Искусство второй половины XIX в.

Для Европы вторая половина XIX в. — время активных социальных преобразований и быстрого развития промышленности. Люди искусства стремились уловить и передать в своем творчестве образы нового времени. Рушились художественные принципы, рожденные прошедшими веками, отметались старые сюжеты. Законодательницей мод и стиля жизни оставалась Франция. Она сохраняла первенство и в искусстве. Раз в несколько лет в европейских столицах устраивались всемирные промышленные выставки, где демонстрировались технические достижения.

Архитектура.Старые города Европы росли и перестраивались. Застройка становилась плотнее, дома поднимались ввысь. Появилась новая форма жилого дома — доходный дом. В архитектуре установился эклектизм — архитектурная практика, основанная на воспроизведении конструктивных и декоративных форм различных стилей. В это время построены: Эйфелева башня (1889 г.), театр Гранд-Опера в Париже (1861–1875 гг.),в Париже перестраивались целые кварталы.

Скульптура.В области скульптуры во второй половине XIX в. работал Роден.

Огюст Роден(1840–1917) — французский скульптор, график. Первая крупная работа — «Человек со сломанным носом» (1864 г.), была отвергнута Салоном за слишком реалистичную манеру работы. Скульптура «Побежденный» (1876–1877 гг.) сделана под влиянием работ Микеланджело, позже переделана в «Бронзовый век». После Салона 1878 г. к Родену пришла известность, появились заказы и мастерская. Был признан творческий стиль скульптора — преклонение перед человеческим телом, понимание, что его формы способны выразить любую идею, настроение и состояние. Работы Родена — «Иоанн Креститель» (1878 г.), «Мыслитель» (1880 г.), «Поцелуй» (1886 г.), «Врата Ада» (1880–1917 гг.), «Граждане Кале» (1884–1888 гг.). Создал большое количество портретных бюстов — «Памятник Оноре де Бальзаку» (1897 г.).

Живопись.Французские мастера стремились достичь наибольшей достоверности в изображении природы и человека, искали новые художественные приемы, способные правдиво отразить действительность. Ведущим принципом в искусстве этого периода стал реализм, в последней трети XIX в. — импрессионизм.

Живопись французского реализма.Представители — Коро, Домье, Руссо, Милле, Курбе.

Жан Батист Камиль Коро (1769–1875) — французский живописец. Коро начинает работать на пленэре, создавая пейзажи окрестностей Парижа.

В 1820–40 гг. Коро создает жизненно-непосредственные и поэтичные пейзажи итальянской («Утро Венеции», «Вид Колизея») и французской природы («Шартрский собор», 1830 г.). Они отличаются четкой скульптурностью форм, строгим светлым колоритом, насыщенностью прозрачным воздухом и ярким солнечным светом. Иногда он объединяет пейзаж с библейскими, мифологическими, историческими сюжетами — «Гомер и пастухи». Большинство поздних пейзажей Коро созданы по памяти, изредка художник пишет с натуры — «Церковь в Марисселе», «Улица в Дарданьи».

В зрелых работах Коро очертания деревьев, зданий, фигур растворяются воздушной дымке, которая окутывает предметы. Художник сократил число красок на своих полотнах и писал, используя множество полутонов — «Порыв ветра» (1864 г.), «Воз сена» (1860-е гг.).

В 1855 г. на Всемирной выставке в Париже Коро была присуждена большая медаль, широкая известность пришла к художнику Салонов в 1865–1867 гг.

Пьер Этьен Теодор Руссо(1812–1867) — французский живописец, относился к барбизонской школе. В 1835 г. Руссо написал «Спуск коров с высокогорных пастбищ Юры», но пейзаж был отвергнут Салоном из-за слишком простого сюжета.

В 1849 г. Руссо выставил в Салоне картину «Аллея в лесу Л’Иль-Адам», изображающую весенний лес. Художник как будто увлекает зрителя в чащу: передний план затемнен, второй залит солнцем и притягивает взгляд. Поверхность картины покрыта мелкими мазками красок разнообразных оттенков, которые словно лепят стволы и листву деревьев, зелень травы.

