен очень высоки.. Особенностью немецкой готике являются однобашенные храмы, увенчанные высоким шпилем.(пример- собор во Фрейбурге–город германии). На севере Германии вместо камня строительным материалом служил кирпич. Скульптура присутствует больше в интерьере, чем снаружи. Образы более драматичны и индивидуальны. Наружный декор намного сдержаннее. «Розу» здесь заменило стрельчатое окно.

В Италию готика пришла намного позже, только к XV в. и не получила такого же сильного развития как во Франции и Германии. Скорее искусство Италии можно назвать подготовительным периодом перед ренессансом.

Получили воплощение лишь некоторые детали готики: стрельчатые арки, «розы». Основа остается романской: широкие и не высокие храмы, гладкие стены, инкрустированные цветным мрамором.

Примером итальянской готики можно считать Миланский собор Дуомо. Это огромный собор, который вмещал 40 000человек, и считался самым большим в Европе 15в. Его строили не только итальянцы, но и немецкие, французские мастера. Строительство началось в 1386г.

Материалом был белый мрамор. Весь собор покрыт скульптурной резьбой. Крыша собора, как будто растворяется в серии остроконечных башенок.

12. Общая характеристика итальянского искусства эпохи Возрождения.

Ренессанс (Возрождение) -эпоха культурного и художественного расцвета, который начался в Италии (Флоренции) в 14 веке, достигнув, пика в 16 веке и оказав значительное влияние на европейскую культуру.

Отличительная черта эпохи Возрождения — светский характер культуры и её антропоцентризм (то есть интерес, в первую очередь, к человеку и его деятельности). Появляется интерес к античной культуре, происходит как бы её «возрождение» — так и появился термин. С рождением Гуманизма (общественно-философского движения, рассматривавшего человека, его личность, его свободу, как высшую ценность) возросла роль творческой личности. В городах стали возникать светские центры науки и искусства, деятельность которых находилась вне контроля церкви.

Эпоху Возрождения принято делить на периоды:

Проторенессанс - 13-14в (дученто (1200-е), треченто (1300-е).)

Ранее возрождение( кварточенто) - 15в

Высокое возрождение (чиквиченто) – к15-16в

Позднее возрождение ( маньеризм) к16-н.17в

На вторую половину 13 в. приходится начало переходной эпохи в развитии итальянского искусства – Проторенессанса (длилась до начала 15 в.), подготовившей Ренессанс. Впервые отчетливо разрыв со средневековыми традициями проявился в конце 13 – первой трети 14 в. во фресках Джотто ди Бондоне, который ввел в живопись чувство трехмерного пространства, писал фигуры более объемными, больше внимание уделял обстановке и, главное, проявил особенный, чуждый экзальтированной готике, реализм в изображении человеческих переживаний.

На почве, возделанной мастерами Проторенессанса, возникло Итальянское Возрождение, прошедшее в своей эволюции через несколько фаз (Раннее, Высокое, Позднее). Связанное с новым, по сути, светским мировоззрением, выраженным гуманистами, оно утрачивает неразрывную связь с религией, живопись и статуя распространяются за пределы храма. Интерес к личности, ее индивидуальным чертам сочетался с идеализацией человека, поиском «совершенной красоты». Сюжеты священной истории не ушли из искусства, но отныне их изображение было неразрывно связано с задачей освоения мира и воплощения земного идеала. Ренессансная архитектура утрачивает готическую устремленность к небу, обретает «классическое» равновесие и пропорциональность, соразмерность человеческому телу. Возрождается античная ордерная система, но элементы ордера были не частями конструкции, а декором, украшавшим и традиционные.

К раннему возрождению относятся имена мастеров: Донателло (первым из мастеров Возрождения сумел разрешить проблему устойчивой постановки фигуры, передал цельность тела, его тяжесть, массу. Возродил изображение наготы, отлил 1 бронзовый памятник (конная статуя Гаттамелатты). В своих произведениях Донателло стремился не только к правильному построению фигуры, но и всегда учитывал впечатление, которое будет производить его статуя. (Давид),Филиппо Брунеллески (1377-1446) (выдающийся архитектор. Он разрешил проблему купольного перекрытия собора Санта Мария дель Фьоре. Брунеллески возродил основные элементы античной архитектуры: ордерную систему и римскую полукруглую арку, которые, однако, получили совершенно иные пропорции (Воспитательный дом во Флоренции)). Мазаччо. (1401-1428) (флорентийский художник. Сцены его полны драматизма(«изгнание из Рая»), использовал линейную перспективу («Троица»), положил начало реалистическому направлению в живописи).Сандро Боттичелли (1445-1510). (Основные черты его письма – декоративность, нарядность, лиричность образов («Весна», «Рождение Венеры»). Сюжеты его сложны и не понятны широким массам. Созданы для узкого круга людей.)

В высоком Возрождении Работали великие мастера Леонардо да Винчи (1452-1519), Микеланджело, Рафаэль Санти (1483—1520) Созданные ими образы воплощали человеческое достоинство, силу, мудрость, красоту. В живописи была достигнута небывалая пластичность и пространственность. Архитектура достигла своей вершины в творчестве Д.Браманте, Рафаэля, Микеланджело.

в 1520-е Классический идеал Высокого Возрождения, связанный с гуманизмом, утратил свое значение, итальянский гуманизм стал более трезв, даже трагичен. Творчество Микеланджело, Тициана обретает драматическую напряженность, трагизм, иногда доходящий до отчаянья, сложность формального выражения. Реакцией на кризис Высокого Возрождения было возникновение нового художественного течения – маньеризма. Для маньеризма характерны:

- удлиненность или даже деформация фигур;

- перегруженность композиции;

- яркая цветовая гамма.

Мастерами маньеризма можно назвать: Понтормо, Бронзино, Челлини, Пармиджанино – скульпторы, (В скульптуре маньеризм проявляется в тяготении к неустойчивой и динамичной композиции, подчеркнутой декором. Удлиненные пропорции фигур, маленькие головы, сложность движений типичны для искусства этой поры) художники - Художники маньеризма – Якопо Понтормо (1494-1556), Россо Фьорентино (1494-1540), Пирмаджанино (1503-1540), Джордже Вазари (1511-1574), Паоло Веронезе.

13. Живопись эпохи Возрождения. Творчество мастеров Высокого возрождения.

Первым художником Высокого Возрождения был Леонардо да Винчи (1452-1519).

