ЗАРУБЕЖНОЕ ИСКУССТВО XX ВЕКА

XX столетие не только принесло художникам невиданные ранее возможности (прежде всего технические), но и заставило их отказаться от привычного взгляда на мир. Уже в начале века наука пересмотрела большую часть «бесспорных истин» Нового времени. Гуманистические ценности Возрождения и Просвещения больше не служили поддержкой человеку. Теперь он сам должен был защищать их в кошмаре мировых войн и тоталитарных режимов. Достижения прошлого казались бесполезными, и человечество осталось наедине с грозным и таинственным миром, словно в первобытные времена (не случайно огромную популярность в XX в. приобрело доисторическое и примитивное искусство). При этом одни наперекор всему искали выход в продолжение культурной традиции прошлого, другие — в обретении утраченных связей с природой, третьи — в научно-технической революции, четвертые — в нигилистическом самоутверждении. Все это по-своему реализовалось в искусстве.

Архитектура.Лучшие зочие XX столетия одновременно были теоретиками-исследоватеями и комментаторами процессов ее развития.Очень часто благодаря полемическому и пропагандисткому дару их новаторские идеи, оторые вначале не находили воплощения и реализовались в единичных постройках, все же обретали признание и получаи распростронение.

Технические открытия, новые материалы и конструкции изменили методы строительства. Зародившиеся в конце XIX в. идеи рационализма и конструктивизма получили мощные стимулы и развились в новое направление — функционализм. Внешний облик «функциональной» постройки отражал не только ее конструкцию, но и внутреннюю планировку, которая определялась практическим назначением (функцией).

«Баухауз». Вальтер Гропиус (1883–1969) работал ассистентом в мастерской крупнейшего немецкогг архитектора Петера Беренса. Тогда же в ней сотрудничали Ле Корбюзье и Людвиг Мисс Ван днр Роэ — в будущем ведущие зодчие XX в.

В 1911–1916 гг. в соаторстве с Адольфом фон Мейером (1881–1929) Гропиус построил здание обувной фабрики «Фагус» в Аль­фельде-на-Ляйне. В нём впервые наиболее полно воплотился прин­цип функционализма. Освободив наружные стены от несущей функ­ции, Гропиус заменил их стеклян­ными панелями. (Такое оформле­ние стены — позже её назвали «навесной стеной» — стало исполь­зоваться часто, особенно в высот­ных постройках.)

В 1919 г. Гропиусу предложили возглавить Высшую школу изобрази­тельных искусств в Веймаре. Объеди­нив её с Саксонско-Веймарской шко­лой прикладного искусства, он создал «Баухауз» (нем. «дом строительст­ва») — высшее архитектурное и худо­жественно-промышленное училище.

«Баухауз» провозгласил идею вос­соединения искусства, техники и науки, как это было в Средние века, но на новой основе, и стал разраба­тывть свою систему обучения. Cтy­денты упражнялись в лепке, рисун­ке, живописи, изучали особенностиобработки самых разных материа­лов. Занятия шли одновременнов производственной и творческой мастерских.

«Баухауз» объединил мастеров различных художественных направ­лений, таких, как швейцарец Пауль Клее, русский Василий Кандинский, голландец Тео ван Дусбург, и многих других.

В 1925 г. училище перемести­лось из Веймара в небольшой про­мышленный город Дессау. По проекту Гропиуса и фон Мейера здесь бьл построен комплекс зданий для «Бау­хауза» (1925-1926 гг.). Всё внутрен­нее оформление выполнено силами студентов.

Гропиус настаивал на упрочении связей с промьштенностью. Учеб­ные мастерские «Баухауза» стали проектно-экспериментальными. Там создавали недорогие, доступные массовому потребителю высокока­чественные предметы быта. Напри­мер, мебельные мастерские начали производить стулья и столы с ис­пользованием стальных труб ­удобные, легко моющиеся, дешёвые.

За эстетическим новаторством «Баухауза», приверженностью к ти­повому массовому строительству и серийному производству стояло не что иное, как желание участво­вать в решении насущных социаль­ных проблем. Вот почему реакцион­ные политики требовали закрыть «Баухауз» и изгнать из Германии либерально настроенных препода­вателей-эмигрантов. В 1933 г., с при­ходом к власти нацистов, «Баухауз» бьл закрыт.

Гропиус покинул школу ещё в 1928 г. Он переехал в Берлин и за­нялся архитектурной практикой.

В посёлке Даммершток близ Карлс­руэ (1927-1928 гг.) и большомжилом комплексе Сименсштадт (1929 г.) на окраине Берлина он раз­рабатывал приёмы «строчной» за­стройки: дома располагались парал­лельными рядами, торцами к улице.

В 1934 г. зодчий эмигрировал в Англию. Его постройки (совмест­но с английским архитектором Максуэлом Фраем) внесли свежуюструю в тогда ещё консервативную английскую архитектуру. Удивило англичан и вызвало многочислен­ные подражания одноэтажное зда­ние сельской школы в Импингтон­ Вилледж (1936 г.). Свет в классы попадал с двух сторон сквозь стек­лянные стены, выходившие прямо на зелёные лужайки.