На пейзаже «Выход из леса Фонтенбло со стороны Броль» огромные деревья образуют темное овальное обрамление сквозь которое виден светлый второй план — в водах болота отражается растительность и бродят коровы. В 1855 г. за эту картину Руссо получил золотую медаль, что означало признание и творческую победу.

Оноре Домье (1808–1879) — французский график, живописец и скульптор. Творчество Домье сложилось на основе наблюдения уличной жизни Парижа и внимательного изучения классического искусства. Создавал карикатуры и шаржи.

Домье бы выдающимся мастером литографии (вид графики, оттиски выполнялись переносом краски под давлением с плоской поверхности камня на бумагу). В произведениях обличал ханжество, лживость, эгоизм, алчность, духовную пустоту правительства — «Законодательное чрево» (1834 г.), «Все мы честные люди, обнимемся» (1834 г.), «Этого можно отпустить на свободу», «Он нам больше не опасен» (1834 г.). Серии: «Парижские типы» (1839–1840 гг.), «Супружеские нравы» (1839–1842 гг.).

Домье создал ряд портретов («Портрет Луи Филиппа»), картин на литературные («Дон Кихот», ок. 1868 г.), религиозные, мифологические сюжеты. В живописи Домье характерно: героическое величие переплетается с гротеском, драма с сатирой, острая характерность образов сочетается со свободой письма, мощью пластической формы и световых контрастов. Огромное наследие Домье (около 4 тыс. литографий, свыше 900 рисунков для гравюр, свыше 700 картин и акварелей, свыше 60 скульптурных работ) — одна из вершин критического реализма в мировом искусстве.

Жан Франсуа Милле(1814–1875) — французский живописец, относился к барбизонской школе. Сначала работал как портретист, но в 1845 г. Милле забросил портрет. На картине «Веяльщик» (1848 г.) он впервые обозначил сельскую тему, ставшую ведущей в его творчестве. Картины о жизни и труде крестьян — «Сеятель», «Человек с мотыгой», «Анжелюс», «Крестьянка, пасущая корову».

Милле получил правительственный заказ на картину «Агарь и Измаил», но, не закончив ее, сменил тему заказа. Так появились знаменитые «Сборщицы колосьев» (1857 г.). На полотне изображены три крестьянки, собирающие оставшиеся после жатвы колоски. На горизонте виднеются золотистые стога пшеницы, нагруженные сеном повозки и крестьяне, собирающие урожай. Всё это создаёт колоритный фон для фигур.

В последние годы жизни Милле работал преимущественно над пейзажами.

Жан Дезире Гюстав Курбе (1819–1877) — французский живописец. Обучался в мастерской Стобена, посещал музеи, копировал работы испанских и голландских мастеров. Курбе был главой федерации художеств во Франции. В своих картинах изображал простых людей и повседневные события.

К 1850-м гг. художник выработал свою реалистическую манеру. У многих она вызывала ярость. В Салон 1850 г. Курбе предложил две картины: «Дробильщики камней» (1849 г.) и «Похороны в Орнане» (1849–1850 гг.), которые подверглись настоящей травле. В 1854 г. он пишет картину «Встреча» («Здравствуйте, господин Курбе»). С мая по сентябрь Курбе жил в Монпелье у своего друга, мецената Альфреда Брюйя. Эта знаменитая картина описывает их встречу на пригородной дороге. Курбе только что высадился из кареты. За плечами художника дорожный мешок. Брюйа сопровождает его камердинер и пес. Голова Курбе высоко поднята, лицо выражает искреннюю радость. Также непринуждённо держит себя и Брюйа.

В 1855 г. его картины были не приняты на Всемирную выставку. В ответ на это художник рядом с официальным французским павильоном изящных искусств организовал частную выставку своих работ в павильоне, названном им «Павильон реализма». Курбе с успехом выставлялся в Лондоне, Антверпене, Амстердаме, Брюсселе и Гааге. Самым триумфальным выдался для него 1869 г., когда бельгийский король Леопольд II наградил его золотой медалью, а баварский король Людвиг II — орденом св. Михаила.