Он был не только Великим живописец, скульптором и архитектором, но и великим математиком, механиком и инженером-изобретателем. Самой ранней работой Леонардо считается фигура ангела, дописанная им в картине его учителя «Крещение Христа».( Свобода расположения, естественность позы, плавность линий, нюансы светотени, отличают этого ангела от несколько жестких по рисунку и дробных по форме фигур Вероккио.) В картинах Леонардо подробно разработаны как центральная часть, так и второй план. Особое внимание уделял построению перспективы и фигуры человека. Миланский период — самый плодотворный в творчестве Леонардо да Винчи. Вскоре по приезде он начал работать над большим скульптурным произведением — статуей отца Лодовико Моро Франческо Сфорца. К сожалению она так и не была отлита в бронзе(из-за денежных затруднений герцога), большая же глиняная модель, установленная на одной из площадей города, погибла при взятии Милана французами в 1499 году.

Самые прославленные произведения Леонардо – фреска для трапезной монастыря недалеко от Милана «Тайная Вечеря» и флорентийский портрет «Мона лиза».

«Тайная Вечеря» – за ужином Христос объявляет апостолам, что один из них предаст его. Во фреске показана индивидуальность каждого образа. Христос в центре композиции, фигуры апостолов разбиты на 4 группы по 3 человека. Все лица освещены, за исключением Иуды.

«Мона Лиза Джаконда» является новым словом в портретном искусстве. В этой картине применяет разработанную им технику «сфумато» - смягчение очертаний фигуры, которое позволяет передать воздух. Также был теоретиком реалистического искусства, написал «Книгу о живописи».

Для Леонардо искусство и наука были неразделимы. Занимаясь искусством он делал научные опыты, наблюдения. Он изучал полет, планирование птиц, строение их крыльев, и создал т.н. орнитоптер, летательный аппарат с машущими крыльями, так и неосуществленный. Создал пирамидальный парашют, модель спирального пропеллера. Он был знатоком в области анатомии: первым описал клапан правого желудочка сердца, демонстрировал анатомирование и др. Он создал систему рисунков, которые и сейчас помогают студентам понять строение человеческого тела: показывал объект в четырех видах, чтобы осмотреть его со всех сторон, создал систему изображения органов и тел в поперечном разрезе. В Милане Леонардо начинает писать Трактат о живописи, работа над которым продолжалась всю жизнь, но так и не была закончена. В этом многотомном справочнике Леонардо писал о том, как воссоздать на полотне окружающий мир, о линейной и воздушной перспективе, пропорциях, анатомии, геометрии, механике, оптике, о взаимодействии цветов, рефлексах.

Жизнь и творчество Леонардо да Винчи оставило колоссальный след не только в искусстве, но и в науке и технике. Живописец, скульптор, архитектор – он был естествоиспытателем, механиком, инженером, математиком, сделал много открытий для последующих поколений.

Рафаэль Санти (1483—1520). Рафаэль создал в своих произведениях образ совершенного человека, поместив его в окружение величественной архитектуры и пейзажа. Произведения Рафаэля отличаются мягкостью и округлостью форм, гармонией колорита и уравновешенностью композиции. В 1508г. приглашен Юлием II в Рим, где расписывает парадные залы (станц) Ватикана. Одно из самых замечательных творений Рафаэля – 4 фрески-аллегории. деятельности человека: богословие ("Диспут"), философию ("Афинская школа"), поэзию ("Парнас"), юриспруденцию ("Мудрость, Мера и Сила") (1509-1511 гг.).

Пишет множество картин с Мадонной. Все образы полны материнской любви. Завершением искания образа является «Сикстинская Мадонна» - Кажется, что занавес только что раздвинулся, иперез зрителем появилась Мадонна с млоденцем.

Из произведений Микеланджело Рафаэль воспринял новую скульптурную трактовку форм человеческого тела, а из работ Леонардо – монументальность композиции и интерес к техническим экспериментам.

Рафаэль получил также всеобщее признание как архитектор, заняв в 1514 г. после смерти Браманте пост архитектора собора Св.Петра. Несмотря на раннюю смерть, в возрасте 37 лет, Рафаэль оказал огромное влияние на творчество художников, как своего времени, так и последующих веков.

Микеланджело Буонарроти (1475–1564) Один из величайших мастеров. Определяющее значение для творческого развития Микеланджело имело его знакомство с работами Джотто, Донателло, Мазаччо, Якопо делла Кверча, изучение памятников античной пластики.

Главным живописным произведением Микеланджело стала роспись Сикстинской капеллы, которую ему поручил оформить Папа Юлий 2.

Роспись потолка Сикстинской капеллы представляет собой сложную структуру, состоящую из нарисованных элементов архитектурной декорации, отдельных фигур и сцен. В девяти полях центральной части плафона он изобразил ветхозаветные сюжеты – Сотворение святил, “Отделение света от тьмы”, “Сотворение Адама”, “Сотворение Евы”, “Грехопадение”, «История Каина и Авеля», «Потоп», “Опьянение Ноя” и др., По сторонам, на склонах свода он поместил на тронах двенадцать огромных фигур пророков и сивилл (пророчицы в античн.культуре). Углы плафона заняты изображением четырех драматических библейских легенд — «Битвы Давида с Голиафом», «Истории Юдифи», «Падения Амана» и «Медного Змия», а люнеты над окнами — сюжетами из обыденной жизни, как, например, мать, играющая с детьми, читающий юноша, погруженный в мрачное раздумье старик. Кроме того, по углам пяти малых полей центральной части плафона Микеланджело поместил сидящих нагих юношей, поддерживающих щиты.

В целом эта огромная роспись (48 м длины и 13 м ширины), заключающая 343 фигуры, представляет собой как бы гимн совершенному человеку, его силе, красоте, мужеству.

Сюжеты трактованы не по традициям, а приобретают новые образы. Например «сотворение Адама» М. выбрал драматический момент, когда Господь вливает жизнь в тело Адама.

Образы наполнены героизмом, и женские и мужские фигуры исполнены мужественной силы.

М. сумел усилить скульптурное восприятие натуры при помощи цвета и учел большую высоту потолка (18 м), который в 16 в. не мог быть освещен столь же ярко, как это возможно сейчас.

Также M. Пренадлежит роспись алтарной стены Сикстинской капеллы.

Он написал ее по поручению папы Павла III между 1535—1541 годами. По сравнению с плафоном «Страшный суд» оставляет впечатление беспокойства и смятения. Здесь преобладают контрасты темных и светлых пятен.

Огромное пространство стены занимает сложная многофигурная композиция грешников и праведников. Центром композиции – Христос. Все полны страха, отчаяния, правая рука поднята в жесте проклятия тем, кто находится слева от него.

Произведение наполнено мощным движением: скелеты встают из земли, спасенная душа поднимается вверх по гирлянде из роз, мужчина, которого дьявол тащит вниз, в ужасе закрывает лицо руками. свидетельствует о его мрачном настроении и представляет его горькую «подпись».