С 1929 по 1957 г. Гропиус бьл вице-президентом международных конгрессов по современной архитек­туре, с 1938 по 1957 г. руководил ар­хитектурным отделением Высшей школы проектирования при Гарвард­ском университете (в Кембридже, США). В Америке он создал и возгла­вил бригаду из восьми молодых ар­хитекторов, с которой разработал проекты комплекса зданий Гарвард­ского университета (1950 г.), универ­ситета в Багдаде (начат в 1960 г.), здания Посольства США в Афинах (1961 г.), небоскрёба авиакомпании «Панамерикэн Эрлайнз» в Нью-Йор­ке (1963 г.).

Однако высшими достижениями Гропиуса остались «Баухауз» и совре­менные ему постройки.

ЛЮДВИГ мие ВАН ДЕР РОЭ ( 1886-1969)

Один из ведуших архитекторов Гер­мании и США, создатель междуна­родного стиля в зодчестве ХХ в. Людвиг Мис ван дер Роэ родился в Ахене в семье мастера-каменщика. С четырнадцати лет Мис (лишь в 20-х гг. он присоединил к своему имени фамилию матери) начал по­могать отцу, затем учился в местномремесленном училище, работал рез­чиком по штукатурке, чертёжником­рисовальщиком. Переехав в Берлин, он в 1908 г. поступил в мастерскую Петера Беренса, а в 1913 г. открыл собственное проектное бюро.

Вскоре после Первой мировой войны, в период гражданских потря­сений и экономической разрухи вГермании, Мис ван дер Роэ спроек­тировал, не надеясь на воплоще­ние, свои первые небоскрёбы. Один из них — гранёный «хрустальный» объём, в котором обыгрывались прозрачность стекла и его способ­ность отражать всегда меняющеесяокружение.

В 1927 г. Мис ван дер Роэ возгла­вил Международную выставку в Штут­гарте на тему «Современное жилище», в которой участвовали таюке Вальтер Гропиус, Ле Корбюзье и другие архи­текторы. Здесь бьли представленыздания со стальными несущими кар­касами, «навесными стенами», ли­шённые каких бы то ни было декора­тивных элементов. Позднее все эти особенности стали признаками сло­жившегося направления в архитекту­ре — международного стиля.

В конце 20-х и в 30-х гг. зодчий разрабатывал идею «свободного пла­на» и «непрерывного пространства» архитектурных сооружений. В по­добных постройках неподвижны­ми оставались лишь стены между секциями, лестничными клетками и санузлами; планы же помещений можно было менять с помощью подвижных перегородок. Кроме то­го, здание выглядело не единой «ко­робкой», а разомкнугыми объёмами, которые включали в себя окружаю­щее пространство. Таковы павиль­он Германии на Международной выставке в Барселоне (Испания, 1929 г.), вилла Тугендхат в Брно (Чехословакия, 1930 г.) и образцо­выйдом, возведённый архитекторомдля Берлинской строительной вы­ставки (1931 г.).

С 1930 по 1933 г. Мис ван дер Роэ руководил «Баухаузом». В 1937 г. он эмигрировал в США, где вступил в должность профессора Архитек­турной школы в Чикаго, а с 1938 по 1958 г. был её директором.

С 1938 г. по проекту зодчего воз­водился обширный комплекс зданий Иллинойсского технологическогоинституга. Сюда входили лаборатории, мастерские, жилые корпуса и индивидуальные домики, зал памят­ных встреч выпускников и другиепостройки. Однако сооружения ипространство между ними воспри­нимаются как единое гармоничное целое благодаря точно найденнымпропорциям, которые подчиненымодулю, равному двадцати четырём футам. С высоты птичьего полёта этатерритория с разбросанными поней прямоугольниками зданий напо­минает огромный холст художника­абстракциониста.

Особенность американских про­ектов Миса ван дер Роэ заключаетсяв том, что «тело» здания — коробка параллелепипеда — замкнуто и ни одной деталью не выступает из стро­го заданного объёма. Рисунок фасадаформируется членением этажей лен­точными (опоясывающими здание) окнами и вынесенным наружу конст­руктивным каркасом внешней стены.

Монументальность сооружений подобного рода достигалась увеличе­нием их вертикальных размеров под­час до гигантских масштабов. Образ силы и престижа воплотился в одно­типных, кристально ясных по форме небоскрёбах в тридцать — сорок этажей. Это жилые дома на Лейк ­Шор-драйв в Чикаго (1951 г.), кон­торское здание Сигрем-билдинг в Нью-Йорке (1958 г., совместно с Фи­липом Джонсоном). Кроме цветадекоративным элементом здесь слу­жат только вертикальные балки, ко­торые обеспечивают жёсткостъ стени обрамляют окна высотой в этажНебоскрёбы Миса ван дер Роэ и егоархитектурной школы определяютоблик современных Чикаго и Нью-­Йорка. А концепция «стекла и стали» сделалась своего рода архитектур­ным стандартом для многих западно­европейских и американских зодчих.