Живопись французских импрессионистов.Конец последней трети XIX – начала ХХ вв. ознаменовал себя совершенно новым направлением в искусстве — импрессионизмом. Следуя этому направлению, художники изображают впечатление от увиденного ими. Художники по-новому подошли к изображению мира. Они стремились разглядеть и показать многообразие цвета в природе. Для этого они разложили цвет на весь спектр, стараясь писать чистым цветом, не смешивая его на палитре и используя оптическое восприятие глаза, сливающего на определенном расстоянии отдельные мазки в общий живописный образ. Они хотели быть максимально приближенными к тому, как тот или иной предмет видит человек в натуре на пленере, а человек видит его всегда во всем сложном взаимодействии со световоздушной средой.

Название «импрессионизм» употребляется с 1860 г., когда некоторые французские художники стали подчеркивать слово impression (впечатление) в названиях своих картин. Э. Мане, О. Ренуар, Э. Дега внесли в искусство свежесть и непосредственность восприятия жизни, изображение мгновенных, случайных движений и ситуаций, кажущуюся неуравновешенность, фрагментарность композиции, неожиданные точки зрения, ракурсы, срезы фигур.

Первая выставка работ импрессионистов состоялась в 1874 г., вторая — в 1876. В одном зале были выставлены Моне, Ренуар, Сислей; Дега и Писсарро — в другом. Ренуар и Сислей не участвовали в четвертой выставке импрессионистов. В это время меняется название объединения: вместо импрессионизма возвращается термин «независимые». Раскол в стане импрессионистов привел к тому, что на пятой и шестой выставках в 1880 и 1881 гг. не были представлены работы Моне, Ренуара и Сислея. Организовывал выставки Дега. В Салон на тот момент был принят только Ренуар.

В 1882 г. была организована наиболее полная выставка импрессионистов. На ней было представлено 35 работ Моне, 25 — Писсарро, 25 — Ренуара, 17 — Сислея. Картины различных художников оказались удивительно похожими — это был последний яркий всплеск направления. Отдельные участники, которого впитали лучшие достижения друг друга.

Наконец, в 1886 г. состоялась восьмая выставка, последняя, — но первая, которая имела успех. Прошло много лет, некоторых из художников-импрессионистов уже не было в живых, когда их искусство было признано.

Эдуард Мане(1832–1883) — французский живописец, родоначальник импрессионизма в живописи. Он стал писать фигуры часто совсем без теней, в тонах дневного рассеянного света. Мане отличало от импрессионистов то, что он не отказался от широкого мазка, а главное, от обобщенной реалистической характеристики и сохранил синтетичность формы и цельность передаваемых характеров, что он никогда не разлагал, не растворял предметы в световоздушной среде. Он лепил форму широким мазком, мощным живописным пятном, ввел понятие»белый» цвет. Создавал произведения на бытовые, исторические, революционные темы.

Первое значительное произведение — картина «Любитель абсента» (1858-1859 гг.), в которой в традиции живописи Веласкеса представлен деклассированный пропойца — наследник романтических бродяг. К серий на «испанские» темы относится картина «Музыка в Тюильри» (1860 г.) — образ нарядно одетой толпы в оболочке бытового жанра.

В 1863 г. Мане пишет картину «Олимпия». В представленном здесь образе обнаженной женщины на ложе (Викторина Меран), напоминающем во многом традиции жанра у Джорджоне, Тициана, Веласкеса, Гойи и Энгра, присутствуют и приметы нового времени — черты марионетки и фетиша.

В 1868 г. был написан «Портрет Эмиля Золя»: писатель, занятый проблемами современного искусства предстает перед зрителем окруженный многочисленными предметами — японскими гравюрами, репродукциями с картин, бумагами и книгами.

Синтезом предшествующих художественных исканий Мане явилась картина «Бар в Фоли-Бержер» (1881–1882 гг.). Всю трепетность жизни, схваченной как бы в одно мгновение, художнику удается передать благодаря тому, что зритель видит зал как отражение в зеркале. Отсюда ощущение зыбкости и мерцания, образ мира почти ирреального. Но даже в этом произведении Мане не теряет цельности характеристики, не лишает предметов их вещественности, материальности. Скучающая барменша на фоне огромного зеркала, в котором отражается зал с посетителями и полуфигура пытающегося с ней заговорить клиента, кажется одинокой среди великолепия разноцветных бутылок с яркими наклейками и с цветной фольгой на горлышках, цветов в бокале и фруктов в хрустальной вазе. Тема «выключенности» человека из среды тут остается главной.