У левой ноги Христа находится фигура св. Варфоломея, держащего в руках собственную кожу (он принял мученическую смерть, с него живьем содрали кожу).

В последних работах сказалось мрачное настроение, овладевшее художником в последние годы его жизни.

14. Архитектура и скульптура эпохи Возрождения.

Зарождение и закрепление принципов, идей и форм Ренессанса в архитектуре связано с творчеством флорентийского зодчего Филиппо Брунеллески (1377—1446). Он пробовал свои силы в разных областях художественного творчества. В юности он прошел основательную школу в качестве ученика в ювелирном цехе, пробовал себя как скульптор и архитектор.

Брунеллески получил первую премию и осуществил купол Санта Мария дель фьоре в натуре. Путем применения новых конструкций (купол был сконструирован двухоболочным и увенчан световым фонарем) Брунеллески разрешил проблему купольного перекрытия большого пролета (диаметр=42м) которая приобрела большое значение для эпохи Возрождения и всего последующего развития европейской архитектуры. . Восемь ребер купола должны принять на себя основную нагрузку. Между ними Брунеллески расположил 16 вспомогательных ребер, сходящихся наверху. Главные ребра должны поддерживать не одну, а две оболочки купола. На уровне перегиба ребра связаны «цепями» из массивных деревянных брусьев, соединенных железными скрепами. Позднее был добавлен световой беломраморный фонарь, который и сделал этот собор самым высоким в городе. Вся эта громоздкая конструкция купола метров завершалась крошечной беломраморной ротондой фонаря со шпилем и медным шаром

Он возродил основные элементы античной архитектуры: ордерную систему и римскую полукруглую арку, которые, однако, получили совершенно иные пропорции и поэтому приобрели новое художественное звучание.

Примером служит Воспитательный дом во Флоренции – благотворительное учреждение для детей-сирот. Аркада Воспитательного дома производит впечатление невесомости, спокойствия и гармонии. Она украшена медальонами с белыми рельефами младенцев. На голубом фоне.

Один из самых замечательных итальянских скульпторов раннего возрождения был Донателло (1386-1446) Созданные Донателло образы являются первым воплощением гуманистического идеала. В ранней работе Донателло — исполненной для собора мраморной статуе Давида проявляется интерес к созданию героизированного образа. Отказавшись от традиционного изображения Давида-царя. Донателло представил Давида юношей в момент торжества над поверженным Голиафом.

Бронзовая статуя Гаттамелатты — первый конный памятник в искусстве Возрождения. Здесь перед нами мужественный, властный, уверенный в себе человек. И вместе с тем это портрет, выполненный с несомненным сходством.

Последние работы становится драматичнее, все чаще его привлекают темы страдания и смерти. Примером является «Мария Магдалина» в которой святая представлена в виде высохшей, изможденной постом и покаянием женщины, одетой в звериные шкуры, появляются не свойственные ранее.

с 1500 по 1580 год., во время Высокое Возрождение центр тяжести итальянского искусства из Флоренции перемещается в Рим, благодаря вступлению на папский престол Юлия II. Но был он не только хорошим войном, но и ценителем искусства. Папа считал необходимым поднять свой авторитет путем интенсивного строительства. И одним из ведущих архитекторов на этот период был Донато д'Анджело Браманте (1444—1514) Браманте изучал памятники классической римской архитектуры. От Рима он воспринял чувство монументальности, ставшее отличительным моментом его творчества. Первая работа его в Риме - Темпьетто - отдельно стоящая часовня-ротонда (во дворе монастыря Сан-Пьетро ин Монторио; 1502) Несмотря на миниатюрные размеры, точный подбор пропорций делает Темпьетто грациозным и величественным. Фриз храма повторяет дорический ордер.

самый большой интерес в архитектуре Высокого возрождение вызывает Собор св.Петра.

Почти все крупные архитекторы Италии по очереди участвовали в проектировании и строительстве собора св. Петра. В 1505г. проект возглавил Донате Броманте. До конца жизни Браманте проектировал и строил грандиозный собор. Он полностью отошел от принципа базиликального плана и задумал построить центрально-купольное сооружение.

План собора Браманте представлял собой сочетание квадрата с греческим равноконечным крестом. Центром здания является большой купол, над средокрестием, далее 4 малыми куполами и башнями по углам. Браманте не довел сооружение до конца, им были лишь начаты наружные стены собора.

После его смерти строительство возглавил его помощник Рафаэль. Однако Рафаэль не пошел по пути замысла Браманте. Он склонялся к католической форме плана – латинскому кресту (эта форма была привычной для духовенства).

Но строительству помешали военные действия. В 1546 г. руководство работами было поручено Микеланджело (ему было 72г.). Работа над этим проектом стала венцом его зодчества. Он вернулся к центрально-купольной системе. Микеланджело уважал Браманте и считал, что отойти от проекта Браманте, значило отойти от ренессанса. Под руководством Микеланджало был возведен окруженный колоннадой барабан и начато строительство купола Купол представлял собой полусферу, однако он был завершен лишь в 1588г. Джакомо дела Порта, который придал куполу более вытянутую форму (сохр. До наших дней). 4 колокольни по углам собора, спроектированные Браманте, были заменены М. малыми куполами, для того чтобы подчеркнуть масштаб главного купола.

Талант М. был безграничен. Он был скульптором, архитектором живописцем. Сам же он отдавал предпочтение скульптуре. В Риме М. создает одну из самых знаменитых скульптур, которая принесла ему славу - скульптурную композицию «Пьета́» (1498—1499), одно из первых воплощений фигуры мёртвого человека в пластике. М. с поразительной правдивостью изобразил безжизненное тело Христа. Обе фигуры тесно слиты друг с другом, образуя устойчивую пирамиду. Обнаженное тело Христа контрастирует с пышными, богатыми светотенью одеждами Богоматери. Микеланджело изобразил Богоматерь молодой, словно это сестра и брат.

Микеланджело создал свое первое крупное произведение во Флоренции, мраморную статую Давида. Микеланджело изобразил Давида не торжествующим победу, но с грозно нахмуренным лицом, в момент, когда он готовится к схватке. Правая часть фигуры напряжена, в то время как левая слегка расслаблена, как у атлета, готового к действию.

Так же работами Микеланджело были надгробие Лоренсо Медичи (Эффект этих скульптур построен на контрастах. Лоренцо задумчив и созерцателен. Фигуры находящихся под ним персонификаций Вечера и Утра настолько расслабленны, что, кажется, могут соскользнуть с саркофагов, на которых лежат. Фигура Джулиано, напротив, напряжена; он держит в руке жезл полководца. Расположенные под ним Ночь и День – мощные мускулистые фигуры, скорчившиеся в мучительном напряжении. Правдоподобно предположение, что Лоренцо воплощает созерцательное начало, а Джулиано – действенное.)