ЛЕ КОРБЮЗЬЕ (1887-1965)

Ле Корбюзье (настоящее имя Шарль Эдуар Жаннере) родился вЛа-Шо-де ­Фон, в Швейцарии. Шарль Жаннере в начале избрал традиционную се­мейную профессию часовщика-гра­вёра, однако вскоре увлёкся архитек­турой. Один из самых ярких зодчих XX в. не получил специального обра­зования. Архитектурными «универси­тетами» для него стали путешествия, библиотеки, музеи, систематическое, глубокое самообразование и, главное, творческое общение со многими ве­дущими мастерами того времени. В 1910-1911 гг. он работал в мастер­ской Петера Беренса в Берлине (здесь он познакомился с Вальтером Гропиусом, с которым дружил доконца жизни).

В 1916 г. молодой архитектор переехал в Париж, где первые пять лет служил управляющим на заводе строительных материалов, а свобод­ное время под влиянием своего друга французского художника Амеде Озанфана посвящал заняти­ям живописью и теорией искусства.

Вместе они опубликовали мани­фест «После кубизма» (1918 г.), в ко­тором сформулировали основные положения пуризма — нового тече­ния в живописи. А затем в 1920­–1925 гг. издавали литературно-худо­жественный журнал «Эспри Hyвo» (франц. «esprit nouveau» — «новый дух»), на страницах которого Жан­нере впервые подписался «Ле Кор­бюзье», вспомнив фамилию одного из предков матери.

В 1922 г. Ле Корбюзье ушёл с за­вода и вместе с двоюродным братом Пьером Жаннере открьт в Париже проектную мастерскую.

Главной темой творчества архи­тектора стала разработка принципов строительства современного городаи жилища. Ещё в 1914 г. он вьдвинул идею дома с ячейками, стандартизи­рованными, как костяшки домино (проект «Дом-Ино»). На плане такое здание напоминало выстроенные в этой игре цепочки, а колонны в 1925 г.; в «городах-садах» Льеже и Пессаке близ Бордо (1926 г.). Этими типовыми и индивидуальными по­стройками (многочисленными вил­лами) Ле Корбюзье как бы иллюст­рировал сформулированные им в 1926 г. знаменитые «пять пунктов» архитектуры:

1. Дом устанавливается на опорах, а под ним продолжается зелёная зона.

2. Свободная планировка: при необходимости внутренние перего­родки помещения можно распола­гать по-разному.

3. Ненесущая фасадная стена; оформление фасада в зависимости от гибкой планировки.

4. Оконные проёмы сливаются в единое ленточное окно. Такие ок­на не только дают лучшее освеще­ние, но и формируют особый гео­метрический рисунок фасада.

5. Плоская крыша-терраса с са­дом должна возвращать городу ту зелень, которую отбирает объём здания.

В 1927 г. архитектор принял уча­стие в международном конкур­се проектов здания Лиги Наций в Женеве. Предложенный им проект представлял собой архитектурный комплекс, невысокие протяжённые корпуса которого хорошо вписыва­лись в ландшафт. По-новому бьл спроектирован зал заседаний: он сужался к трибуне, в том же направ­лении понижался и потолок (такое решение впоследствии не раз было использовано другими архитектора­ми). Проект Ле Корбюзье собрал наибольшее количество голосов членов жюри. Однако по заявле­нию парижского представителя он был объявлен вне конкурса, так как «не вычерчен китайской тушью».

В 1928-1930 гг. Ле Корбюзье со­вершил три поездки в Россию, най­дя здесь единомышленников. Он по­бедил в конкурсе и получил заказ на проектирование здания Центросою­за (Центрального союза потребительских обществ СССР). Это был его первый реализованный проект боль­шого общественного сооружения. Здание, выходящее на параллельные транспортные магистрали, имеет два различных фасада. Ле Корбюзье тон­ко обыгрывает сочетание тёплых по тону шероховатых поверхностей, об­лицованных фиолетово-розовым туфом, и стеклянной «навесной стены». На этом гигантском «экране» отража­ется ежеминутно меняющаяся карти­на московского неба, разрушая впечатление сухого геометризма и делая здание одним из самых поэтических про изведений функциональной ар­хитекrypы.

Вскоре архитектор выcтyпил про­тив рационального производства и им же самим провозглашённого ло­зунга «Дом — это машина для жилья». В свои работы он стал вводить формы, характерные для традиционного народного жилища, тонко учитывая окружающую приро­ду. Впервые такая стилистика прояви­лась в 1930 г. — в доме из дерева и камня с наклонной кровлей, предна­значенном для уединённого участка (дом Эррасурис в Чили). В подобных постройках Ле Корбюзье стремился прежде всего к образной выразитель­ности. Функционалисты возмущённо называли этот новый язык мастера «искусством для искусства».

Во время Второй мировой войны мастер, уехав вне оккупированную зону Франции, посвятил себя жи­вописи и теоретическим исследова­ниям.

Многие годы Ле Корбюзье зани­мался исследованием пропорций. Эта работа завершилась в 1945 г. изо­бретением модулора — универсаль­ного измерительного масштаба, основанного на средних размерах человеческого тела и на «золотом ряду» (в котором каждое последую­щее число равняется сумме двух предьщущих). В соответ­ствии с модулором были рассчитаны пропорции большого жилого дома в Марселе (1947-1952 гг.). Дом, под­нятый на столбы-опоры, включал триста тридцать семь двухэтажных квартир, магазины, отели, крышу­ палубу с садом, беговую дорожку, бассейн, детский сад, спортзал.