К работам Мане относятся: «Завтрак на траве» (1863 г.), «Завтрак в мастерской» (1868 г.), «Флейтист» (1866 г.), «Балкон» (1868 г.). Его картина «Вокзал» или «Железная дорога» считается началом импрессионизма.

Клод Моне (1840–1926) — французский живописец-импрессионист. Его работы — тонкие по колориту, напоенные светом и воздухом, пейзажи. Мир Моне с его предметами, растворяемыми в световоздушной среде, постепенно лишается материальности и превращается в гармонию цветовых пятен. Моне десятки раз пишет один и тот же мотив, т. к. его интересуют эффекты освящения различного времени суток. Именно Моне первый изгнал из своей палитры черный цвет, считая, что такого нет в природе и что даже тени в действительности цветные. Чтобы воссоздать жизнь в ее непрестанных изменениях, художник делает на пленэре не только этюды, но и завершая картины.

Моне начинает работать рельефным мазком. Композицию художник сознательно строит таким образом, чтобы картина производила впечатление случайно выхваченного фрагмента из потока жизни — «Бульвар Капуцинок» (1873 г.).

Моне создает серии, запечатлевая один и тот же мотив, в разное время дня: «Руанский собор в полдень» (1894 г.); «Руанский собор вечером» (1894 г.); контуры предметов, объемы начинают растворяться в световоздушной среде. Добиваясь чистоты и звучности цвета, Моне избегает смешивать краски на палитре; чтобы передать нужный ему тон зеленой листвы, художник кладет рядом мазки желтого и синего, на расстоянии они сливаются, «смешиваются» в глазу зрителя, и листья кажутся зелеными и словно трепещущими на ветру — «Стог сена» (ок. 1886 г.).

Работы Клода Моне: «Впечатление. Восход солнца», «Лягушатник», «Поле маков», «Стога», «Тополя», серия из 8 картин «Вокзал Сан-Лазар», «Улица Монторгей. Праздник 30 июня 1878 г.», «Танцовщица».

Эдгар Дега (1834–1917) — французский живописец-импрессионист, график и скульптор. Картины художника отличаются острым, динамичным восприятием современной жизни, со строго выверенной асимметричной композицией, гибким и точным рисунком, неожиданными ракурсами фигур. Мастер пастели.

Дега выставляется на выставках импрессионистов, начиная с первой (1874 г.) и кончая последней (1886 г.). Однако он не все принимает в их методе. Работа под открытым небом не привлекает его: он делает на пленэре наброски, но картину предпочитает заканчивать в мастерской. Дега больше волнует жизнь города. Он стремится передать мгновенное, неуловимое движение — отсюда его интерес к миру театра, кулис, балет, цирка, скачкам. Дега никогда не обращался к пейзажу.

Дега умел подметить необычный выразительный жест, найти редкий угол зрения (сверху или сбоку), сообщающий изображению остроту и новизну. При первом взгляде на его полотна кажется, что это случайно увиденный, как бы выхваченный кусок действительности. На самом деле в его полотнах всё тщательно продумано. Этой четкой композицией, а также вниманием к определенности и четкости линий произведения Дега отличаются от работ других импрессионистов. Дега тонкий колорист, его пастели то гармоничные, светлые, то, напротив, построены на резких цветовых контрастах.

Работы Дега: «Абсент», «Балетный класс», «Голубые танцовщицы», «Мисс Ла-Ла в цирке Фернандо». «Серия обнаженных женщин, которые купаются, умываются, вытираются, растираются, причесываются или дают себя причесать».

Камиль Писсарро (1830–1903) — французский художник, признанный «старейшина» импрессионистов, пользовавшийся среди них особым авторитетом.

Его ранняя живопись обнаруживает сильное влияние Г. Курбе, К. Коро. К концу 1860-х гг. его живопись становится чисто импрессионистической. Писсарро — мастер сельского пейзажа, раскрывал поэзию и очарование непритязательных мотивов природы Франции, достигал тонкости в передаче световоздушной среды, выполнял свои картины в мягкой сдержанной гамме.

В его работах появляется новая техника «трикотаж Писсарро». Художник накладывает серии плотных прямых параллельных мазков, иногда скрещивая их, чтобы создать образ сетчатости рисунка.