15. Барокко в архитектуре и скульптуре Западной Европы XVII—XVIII вв.

В эпоху барокко на смену ренессансному чувству меры и ясности приходит искусство, построенное на контрастах, асимметрии, искусство, тяготеющее к грандиозности, перегруженности декоративными элементами.

Для архитектуры барокко характерны пространственный размах. Часто встречаются масштабные колоннады, изобилие скульптуры на фасадах и в интерьерах.

Зародилось барокко в Италии. Центром развития нового искусства стал Рим. Новый стиль в архитектуре Италии приходит в 80-х годах 16 века и развивается на протяжении всего 17 и первой половины 18 столетия. Цель барокко была поразить зрителя грандиозностью, богатством и разнообразием материалов, драматизмом произведений. Тяжелое экономическое положение Италии не давало возможности возводить крупные сооружения, поэтому архитекторы делали небольшие, но достаточно монументальные, декорированные сооружения, что способствовало созданию иллюзии социального и политического благополучия государства.

Для сооружений барокко характерны — фронтальность, (Здания воспринимаются во многих случаях с одной стороны — со стороны главного фасада) криволинейные формы.

Лоренцо Бернини (1598–1680), итальянский художник и архитектор, самый крупный представитель итальянского барокко. Был назначен главным архитектором собора св. Петра.

Выполненная им Площадь перед собором св. Петра стала шедевром эпохи зрелого барокко. Бернини удалось достичь грамотного сочетания здания собора с ансамблем. Ансамбль состоит из 2-х площадей - большой в форме эллипса, обрамленной колоннами, и примыкающей к ней трапеции.

Колоннада имеет 4 ряда и высота их составляет 19м. общее число колонн – 284.

Особого внимания заслуживает парадная Королевская лестница — «Скала Реджиа», созданная Бернини. Она соединяет Папский дворец и собор св. Петра. Уходя вдаль, лестница постепенно сужается, марш лестниц уменьшается, и высота колонн уменьшается, благодаря такому архитектурному исполнению лестница не только кажется больше, но и был достигнут театральный эффект: когда Папа во время торжественных выходов появлялся на верхней площадке лестницы, его фигура визуально казалась больше.

К его работам относится балдахин в храме св. Петра Он был воздвигнут над предполагаемым местом захоронения св. Петра. Бронзовый Киворий (высотой=29м.) поддерживают спиральные колонны, на которых стоят статуи ангелов.

Бернини был не только знаменитым архитектором, но и талантливым скульптором. Благодаря его работам мы можем увидеть характер исполнения статуй барокко.

Примером служит статуя Лонгина(римского война) Статуя поражает грандиозностью своих размеров. Она помещена в нишу одного из подкупольных опорных столбов. Статуя имеет театральный характер. Бернини украсил кафедру св. Петра. Она установлена в центре алтарной аспиды. Около деревянного кресла 4 фигуры пап, на спинке трона Христос, вручающий ключи от церкви(фигуры отцов церкви олицетворяют землю, окно – движение от плоти к божественному свету.)

Большой вклад Бернини внес в декоративное использование скульптуры вне интерьера – на улицах и площадях Рима. Один из самых знаменитых фонтанов Рима - это фонтан 4 рек Бернини на площади Навона. Центром композиции фонтана является обелиск. Вокруг него Бернини поместил статуй речных богов главных рек четырёх частей мира (Нила, Ганга, Дуная и Ла-Платы).Фигуры Богов театрализованные.

16. Барокко и реализм в живописи Западной Европы XVII—XVIII вв.

В развитие изобразительного искусства в картинах связь с реальным миром становится более глубокой. Усиление интереса к индивидуальной личности, к особенностям физического облика и внутреннего мира человека привели к необычайному подъему портретного искусства и, в частности, к развитию психологического портрета. Бытовой жанр, изображение животных, натюрморт, теперь занимают видное место в искусстве. Иным становится и восприятие, и изображение природы. Развитие точных наук способствует стремлению глубже познать природу и ее особенности.

В живописи 17 века преобладают 2 направления болонский академизм и Караваджизм.

Основателями Болонской школы живописи были братья Каррачи. В болоньи они создали свою академию художеств «Академию вступивших на верный путь», Они считали, что натура не совершенна и ее надо преобразить, облагородить, чтобы она стала достойным изображением в соответствии с классическими нормами. Поэтому он идеализировал свои образы в картинах. В изображении появляется пафос вместо подлинной героики.

Такое искусство оказалось соответствующим времени и получило признание и распространение.

Братья считали, что есть вечный идеал красоты воплощён в искусстве античности, Возрождения, и в творчестве Рафаэля. В академии основное внимание уделялось постоянным упражнениям в техническом мастерстве. В их программе появились теоретические курсы: история, мифология и анатомия.

Аннибале Карраччи был также создателем героического пейзажа. Он считал что природа, как и человек не совершенна, груба и ее тоже следует облагородить. Его пейзажи идеализированы и выдуманы.

Второе направление имеет название караваджизм, в честь его основателя – Микеланджело Меризи, прозванного Караваджо (1573-1610)

В отличие от своих предшественников от поддерживает реалистическое течение в искусстве. Метод Караваджо был противоположен академизму, и сам художник был против него. Его интересовала окружающая действительность. Он часто писал необычных для того времени персонажей: гадалок, картежников. Такие портреты положили начало бытовой живописи реалистического духа. Помимо жанровых портретов, Караваджо пишет произведения на религиозные темы. Его алтарные образы также поражают жизненные натуры.

Первыми годами 17 века датируется один из известнейших шедевров живописи Караваджо — «Положение во гроб».

Герои картин Караваджо изображены в полумраке, из которого лучи света выхватывают выразительные жесты персонажей

Последователи переняли буйство чувств и характерность манеры Караваджо, так же как и его натурализм в изображении людей и событий.

17. Классицизм в архитектуре и живописи Западной Европы XVII—XIХ вв.

Обычно различают классицизм 17 в. и классицизм 18—начала 19 вв. (последний в зарубежном искусствознании часто именуется неоклассицизмом),

История классицизма начинается в Западной Европе с конца 16 столетия. В 17 в. достигает высшего своего развития, связанного с расцветом абсолютной монархии Людовика XIV во Франции. Классицизм продолжает плодотворно существовать и в 18 – начале 19 вв., пока на смену ему не пришел сентиментализм и романтизм.