После войны каждая возведённая постройка Ле Корбюзье станови­лась художественным открытием. Такими были капелла в Роншане (1950-1955 гг.), монастырь Ля-Ту­ретт близ Лиона (1957-1959 гг.), здание Национального музея запад­ного искусства в Токио (1956­–1959 гг.), Центр искусств в Кембрид­же, США (1961-1964 гг.).

Деятельность Ле Корбюзье зани­мает исключительное место в разви­тии архитектуры XX столетия. О нём спорили при жизни и после смерти.

Его называли самым великим и самым нелюбимым зодчим века. И он с горечью и достоинсгвом признавал за своим искусством способность вызывать «в одних случаях гнев, в других — энтузиазм». Зодчий, жи­вописец, скульптор, дизайнер, бле­стящий публицист и теоретик, он смотрел на современность словно из будущего.

Живопись. В живописи получи распространение следующие направления: фовизм, кубизм, экспрессионизм, футуризм, абстракционизм, дадаизм, сюрреализм, риджинализм и кинетическое искусство.

Фовизм (от фр. favue — «дикий») — течение во французской живописи начала XX в., для которого характерно предельно интенсивное звучание открытых цветов, сопоставление контрастных окрашенных плоскостей, заключенных в обобщенный контур, сведение формы к простым очертаниям при отказе от светотеневой моделировки и линейной перспективе. Представители: А. Матисс, Вламинк, Ж. Руо и др.

Анри Матисс (1869–1954) оттачивал своё искусство, копируя работы старых мастеров. Уличные зарисовки Матисса, сделанные быстро и точно, воспитали в нём умение упрощать линию.

Портрет жены художника («Зеленая полоска», 1905 г.) поразил современников невиданными ранее резкими сочетаниями цветов — синего, красного и зелёного, — смелым построением форм. Смелость цветовых решений отличает и множество небольших пейзажей, которые художник привозил из своих поездок к морю. Первое крупное декоративное панно «Радость жизни» (1905–1906 гг.), созданное на тему поэмы Стефана Малларме «Послеполуденный отдых фавна», — это изображение райской идиллии на фоне цветущей природы. Здесь впервые пластика тел подверглась выразительным искажениям.

Матисс окончательно отказался от смешения цветов, светотени и мелких деталей — ничто не должно было снижать звучность краски. Другим выразительным средством в его картинах стала точно отработанная линия. Кажущаяся лёгкость, детская простота изображения добывались упорным, напряжённым трудом. Работая с моделью или с натурой, мастер стремился создать на полотне максимально обобщённый образ, который передавал бы самую сущность формы, её «знак», будь то рука, глаз или цветок.

О живописи Матисса говорят, что она музыкальна. То же можно сказать и о графике. Его рисунки пером просты и изысканны. Подчас мастеру достаточно тонкого беглого контура, чтобы изображение обрело жизнь, «зазвучало».

Работы Матисса: «Танец» (1910 г.), «Музыка» (1910 г.), «Красные рыбки» (1911 г.), «Марокканка» (1912 г.), «Натюрморт с раковиной» (1940 г.).

В конце жизни Матиссу посчастливилось осуществить давнюю мечту о синтезе искусств: в 1951 г. была освящена Капелла чёток в городе Вансе (близ Ниццы), над которой он работал как архитектор, художник, витражист, мастер по металлу и керамист.

Морис де Вламинк (1876–1958) не получил систематического художественного образования. Его пейзажи динамичны по форме и ярки по колориту. Работая в «классической» фовистской манере, он почти не смешивая красок, писал то геометрически правильными, широкими раздельными мазками, то ван-гоговскими крутыми завитками — «Баржи на Сене» (ок. 1906 г.), «Красные крыши».

Написанный в 1906 г. «Цирк» отличает сведённое к элементарным геометрическим формам изображение цирка шапито и окружающих его зданий. Полотно написано стремительными широкими мазками синего, оранжевого и розового цвета. Добиваясь особой выразительности и эмоциональной напряжённости образа, Вламинк как истинный фовист жертвует законами перспективы. С течением времени творчество Вламинка всё более отчётливо вдохновляется реалистическими традициями, отвергавшимися художником в молодости. Вламинк писал также портреты, натюрморты, работал в области станковой и книжной графики.

Примитивизм или наивное искусство — направление в изобразительном искусстве конца XIX–XX вв.: программное, сознательное упрощение художественных образов и выразительных средств. Представитель: А. Руссо.

Анри Руссо (1844–1910) был служащим канцелярии парижской таможни, а на досуге занимался живописью. Выйдя в отставку в 1893 г., он целиком посвятил себя искусству. Его первые работы «Итальянский танец» и «Заход солнца» были выставлены в Салоне на Елисейских Полях. По мнению Руссо, участие в Салоне Независимых давало ему право называть себя художником.

«Автопортрет» (1890 г.) входит в число картин, которые Руссо называл «портреты-пейзажи». Здесь на равных существуют уголок Парижа с мостом через Сену, Эйфелева башня вдалеке и исполненная достоинства фигура художника с кистью в одной руке и с палитрой в другой, увенчанная артистическим беретом.