Он активно экспериментирует с цветом, его мазки становятся еще более дробными. В 1855 г. Писсаро начинает работать в духе пуантилизма или неоимпрессионизма, т. е. окончательно дробит цветовое поле на «точки» (у него это скорее «запятые»), которые должны сливаться в процессе зрительного восприятия. Однако строго пуантиллистских работ у него сравнительно немного, неудовлетворенный этим методом, он возвращается к первозданно-импрессионистической манере.

Писсарро в целом много и плодотворно занимался гравюрой (превзойдя в этом отношении всех прочих импрессионистов). Обращаясь к офорту, литографии и другим, весьма разнообразным техникам, он неизменно сохранял верность своему любимому пейзажному жанру.

Работы Писсарро: «Пейзаж с большими деревьями», «Красные крыши. Деревенский уголок зимой», «Дорога с деревьями», «Бульвар Монмартр в Париже» (1897 г.), серия видов Парижа.

Альфред Сислей (1839–1899) — французский живописец-пейзажист, импрессионист. Испытал влияние Коро.

Писал Сислей тонкими наклонными черточками, похожими на запятые. Наиболее плодотворный творческий период пришелся на начало 1870-х гг., когда он поселился с семьей под Парижем. Лирические, наполненные светом и воздухом пейзажи, мягкие по освещению, написанные в то время, выдержаны в светлой изысканной гамме. Простые по мотивам, они посвящены в основном окрестностям Парижа, природе Иль-де-Франса. В 1884 г. Сислей продолжительное время жил в Англии. В этот период его живописная манера претерпела некоторые изменения, став более свободной. Картины художника только после его смерти обрели признание.

Работы Сислея: «Мост в Аржантее» (1872 г.), «Наводнение в Пор-Марли», «Городок Вильнев-ла-Гаренн», «Деревья на берегу Сены», «Опушка леса».

Огюст Ренуар (1841–1919) — французский живописец-импресионист, график и скульптор. Его светлые и прозрачные по живописи пейзажи, портреты, динамичные бытовые сцены воспевают чувственную красоту и радость бытия.

Жизнерадостное восприятие мира, присущее в целом всему импрессионизму, особенно отчетливо проявилось в творчестве Ренуара. Его привлекали молодые свежие лица, естественные, непринужденные позы. В сделанных им портретах нет психологической глубины, но сходство с оригиналом в них установлено тонко, привлекает живой блеск глаз, нежные отсветы окружающий красочных тонов на коже лица. В отличие от большинства импрессионистов того времени, для него художественный интерес представляли человеческие лица, а не красоты ландшафта. Ренуар любит нежные, пастельные тона, розовые, голубые, нежно-зеленые. В картинах Ренуара много солнца, света, они исполнены дыханием жизни. Композиции Ренуара всегда тщательно обдуманы, в них нет элемента случайности. В его живописной технике также есть своеобразие: он широко употребляет лессировки. Он, как и другие импрессионисты, отказался от тщательного выписывания формы каждого предмета, сосредоточив внимание на передаче этой формы в трепетных бликах того или иного освещения.

Женщины Ренуара одного ярко выраженного типа: у них свежая матовая кожа, розовые щеки, блестящие влажные глаза, легкие волосы с непокорной челкой над низким лбом, пухлые красные губы — тип парижской гризетки второй половины XIX в. Их очарование — в едва уловимых, зыбких оттенках настроения.

В середине восьмидесятых Ренуар разрабатывает более мягкий прием письма, меняются также и сюжеты полотен. Он больше пишет обнаженную женскую натуру, встречаются и мифологические мотивы. Создал много портретов детей.

Ренуар искал свой путь, стремился к точности рисунка и композиционного решения, в выборе сюжета он был свободен. Сюжеты, написанные им на тему театра или цирка, резко отличались от импрессионистов. Он старался передать не психологическую остроту какого-либо трюка или какие-либо сценки на театральных подмостках, а показать обычного зрителя в ожидании праздничного зрелища.

Работы Ренуара: «Ложа», «Танцовщица», «Качели», «Портрет Ж. Самари», «Танец за городом», «Танец в городе», «Зонтики», «Деревенский танец», «Завтрак гребцов», «Девушка в черном» и др. Серия «Мулен де ла Галет»: «Бал на Мулен де ла Галет», «Беседка на Мулен де ла Галет» и т. д.