Архитектуре классицизма присущи логичность планировки и геометризм формы. Основой архитектуры классицизма стал ордер, в пропорциях и формах близкий к античности. В постройках он употребляется таким образом, что не затемняет общую структуру сооружения, но становится её тонким и сдержанным аккомпанементом. Для классицизма свойственны симметрично-осевые композиции, сдержанность декоративного убранства, регулярная система планировки городов.

В отличие от построек барокко, мастера К. никогда не воздавали пространственных иллюзий, искажавших пропорции здания. И в парковой архитектуре складывается так называемый регулярный стиль, где все газоны и клумбы имеют правильную форму, а зеленые насаждения размещены строго по прямой и тщательно подстрижены.

Основоположником классицизма был Андреа Палладио. Принципы античного храмового зодчества стали настолько популярны, что применялись даже в строительстве частных особняков и вилл.

Градостроительство классицизма 17 в., связанное с принципами Возрождения и барокко создало свой тип резиденции (Версаль). Здания отличаются статичностью, равновесием масс. Парки теперь не строго геометрических форм, приобретает популярность композиции, имитирующие естественный ландшафт. Больше всего архитекторов занимает проблема соотношения ансамбля дворца и парка. Примером служит Версаль – дворец Людовика 14, Решившего перенести свой двор из Парижа за город. Комплекс по масштабам и пышности не имел равных в мире. Дворец вписан в парк в 101га. В интерьерах – пышность и величие, самой богатой комнатой была Зеркальная галерея. С одной стороны ее украшали зеркала. Богатство было потеряно при фин. кризисе Там он отмечал свои дни рождения, проводил балы и принимал иностранных послов. Семнадцать огромных окон выходили в изумительный версальский парк – и зелень его деревьев, брызги фонтанов и синева неба отражались в высоких, устроенных в нишах, зеркалах, создавая иллюзию чего-то фантастического, наполненного солнцем и воздухом.

Во 2-й пол. 18 в. складываются новые приёмы планировки, предусматривающие органичное соединение городской застройки с элементами природы, создание открытых площадей, пространственно сливающихся с улицей или набережной.

Создателем классического направления в Живописи был Никола Пуссен. Много лет прожил в Риме. Испытывает влияние итальянской античность, творчества Караваджо. Герои Пуссена – люди сильных характеров, великих поступков, герои. Форма создается прежде всего линией и контуром. В поздний период лучшеми были его пейзажи. Человек трактуется как часть природы. Являлся основателем классического идеального пейзажа. – природа улучшенная, сочиненная художником.

Французские художники и до него были традиционно знакомы с искусством Италии эпохи Возрождению. Пуссен был первым французским живописцем, который воспринял традицию классического стиля Леонардо да Винчи и Рафаэля. Ясность и упорядоченность изобразительных приемов Пуссена позже сделало его творчество эталоном для Академии живописи и скульптуры Франции, которая занялась выработкой эстетических норм, формальных канонов и общеобязательных правил художественного творчества.

После смерти Людовика 14 Франция не была уже столь могущественна, к власти приходит Людовик 15. В начале 18в. в светском искусстве появляется новый стиль – Рококо́, как развитие стиля барокко. (распространился в Италии, Германии)Характерными чертами рококо являются изысканность, большая декоративная нагруженность интерьеров и композиций, грациозный орнаментальный ритм, большое внимание к мифологии, эротическим ситуациям, личному комфорту. Сюжеты любовные, эротические, даже в исторических и мифологических жанрах видна тема любви. Для этого стиля характерны декоративность художественных решений, свойственны тончайшие переживания человека, театральность, росписи отличаются дробностью и ассиметричностью композиции, светлые тона, воздушная легкость, изысканность и причудливость форм. вытеснялась религиозная культура светской Важный жанр – портрет. Представителями в живописи были Ватто и Буше. Они отказывались от исторических и религиозных сюжетов.

К 19 в. возвращается интерес к античности. С сер. 18 в. для художников поездка в Рим была обязательна, там производились и археологические раскопки, которые оказали влияние на дальнейшее искусство. С приходом к власти наполеона вместе с историческими изменениями произошли и художественные. Ведущим художественным направлением стал неоклассицизм. (ампир) – монументальный роскошный, используются античные формы. Главным представителем неоклас. во Франции был Жак Луи Давил – воспринял античность, как пример гражданственности. В его картинах героические позы и жесты заимствованы у античных статуй. Неоклассицисты интересовались именно античностью, а не Возрождением, как классицисты.

Если во Франции неоклассицизм нашёл своё выражение главным образом в проектах общественных зданий, то в Англии архитекторы строили в этом стиле частные усадьбы и городские дома. Сама их манера отличалась от французской. Во Франции неоклассицизм приобрёл суровые, подчас тяжеловесные формы, в Англии же, наоборот, все постройки были более лёгкими и изящными. Особенно знамениты английские неоклассицистические интерьеры: всегда яркие и декоративные, они словно желали понравиться владельцам домов и их гостям. В Англии в 1768г. создана академия искусств(чтобы поднять уровень англ. искусства). Учеником был Томас Хадсон, который после поездки в Рим создал новый для Англии портрет – где герои представлены в позе мифол.героев. В портретах присутствовал богатые пейзажи т.к. значение земли было велико.

Ярко выражен в живописи. Героические мотивы, темы гражданственности, чувства долга. Ясность сюжета. Героические Жесты заимствованы у античных героев (худ. Жак Луи Давид).

Было еще одно направление, разработанное средним классом. Они отдавали предпочтение бытовому жанру, изображению повседневной жизни горожан, крестьян (Женщина , которая ищет блох), бытовые сцены на рынках. Многие художники обращались к сатире. В Италии 17в. возникла карикатура- она была создана для развлечения и забавы зрителей. А в Англии 18в. она стала политической сатирой.

18. Искусство западноевропейского романтизма.

Романти́зм— явление европейской культуры в XVIII—XIX веках, представляющее собой реакцию на Просвещение.(зародился в литературе и философии) Романтизм сменяет эпоху Просвещения и совпадает с промышленным переворотом. Если Просвещение характеризуется культом разума и основанной на его началах цивилизации, то романтизм утверждает культ природы, чувств и естественного в человеке.

В изобразительном искусстве Романтизм наиболее ярко проявился в живописи и графике, меньше - в архитектуре. В 18 веке излюбленными мотивами художников были горные пейзажи и живописные руины. Его основные черты - динамичность композиции, объёмная пространственность, насыщенный колорит, светотень. Новыми критериями в искусстве стали свобода самовыражения, повышенное внимание к индивидуальным, неповторимым чертам человека, естественность, искренность и раскованность, пришедшие на смену подражанию классическим образцам 18 века.

Романтики призывали к воскрешению традиций великого национального художественного наследия, к следованию, в частности, примеру мастеров немецкого Возрождения во главе с Дюрером.