В картине «В тропическом лесу. Нападение тигра на быка» (1908 г.) художник погружается в зачарованный мир тропического леса. Каждый лист, каждая ветка тщательно выписаны. Огромные желтые и красные цветы тянутся к небу. В центре композиции тигр вцепился в загривок буйвола, а тот стремится поддеть его на рога. Подобные пейзажи Руссо отчасти копировал с фотографий, отчасти придумывал. Но он настолько верил собственному воображению, что, по его словам, очень боялся своих диковинных хищников, охотящихся в джунглях.

Руссо написал картины «Бедный бес. После пира», «Завтрак на траве», «Тигр преследует путешественников», «Война», «Спящая цыганка», и сделал примерно двести рисунков пером и карандашом и большое число видов Парижа и окрестностей. В творчестве живописца нетрудно выделить излюбленные темы: портреты, сцены повседневной жизни и виды Парижа, натюрморты с букетами цветов, а также экзотические пейзажи.

Экспрессионизм (от лат. «выражение») — течение в литературе и искусстве XX в., особенно ярко проявившееся в Германии и Австрии, провозглашавшее единой реальностью субъективный духовный мир человека, а его выражение — главной целью искусства. Для экспрессионизма характерно грубая выразительность, искажение формы и цвета.

Представителиэкспрессионизма: Э.Л. Кирхнер, Ф. Блейль, Э. Хеккель, К. Шмидт-Роутлуфф, создавшие объединение «Мост»; Э Нольде, Ф. Купка, Э. Шиле, Ф. Марк. Первая выставка «Моста» состоялась в 1906 г. в помещении завода осветительной аппаратуры. И эта и последующие выставки мало интересовали публику.

Работы Эрнста Людвига Кирхнера: «Красная башня в Хале» (1915 г.), «Улица» (1908–1919 гг.). Работы Эмиля Нольде: «Христос среди детей» (1910 г.), «Мельница на севере» (1932 г.). Работы Франца Марка: «Судьба животных» (1913 г.), «Синяя лошадь» (1913 г.).

Парижская школа — не направление, не метод и не стиль. Так называют многочисленную группу художников со всех концов света, устремившихся в Париж в начале XX в. Именно Париж помог каждому из них обрести творческое лицо. Творчество П. Мондриана, Д. Риверы, Х.Грис, О. Цадкин, А. Модильяни и многих других представителей парижской школы составляет золотые страницы истории искусства.

Амедео Модильяни (1884–1920) — итальянский живописец и скульптор. Прошёл обучение в Академии художеств во Флоренции. Как живописец Модильяни испытал влияние творчества Тулуз-Лотрека, Сезанна, Пикассо, прошёл период сильного увлечения кубизмом. Особенно интересные и неожиданные нюансы вносит в творчество художника увлечение искусством Востока, в частности африканской пластикой. Главной темой Модильяни было изображение обнажённой женской фигуры.

Одна из самых ранних работ художника — картина «Обнажённая» (1916 г.). Удлинённые угловатые линии тела и почти скульптурная выразительность лица модели типичны для всех картин Модильяни. Среди известных произведений художника в жанре ню — «Обнажённая на белой подушке» (1917 г.), «Сидящая обнажённая» (1918 г.), «Альмаиза на софе» (1916 г.).

Модильяни — мастер обобщённых силуэтов, плоскостно трактованных форм. Более сдержанной и созерцательной является и его образная гамма. В своих, как правило, однофигурных, картинах — портретах и обнажённой натуре — Модильяни создавал особый мир образов, интимно-индивидуальных и вместе с тем схожих между собою общностью настроения, которое нередко определяется как меланхолическая самоуглубленность. В числе наиболее выдающихся произведений — серия портретов его возлюбленной, Жанны Эбютерн («Портрет Жанны Эбютерн в широкой шляпе», «Жанна Эбютерн в жёлтом свитере»). На портретах Жанна выглядит нежной и ранимой.

Кубизм — течение в изобразительном искусстве XX в., возникшее во Франции. Особенности: отказ от передачи атмосферы, света, трехмерной перспективы, объект изображался с нескольких точек зрения. Представители: Ж. Брак П. Пикассо, Ф. Леже, Х. Грис, Р. Делоне и др.

Жорж Брак (1882–1963) — французский художник, график, скульптор и декоратор; вместе с Пикассо является создателем кубизма.

Летом 1908 г. Брак создал серию новаторских пейзажей, при работе над которыми он следовал призыву Сезанна: «Изображайте природу в формах цилиндров, сфер и конусов». Эти пейзажи не были приняты Осенним Салоном. Анри Матисс сказал, что они составлены из кубиков, отсюда и произошло слово «кубизм».

В 1908–1914 гг. Брак и Пикассо работали в тесном сотрудничестве, развивая принципы нового художественного направления. Сначала они аналитически разрушали привычные образы предметов, словно «разбирая» их на отдельные формы и пространственные структуры, большие, цельные объемы теперь распадались на множество мелких. Эта стадия развития кубизма получила название аналитического кубизма. В 1912 г. они начали работать в технике коллажа и аппликации и увлеклись обратным процессом — синтезированием объектов из разнородных элементов. Значительным вкладом Брака в творческий процесс стало использование надписей и различных декоративных техник.

В 1920-е гг. элементы кубизма постепенно исчезают из произведений Брака, он использует больше изобразительных мотивов. Общественное признание пришло к нему в 1922 г. после выставки, на которой художник представил серии картин, написанных в богатой живописной манере: Камины, Столы и Канефоры (девушки, несущие корзины с жертвенной утварью).

Работы Брака: «Дома в Эстаке» (1906 г.), «Натюрморт со скрипкой и кувшином» (1910 г.), «Композиция с трефовым тузом» (1913 г.).

В конце жизни Жорж Брак предлагает влиятельному и известному ювелиру и шлифовщику драгоценных камней Эгеру де Левенфельду создавать украшения, фарфор и декоративные ткани с использованием излюбленных мотивов собственного живописного творчества. Эксклюзивные украшения «от Жоржа Брака» имели огромный успех у мирового бомонда. Брак создал много рисунков, гравюр и скульптурных произведений, но главное место в его творчестве занимала живопись.

Пабло Пикассо (1881–1973) — французский художник, испанец по происхождению. Скульптор, график, живописец, керамист и дизайнер, наиболее знаменитый, многогранный и плодотворный среди современников.

1900–1904 гг. — «голубой период». Объектами его творчества были бедняки, изгои общества. Преобладающее настроение этих картин — слегка сентиментальная меланхолия, выраженная сумрачными холодными эфирными оттенками голубого и зелёного. Работы этого периода: «Завтрак слепого», «Нищий старик с мальчиком», «Двое» и др. Главное средство выразительности в работах Пикассо «голубого периода» — линия. Монохромность картин лишь подчеркивает напряженную силу замкнутого контура.

1905– 1907 гг. — «розовый период»: художник отдавал предпочтение розово-золотистому и розово-серому тонам, а персонажами были странствующие комедианты, танцовщики и акробаты, которых художник изображал на фоне странных пустынных ландшафтов. Картины этого периода проникнуты духом трагического одиночества обездоленных. В конце этого периода у Пикассо появились картины, навеянные античной классикой — с обнаженными юношами, ведущими и купающими лошадей («Мальчик с лошадью» (1905–1906 гг.), «Водопой» (1906 г.)), с обнаженными девушками. В этот период написана знаменитая «Девочка на шаре» (1905 г.).

От экспериментов с цветом и передачи настроения он обратился к анализу формы. Полотно «Авиньонские девицы» (1907 г.) вызвало громкий скандал. С тех пор ведется отсчет истории кубизма. В третий кубический период своего творчества – период синтетического кубизма – помимо картин Пикассо создал серию коллажей. Обрывки газет, визитные карточки, табачные обертки, «вмонтированные» в картины, в его руках становились эффективным художественным средством. Парадоксально и неожиданно сочетал он реальные предметы с красочной поверхностью — «Мандалина и клорнет» (1914 г.).

Начиная с 1925 г. Пикассо создаёт выразительные работы, написанные в резкой, неистовой манере. Кульминацией стала самая известная живописная работа художника — «Герника» (1937 г.), отразившая ужас и мерзость войны. Это громадное полотно (почти 8 м в длину и 3,5 м в высоту) пронизано насилием. Из всего многообразия цветов художник использовал только белый, черный и серый. В мозаике фрагментов выделяются фигуры бегущей женщины, раненой лошади, погибшего воина, матери, рыдающей над бездыханным телом малютки. При символичности и иносказательности, при кажущейся незавершенности отдельных деталей картина выглядит потрясающе достоверно.

Скульптурные произведения Пикассо свидетельствуют о мощи его незаурядной фантазии, а как график (рисовальщик, офортист, литограф, линогравёр и дизайнер в дягилевских «Русских сезонах») он считается одним из великих художников XX в.

Фернан Леже (1881–1955) — французский художник. Леже получил двухлетнее архитектурное образование, позднее был вольным слушателем Школы изящных искусств в Париже. Вместе с Браком и Пикассо Леже сыграл важную роль в формировании и распространении кубизма. Участие Леже в первой мировой войне повлияло на стиль его последующих работ.

Его ранние картины — «Обнаженные в лесу», «Сидящая женщина».

В своих полотнах он стал использовать много технократических символов, изображая свои объекты и людей в урбанистических, техногенных формах. «Город» — одна из его наиболее примечательных картин в этом плане.

Работы Леже оказали немаловажное влияние на формирование неопластицизма в Нидерландах и конструктивизма в Советском Союзе.

В середине ХХ в. Леже имел успех и как художник декоративно-прикладного искусства, и как скульптор. Создавая мозаику, керамику и гобелены, он также использовал принципы конструктивизма.

В своих последних картинах Леже использовал выделение и наложение монохромного цвета в композиции. Цвет накладывался на изображение, формируя новую композицию, гармонично связывая слои живописи в картине. «Большой Парад», одна из его последних картин — монументальный пример этого оригинального стиля.

Абстракционизм (от лат. «отвлеченный») — общее название ряда течений в изобразительном искусстве XX в., отказавшихся от понимания искусства как подражания природе, воспроизведения форм действительности. Представители: Малевич и Кандинский.

Казимир Малевич (1878–1935) не получил систематического художественного образования.