Романтики открыто провозгласили торжество индивидуального вкуса, полную свободу творчества.

Германия. Каспар Давид Фридрих избирает те состояния природы, которые наиболее соответствуют романтическому ее восприятию: раннее утро, вечерний закат. Стремление возродить религиозно-нравственные устои в немецком искусстве связано с так называемой назарейской школой, оказавшей несомненное влияние на живопись XIX в. Художники назарейской школы писали картины на религиозные сюжеты, считая для себя образцом то Рафаэля, то искусство кватроченто, то немецкое Возрождение.

Развитие классицизма и романтизма в архитектуре совпало с началом использования новых конструкций, строительных материалов и строительных методов. В конце XVIII и начале XIX вв. металлические конструкции были наиболее распространены в Англии и во Франции. Вместо простоты и замкнутости архитектурной формы классицизма романтизм предлагает сложный силуэт, богатство форм, свободу планировочного решения, в котором симметрия и другие формальные композиционные принципы теряют господствующее значение. основной для него в архитектуре стала готика. Критик Джон Рескин призывал к возвращению готического искусства, способного оживить религиозно-этические идеалы. Прим. Явл. Здание парламента в Англии, построенного в нео-готическом стиле.(отсутс. Парадного входа.) Англия была 1 из немногих стан которая отказалась от неоклассицизма.

Первый чугунный мост удалось сконструировать только в 1779 г. Это был мост через реку Северн в Англии. Он имел небольшую длину (30,62 м), однако уже в конце века начинают строить чугунные мосты длиной свыше 70 м, например Сандерленд Бридж в Англии. С конца XVIII в. чугун начинают применять при строительстве зданий. Из построек подобного типа наибольшего внимания заслуживает Хрустальный дворец (Кристал палас) на первой Всемирной выставке в Лондоне

19. Реализм в искусстве Западной Европы XIХ в.

Реализм сложился в сер 19в. Во Франции главным представителем был Курбе – считал искусство двигателем социалистических идей. В картинах отказ от театральных эффектов, отсутствуют героические жесты, изображает жизнь горожан.

Героем сюжетов стал трудовой человек. Труд, быт – основные темы. Сцены из крестьянской жизни показывали нищету земледельцев.

Реализм в пейзаже складывается с Барбизонской школы – группа живописцев. Они внимательно изучали природу. Писали этюды с натуры и завершали их в мастерской. В них оставалось живое ощущение натуры. Представители – Теодор Руссо – задачей считал передать гармонию природы. , Констант Тройон – ввело в пейзаж животных, соединяя пейзаж с анималистическим жанром.

Прерафаэлиты - объединение английских живописцев середины XIX в., ориентировавшихся на эстетический идеал периода поздней Готики и раннего Итальянского Возрождения, искусства "до Рафаэля"

Прерафаэлиты отказались от академических принципов работы и считали, что всё необходимо писать с натуры. Они обращались к историческим и религиозным сюжетам. Поначалу работы прерафаэлитов принимали довольно тепло, однако вскоре обрушилась суровая критика и насмешки. Излишне реалистичные картины возмущали зрителей. Принципы Братства подверглись критике со стороны многих уважаемых живописцев. Положение в определённой степени спас Джон Рёскин, влиятельный историк искусства и художественный критик Англии. Несмотря на то, что в 1850 году ему было только тридцать два года, он уже являлся автором широко известных работ об искусстве. Он провозгласил, что их работы могут «лечь в основу художественной школы, более величественной, чем все, что знал мир предыдущие 300 лет». В качестве идеала Рёскин выдвигал средневековое искусство, таких мастеров Раннего Возрождения, как Перуджино, Фра Анжелико, Джованни Беллини, и побуждал художников «писать картины с чистым сердцем, ни на, что не ориентируясь, ничего не выбирая и ничем не пренебрегая». Идеи Рёскина глубоко тронули прерафаэлитов. После того, как прерафаэлитизм получил поддержку Рёскина, прерафаэлитов признали и полюбили, они входят в моду и получают более благожелательный приём на выставках Королевской академии, пользуются успехом на Всемирной выставке 1855 года в Париже. Однако Братство распадается. Кроме юного революционного романтического духа и увлечения Средневековьем, мало что объединяло этих людей. Когда в 1853 году Милле стал членом Королевской академии художеств, Россетти объявил это событие концом Братства.

новый этап в развитии движения прерафаэлитов начинается со знакомства Россети с У. Моррисом.

Прерафаэлиты оказали влияние на развитие ар нуво и символизма.

20. Импрессионизм и постимпрессионизм западноевропейском искусстве XIХ в.

Импрессионизм сложился в Париже в 1860г.

Вдохновителем импрессионистов был Эдуард Мане. Его творчество оказало влияние на группу художников, которые создали новое направление.

Импрессионисты отвергали законы композиции в их традиционных понятиях. Они предпочитали писать то, что видят. Пытались зафиксировать мимолетные впечатления от сцены. Ценили этюды больше чем законченные картины, считали что при доработке в мастерских теряется связь с природой. Они писали на небольших холстах, не делая предварительных зарисовок.

В 1874г. импрессионисты устроили свою независимую выставку, среди которых были Клод Моне, Поль сезан, Эдгар Дега. Название "Импрессионизм" возникло после выставки на которой экспонировалась картина Моне "Впечатление. Восходящее солнце". первая выставка успеха не имела, но последующие способствовали росту популярности.

Наиболее типичной для импрессионистов темой является пейзаж, однако они в своём творчестве затрагивали и многие другие темы. Дега, например, изображал скачки, балерин и прачек, а Ренуар - очаровательных женщин и детей.

Главным импрессионистом был Клод Моне – в его творчестве воплотилась основная проблема импрессионистов – проблема света и воздуха. Его интересуют эффекты освещения различного времени суток. Он не пользовался черным цветом, считая что такого нет в природе.

Огюст Ренуар. В отличие от большинства импрессионистов, Р. (как и Э. Дега) интересует прежде всего индивидуальность человека — в его единстве с природой, в живом общении с другими людьми, в случайных жизненных ситуациях. Он фиксирует тончайшие нюансы настроения модели. Его привлекает праздничная сторона городской жизни — балы, танцы, прогулки с их динамикой и пестротой персонажей.

Эдгар Дега. Получил академическое образование, связанное с академической школой (против которой выступали И.) это повлияло на каноничность изображения фигуры человека. Художник отказался от академических тем и изображал будни театра, прачек, гладильщиц, скачки. Он никогда не обращался к пейзажу.