Период раннего импрессионизма Малевича увенчался несколькими полотнами: «Весенний пейзаж», «Цветочница». Гуаши рубежа десятилетий (1909–1911 гг.) энергичные, экспрессивные, с упругой контурной обводкой и мощной цветовой лепкой уплощенных объемов.

На московской выставке, получившей шокирующее название «Ослиный хвост» (март-апрель 1912 г.), Малевич экспонировал более двух десятков работ; большинство из них сохранились. Для «Аргентинской польки» и прочих работ вдохновлявшими образцами были произведения фольклорного искусства. Все картины были сюжетно-бытовыми.

На полотнах первой крестьянской серии — «Жница», «Уборка ржи» и др. — хорошо виден решительный перелом в искусстве Малевича. Фигуры крестьян, занятых насущными заботами, распространены на все поле картины, они примитивистски упрощены, преднамеренно укрупнены и деформированы для большей выразительности, иконописны по звучанию цвета и строго выдержанной плоскостности. Картина «Точильщик» (1912 г.) в перспективе времени превратилась в классическое полотно русского кубофутуризма.

«Черный супрематический квадрат» (1914–1915 гг.), ставший высокой классикой XX в., словно вобрал в себя все формы и все краски мира, сведя их к пластической формуле, где доминируют полюсность черного (полное отсутствие цвета и света) и белого (одновременное присутствие всех цветов и света). Подчеркнуто простая геометрическая форма-знак, не увязанная ни ассоциативно, ни пластически, ни идейно с каким-либо образом, предметом, понятием, уже существовавшими в мире до нее, свидетельствовала об абсолютной свободе ее создателя. Черный квадрат знаменовал чистый акт творения, осуществленный художником-демиургом.

«Супрематизмом» называл Малевич свое искусство, которое считал ступенью в истории всемирного художественного творчества.

Полотно «Девушки в поле» отмечено новым термином — «супранатурализм». Малевич сочинил новый термин, объединив две дефиниции, «супрематизм» и «натурализм», он уже терминологическим определением хотел внушить мысль о сращении геометрического, абстрактного начала и фигуративно-изобразительного. Одной из наиболее заметных черт его постсупрематической живописи стала безликость людей; вместо лиц и голов их корпуса увенчаны красными, черными, белыми овалами.

Долгое время «Красная конница» была единственной работой опального художника, признанной официальной историей советского искусства.

Творчество Василия Васильевича Кандинского (1866–1944) — уникальное явление русского и европейского искусства. Именно он создал первые абстрактные картины.

Закончив учебу, тридцатипятилетний художник основал ассоциацию художников-авангардистов, названную им «Фалангой». В 1911 г. Кандинский вместе с художником Францем Марком, организовал группу «Синий всадник». По словам самого художника, «акцент делался на выявлении ассоциативных свойств цвета, линии и композиции». В 1912 г. в Берлине у Кандинского состоялась первая персональная выставка. Публика не приняла работы художника, чем повергла его в глубокое уныние. Весной 1918 г. он стал работать в Наркомате просвещения, возглавив секцию театра и кино. Тогда же Кандинский организовал Институт художественной культуры. При этом он продолжал писать — впрочем, временами его заставляла это делать элементарная нужда.

Между 1926 и 1933 гг. он написал 259 картин маслом, 300 акварелей и ряд работ, исполненных в другой технике. Но ни одна картинная галерея не проявляла интереса к его произведениям.

Работы Кандинского: «Дома в Мурнау на Обермаркте» (1908 г.), «Импровизация Кламм» (1914 г.), «Композиция VI» (1913 г.), «Доминирующая кривая» (1936 г.) и др.

Абстрактный экспрессионизм (нью-йоркская школа) сформировался на Американском континенте. С началом Второй мировой войны в США эмигрировали многие звезды европейского авангарда (П. Мондриан, М. Эрнест, С. Дали и др.), что не могло не отразиться на общей художественной обстановке. Один из характерных признаков абстрактного экспрессионизма — крупный масштаб работ (некоторые холсты более 5 м в длину). Представители абстрактного экспрессионизма: А. Горки, Б. Ньюман, Д. Поллок, М. Ротко.

Джексон Поллок (1912–1956) очень смело использовал метод спонтанного автоматизма. Он отказался от подрамников и расстилая холст на полу, беспорядочно набрызгивал на него краску из тюбиков или банок. Такую технику назвали дриппинг, т.е. «капающий». Дриппинг стал одним из методов живописи действия, которая отвергала традиционно окрашенную поверхность картины. Краска появлялась на полотне или на бумаге как след свободного действия, произвольного движения руки.

Однако в полотнах Поллока, как бы ни были они густо «заляпаны», чувствуется забота о декоративном распределении красок, о сочетаемости пятен, а значит, контроль со стороны автора, сознательность построения композиции — «Без названия» (ок. 1945 г.).

Сюрреализм (от фр. «сверхреализм») — направление в искусстве XX в., провозгласившее источником искусства сферу подсознания (инстинкты, сновидения, галлюцинации), а его методом — разрыв логических связей, замененных субъективными ассоциациями. Представитель: С. Дали.