С 1880г. импрессионизм переживает кризис. Художники достигли своей цели – создали новый стиль, сильно отличающийся от официального искусства, в творчестве каждого представителя выработались свои индивидуальные черты. Ренуар уехал в Италию, Дега посвятил себя изображению женского тела, Сезанн изучал световые эффекты.

Неоимпрессионисты. Представитель Сёра – основываясь на том, что человеческий глазспособен синтезировать нужный цвет, соединяя цветовые лучи, пришел к заключении, что художник может наносить на полотно составляющее этого цвета, не мешая их на палитре. Художник наносил на холст точечными мазками основные цвета, в соответствии с научными выводами.

Из Франции импрессионизм распространился в Англию, Германию, Швецию.

К постимпрессионистам относятся такие деятели искусств, как Поль Сезанн, Ван Гог и Гоген. Каждый из них был индивидуален и оставил свой след в искусстве, хотя они работали параллельно с импрессионистами.

Сезанн искал способы отразить материальную структуру вещей.

Ван Гог – последняя выставка импрессионистов произвела на него сильное впечатление. В своих работах использовал цвет как средство выражения. Пессимистических и тревожный характер тв-ва от его нервного заболевания и одиночества.

Гоген также связывают с направлением символизма. он приблизился к туземному искусству и пришел к примитивизму. В его работах чистые, яркие краски, плоскостные формы, композиции носят орнаментальный характер.

21. Символизм и экспрессионизм в европейском искусстве XIХ—XХ вв.

Символизм - литературное и художественное движение, Зародившееся во Франции 1870-80-х гг, получило распространение в Бельгии, Германии, Австрии, Норвегии, России.

Символисты не принимали направление реализма. Символисты считали, что современной культуре не достает фантазии, что картина для зрителя должна быть фантастическим видением.

Художник-творец рассматривался как посредник между реальным и сверхчувственным

Поэтому живопись поражала яркими красками, роскошью одежд персонажей.

символизм в изобразительном искусстве вплоть до 1890-х гг. оставался в полной зависимости от литературы, причём не только от литературы символизма.

Экспрессиони́зм — авангардистское течение в европейском искусстве, получившее развитие в конце ХIX — начале XX века. Экспрессиониз возник как отклик на острейший социальный кризис 1-й четверти 20 в. (включая 1-ю мировую войну и последовавшие революционные потрясения) и стал выражением протеста против уродств современной буржуазной цивилизации. Мастера экспрессинизма совмещали протест с выражением мистического ужаса перед хаосом бытия.

Это течение, возникшее в 1905—1909 годах, не имевшее четкой определенной тенденции. Влияние в 20в. оказало на художников искусство примитивных народов, в первую очередь Африки, воспринимаемое как истинное творчество, лишенное каких-либо правил.

Наиболее последовательно принципы экспрессионизма были воплощены в творчестве художников объединения "Мост" (Э. Л. Кирхнер, М. Пехштейн, Э. Хеккель, К. Шмидт-Ротлуф; к ним примыкал Э. Нольде). Название символизировало мост искусства в будущее и стремление к объединению всех художественных направлений.

22. Архитектура западноевропейского модерна.

Моде́рн (современный), ар-нуво («новое искусство»), югендштиль («молодой стиль») — художественное направление в искусстве, больше популярное во второй половине XIX — начале XX века.

Архитектуру модерна отличает отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, «природных» линий, использование новых технологий (металл, стекло), стремление к созданию одновременно и эстетически красивых, и функциональных зданий.

Большое внимание уделялось не только внешнему виду зданий, но и интерьеру, который тщательно прорабатывался. Все конструктивные элементы: лестницы, двери, столбы, балконы — художественно обрабатывались.

Одним из первых архитекторов, работавших в стиле модерн, был бельгиец Виктор Орта (1861—1947). В своих проектах он активно использовал новые материалы, в первую очередь, металл и стекло. Несущим конструкциям, выполненным из железа, он придавал необычные формы, напоминающие какие-то фантастические растения. Например дом Тасселя в Брюсселе в котором поражают декоративное применение железа, превращающиеся в струи воды, цветы.

Ещё дальше от классических представлений об архитектуре ушёл Антонио Гауди. Здания, сооружённые им, настолько органически вписываются в окружающий пейзаж, что кажутся делом рук природы, а не человека.

В юности Гауди восторженно следовал идеям энтузиастов неоготики и теоретика Рескина.

Работы: Дом Бальо - жилой дом для текстильного магната. Сохранив исходную структуру дома, примыкающего боковыми стенами к двум соседним зданиям, Гауди спроектировал два новых фасада. особенностью дома является практически полное отсутствие прямых линий. Волнистые очертания проявляются как на фасаде так и в интерьере. Тщательно продуманы мельчайшие детали конструкций и декорации. Исследователи творчества Гауди признают, что реконструкция дома является началом нового творческого этапа мастера, в котором он опирается на свое видение, не обращаясь к известным архитектурным стилям.

Парк Гуэля— знаменитый парк в Барселоне, созданный в 1900—1914 годах. Представляет собой сочетание садов и жилых зон, площадь парка составляет 17,18 га.

23. Архитектура XX века. Функционализм и органическая архитектура. (Ле Корбюзье,Ф.Л.Райт)

Значительным направлением в архитектуре западных стран 20х г.20в. явился функционализм, выросший из модерна и воплощенный в Баухаусе. Ф. был противоречив архитектурным направлениям. Возник в Германии. Глава и идеолог направления - Вальтер Гропиус. Классический пример этого направления - здание Баухауза в Дессау.

функциональность стала не только основой нового стиля. Функционализм требовал строгого соответствия формы здания и его функциям. Идеологи новой архитектуры предусматривали создание условий для удобного и быстрого перемещения людей в архитектурно-пространственной среде. Значительное остекление создавало возможность единения человека с, окружающей жилище, природой. Основной материал был монолитный и сборный железобетон, стекло, реже — кирпич.

Ле Корбюзье - один из наиболее значимых архитекторов 20 века. Достиг известности благодаря своим выразительным постройкам, всегда оригинальных и функциональных.

Характерные признаки архитектуры Ле Корбюзье - объёмы-блоки, поднятые над землей; свободно стоящие колонны под ними; плоские используемые крыши-террасы ("сады на крыше"); Именно под впечатлением его проектов и построек произошёл сдвиг в сознании архитекторов, в результате чего свободные формы в архитектуре стали применять гораздо шире. В России по проекту Ле Корбюзье было построено здание Центросоюза на Мясницкой улице.

Он был создателем урбанистической теории и создал проект реконструкции центра Парижа. В планах была выражена идея города будущего, небоскребов в сочетании пространствами зелени и магистралей. Идею дезурбанистов – небольшие города со свободной планировкой.

Фрэнк Ллойд Райт американский архитектор-новатор. Создатель «органической архитектуры» и пропагандист открытого плана (органическая архитектура видит свою задачу в создании зданий раскрывающих свойства естественных материалов и органично вписанных в ландшафт.) По его мнению, форма здания должна каждый раз вытекать из его специфического назначения и тех уникальных условий среды, в которых оно возводится. Райт максимально упрощал основные элементы здания, избегая ненужного декора. Райт призывал архитекторов использовать возможности новых промышленных материалов – железа и бетона.

Известность Райту приносят «Дома Прерий» Интерьерам домов Райт уделял особое внимание, создавая мебель сам и добиваясь того, чтобы каждый элемент был осмыслен и органично вписывался в создаваемую им среду. Для них характерен открытый план, преобладающие в композиции горизонтали, далеко вынесенные за пределы дома скаты крыши, террасы, отделка необработанными природными материалами, ритмичные членения фасада каркасами, прообразом которых служили японские храмы.

В 1935—1939 Райт строит для И.Дж. Кауфмана знаменитый «Дом над водопадом». Для клиентов среднего класса Райт разрабатывает дома умеренной стоимости которые имели название - «юсоновские». Каркасная конструкция позволяла удешевить строительство. Дома проектировались в основном одноэтажными и L-образными в плане, что позволяло им вписываться в участки сложной формы.

Он разработал проект города, в котором у каждой семьи был 1акр земли, чем призывал занятию земледелия. Считал что не нужен большой город.

Так одновременно началось прославление механизированного стандарта быта, и с другой стороны борьба с ним.

Пять признаков функционализма»:

· Использование лапидарных прямоугольных форм.

· Основной материал —железобетон, стекло, реже — кирпич. Использование крупных нерасчленённых плоскостей одного материала. Отсюда и преобладающая цветовая гамма — серый, жёлтый (любимый цвет Ле Корбюзье) и белый. Отсутствие орнаментации.

· «Плоские, по возможности, эксплуатируемые кровли» — идея Ле Корбюзье.

· Для промышленных и, частично, жилых и общественных зданий характерно расположение окон на фасаде в виде сплошных горизонтальных полос — так называемое «ленточное остекление», — идея Ле Корбюзье.

· Широкое использование образа «дома на ножках» — идеи Ле Корбюзье, состоящей в освобождении нижних этажей от стен и использовании пространства под зданием .

Современная архитектура многим обязана именно функционализму 20-х годов XX века: новыми типами домов (галерейные, коридорного типа, дома с двухэтажными квартирами), плоскими покрытиями, удачным решением экономичных квартир со встроенным оборудованием, рациональным планированием интерьера (введение передвижных перегородок, звукоизоляция и пр.).

24. Течения в европейском искусстве XX века: фовизм, кубизм, абстракционизм.

Фовизм— направление во французской живописи и музыке конца XIX — начала XX века.

(1 направление, начавшее отход от принципов реализма)

Наименование Ф. было в насмешку присвоено группе молодых парижских художников (А. Матисс, А. Дерен, М. Вламинк, А. Марке, А.-Ш. Манген, К. ван Донген), совместно участвовавших в р выставке 1905г., один из французских критиков назвал этих живописцев дикими зверями (les fauves).

Вдохновителями фовистов послужили постимпрессионисты Ван Гог и Гоген, Его участников объединяло в те годы стремление к созданию художественных образов исключительно с помощью предельно яркого открытого цвета. Основные цветовые отношения и мотивы фовисты брали из природы, но предельно усиливали и обостряли их, нередко использовали цветной контур для отделения пятен цвета друг от друга, они отказывались от светотеневой моделировки и линейной перспективы.

Главным представителем был Анри Матисс. Его не интересовала передача освещения, почти не было объема, композиции строились на контрасте цветов. Предметами его изображений служат простые мотивы:

Группа заявила о себе на парижских выставках 1905—1907 гг., однако вскоре объединение распалось, и творческие пути участников разошлись.

Куби́зм — авангардистское направление в изобразительном искусстве, зародившееся в начале XX века. Возникновение кубизма традиционно датируют 1906—1907 г. и связывают с творчеством Пабло Пикассо и Жоржа Брака.в основе их работ с изображением 3-хмерных предметовлежал метод Сезанна. Он заключался в упращении природных форм, посредством мозайки цвета.

Для произведений художников этого направления характерно преобладание прямых линий, острых граней и кубоподобных форм.

Непосредственное влияние на формирование кубизма оказали эксперименты с формой в живописи Поля Сезанна. В 1904г. Пикассо написал картину Авиньонские девицы, которая считается первым шагом на пути к кубизму. В картине нет воздушной перспективы, но есть еще определенная сюжетность. Форма правой части картины моделируется с помощью штриха, а левой – с помощью теней и растушевки.

Чтобы полнее выразить идеи вещей, К. отвергли традиционную перспективу и стремились дать их изображение посредством разложения формы. Повышенный интерес к проблемам формы привел к разграничению в использовании цветов: теплые – для выступающих элементов, холодные – для удаленных.

Сезанновский кубизм. Так обычно называется первая фаза кубизма, для которой характерна склонность к абстракции и упрощению форм предметов. В этот период П. и Б избегали слишком резких цветовых контрастов.

Аналитический кубизм, вторая фаза кубизма, характеризуется исчезновением образов предметов и постепенным стиранием различий между формой и пространством. Элементы аналитического кубизма появились в работах Брака уже в 1909, а в произведениях Пикассо – в 1910; однако более сильный импульс развитию этой фазы стиля дало художественное объединение «Золотое сечение», которое основали в 1912. Художнику отводилась роль создателя нового способа видения мира. Вышла книга О кубизме – 1 теорретическое обоснование кубизма.

Синтетический кубизм отметил радикальное изменение в художественном восприятии движения. Если в аналитическом и герметическом кубизме все художественные средства должны были служить созданию изображения формы, то в синтетическом кубизме цвет, фактура поверхности, узор и линия используются для конструирования (синтезирования) нового объекта. (Хаун Грис. Курильщик)

К 1920-м годам кубизм практически окончил свое существование, оказав заметное влияние на развитие искусства 20 в.

Абстракционизм - беспредметное искусство, модернистское течение, отказавшиеся от изображения реальных предметов. Абстрактное искусство возникло в 1910—13 в ходе расслоения кубизма, экспрессионизма, футуризма Основоположниками абстракционизма принято считать В. Кандинского, К. Малевича.

25. Течения в европейском искусстве XX века: футуризм, дадаизм, сюрреализм.

Формой, откровенно далекой от реализма, был возникший в 1909 году футуризм, существовавший до 1930-х годов, эволюционируя частично к абстракционизму.

Группир