Сальвадор Дали (1904–1989) — превосходный рисовальщик и живописец, Дали создавал похожие на кошмарные видения образы, которые сам называл «рисованными снимками сновидений». В 1920–1925 гг. он писал в духе академизма, голландского и испанского реализма, футуризма, кубизма и кубизирующего реализма послевоенного времени — «Девушка у окна» (1925 г.).

Приехав в Париж в 1927 г., Дали присоединяется к группе сюрреалистов, разрабатывавшей идеи, близкие его собственным. На первых сюрреалистических полотнах Дали на фоне пустынного ландшафта возникали фантастические видения, растекающиеся или разрушающиеся формы которых выписаны художником не как туманные миражи, а абсолютно четко.

Каждая картина становилась своеобразным интеллектуальным ребусом. На одном из самых известных полотен XX в. — «Постоянство памяти» (1931 г.) — мягкие, словно расплавленные циферблаты часов свисают с голой ветки оливы, с непонятного происхождения кубической плиты, с некоего существа, похожего и на лицо, и на улитку без раковины. Каждую деталь можно рассматривать самостоятельно, а все вместе они создают магически загадочную картину.

В работах Дали прочитывается четкость и абсолютная продуманность композиционного и колористического строя. Совмещение реальности и бредовой фантазии как бы конструировалось, а не рождалось вдруг, по воле случая. Дали взял идеи сюрреализма и довел их до крайности.

Работы Дали: «Частичная галлюцинация: шесть портретов Ленина на фортепьяно» (1931 г.), «Мягкая конструкция с вареными бобами: предчувствие гражданской войны в Испании» (1936 г.), «Пылающий жираф» (1936 г.), «Сон, вызванный полетом пчелы вокруг граната, за секунду до пробуждения» (1944 г.), «Атомная Леда» (1949 г.) и др.

Футуризм(от лат «будущее») — литературно-художественное направление начала XX в. в Италии и России. Футуристы с презрением отвергали прошлое, традиционную культуру во всех ее проявлениях и воспевали будущее — наступающую эпоху индустриализма, техники, высоких скоростей и темпов жизни.

Для живописи футуризма характерны «энергетические» композиции с раздробленными на фрагменты фигурами, в ней преобладают вертящиеся, мелькающие, взрывоподобные зигзаги, спирали, эллипсы, воронки. Один из основных принципов футуристической картины — одновременность, т. е. совмещение в одной композиции разных моментов движения. Представители футуризма: Ф. Маринетти, У. Боччони, Д. Балла, К. Кара и др.

Филиппо Маринетти (1876–1944) считается основателем футуризма. Умбрето Боччони (1882–1916) написал «Упругость» (1912 г.), «Атака улан» (1915 г.).

Дадаизм —литературно-художественное направление возникшее во время Первой мировой войны. Движение было откровенно нигилистическим, не столь направлением в искусстве, сколько интеллектуальным бунтом, что нашло выражение главным образом в различных акциях, мистифицирующих публику и провоцирующих ее на ответную реакцию возмущения. Дадаисты отвергали планомерное построение произведений искусства, канонизировали случайность, прибегали к приемам пародии на творчество и разрушения художественной формы. Представители дадаизма: Х. Балль, Р. Хюльзенбек, Х. Арп, С. Тауберг. Основателем считается Тристан Тцара.

Риджинализм — направление в живописи, выступающее за возвращение к реальности. Это течение сложилось в период глубокой депрессии после кризиса 1929–1933 гг. Этот кризис с наибольшей силой поразил Америку и Германию. В странах была разруха и безработица, а народ был разочарован в успехах и возможностях капиталистической системы. Следствием этого же был и подъем народного протеста. Самыми яркими представителями американского риджионализма были: Х.Бентон, Дж.С.Керри, Г.Вуд. В своем творчестве они пытались найти синтетический стиль здоровой Америки. В основе живописи риджиналистов лежит капитуляция реализма перед мертвой догмой. Характерной чертой их работ является их двухсмысленный и фальшивый тон. Они стремятся искусственно восстановить сомнительную идиллию сельской жизни, идеализируют провинциальную среду, пытаются вдохнуть в этот мир искусственную жизнь. Их искусство лишено подлинной радости. В нем даже присутствует уродливый экспрессионизм, превращающий людей и животных в карикатуры. Таким образом, стиль риджиналистов — это жестокая идеализация.

Кинетическое искусство(от греч. «приводящий в движение») — весьма характерное проявление духовной жизни «века скоростей». Оно возникло в 20-х гг. в прямой связи с творчеством футуристов и конструктивистов. Родоначальниками кинетизма принято считать Наума Габо и Ласло Мохой-Надя.

В 30-х гг. американский скульптор Александр Колднр ввел в обиход мобили — легкие подвесные конструкции, приходящие в движение при малейшем колебании воздуха. Начиная с 1953 г. швейцарец Жан Тенгие создавал кинетические композиции с элементами хэппенинга: конструкции меняют форму и разрушаются на глазах у публики. Начиная с 60-х гг. Нам Чжун Пак и др. художники стали использовать видео-арт. Это практика манипуляций с изображением на телеэкране путем создания искусственных помех. Новой стихией современного искусства стала компьютерная техника, применяемая с 50-х гг. в мультипликации, архитектурном и музыкальном творчестве.