Живопись французских неоимпрессионистов и постимпрессионистов.Постимпрессионизм (от греч. «неос» — «новый») — течение, связанное с импрессионизмом и развивающее его. Это течение, в духе эпохи рационализма пытавшееся сочетать творческое вдохновение с достижениями науки. Цель неоимпрессионизма — заключить живописную манеру импрессионистов в рамки научного метода, гарантирующего от возможных ошибок. В понятии дивизионизм (от франц. division — «разделение») заключалась суть метода неоимпрессионистов, основанного на законе оптического восприятия. Глаз способен синтезировать нужный цвет, соединяя световые лучи; следовательно, художник может не пытаться смешивать этот цвет на палитре. Он должен просто наносить основные составляющие свет цвета в определенных сочетаниях на полотно. Пуантилизм (от франц. point —«точка») — техника постимпрессионистов. Чистые цвета наносятся отдельными маленькими мазками, похожими на точки.

Главными представителями неоимпрессионистов были Сёра и Синьяк.

Жорж Сера (1859–1891) одна из самых ярких фигур в истории постимпрессионизма. Образованный человек, активно интересующийся научными открытиями в области оптики и цвета и новейшими эстетическими системами. Впитывает в себя опыт как учителей, так и современных художников.

Художник не нуждался ни в линиях, ни в контурах, создавая любую форму или тень с помощью огромного количества точечных мазков. Сера использовал принцип оптического смешивания цветов и тонов цветового круга на палитре два дополнительных цвета накладываются на холст и они «смешиваются» на сетчатке глаза, производя третий цвет — дивизионизм. Для практической реализации этого открытия Сера разработал так называемый пуантилистический мазок — мелкие точки краски. Все это было применено в «Купании в Аньере» (1883–1884 гг.), но не доведено до совершенства.

Идеал Сера можно определить как сплав искусства с наукой. Сера изучил исследовательскую работу Ч. Генри (свойства эмоциональных и экспрессивных качествах различных видов линий и цвета) и применил эту теорию в «Параде» и «Шаю (танце)». Оба произведения стилизованно изображают столь популярные в Париже в 80-е и 90-е гг. концерты в кабаре.

В 1886 г. выставляет картину «Воскресение после полудня на острове Гранд-Жатт» (1884 г.) на последней выставке импрессионистов. Полотно производит сенсацию. Сёра объявляют основатель неоимпрессионизма. Последняя картина Сёра «Цирк» (1890–1891 гг.).

Поль Синьяк (1863–1935) рано начал изучать работы Мане, Дега. И особенно Моне, чья техника оказала на него заметное влияние. Вначале творчества писал виды парижских предместий и сцены из городской жизни, в исполнении которых преобладают энергичные удары кистью и раздельно наложенные мазки. С помощью определённого сочетания тонов добивался эмоционального звучания образов. Главное место среди пейзажных работ Синьяка занимают марины с изображением средиземноморского побережья Франции.

В 1884 г. совместно с другими художниками основал «Общество независимых художников».

В 1887 г. Синьяк побывал в небольшом южном городке Коллиур и написал там серию работ в новой живописной манере, отмеченных сильным влиянием Сёра — «Порт Коллиур» (1887 г.); «Вид Коллиура» (1887 г.). В них художник тонко и удивительно верно передаёт все особенности средиземноморского освещения.

Синьяк всегда стоит на земле и отсюда воспринимает все происходящее, поэтому природа на его полотнах более обыденная, а потому более близкая и знакомая — «Песчаный берег моря» (1890 г.); «Лодки на солнце» (1891 г.); «Сент-Тропез» (1897 г.); «Порт Роттердама» (1907 г.); «Марсельский порт» (1907 г.).

Портретные работы Поля Синьяка не отличаются той искренностью и непосредственностью восприятия, как его пейзажи — «Портрет Фенеона (1890 г.)».

Представителями постимпрессионизма были Сезанн, Гоген, Ван Гог, Тулуз-Лотрек.

Поль Сезанн (1839–1906) свой творческий путь начал с увлечения импрессионизмом. Позже вырабатывает свой собственный метод. Для него важно не запечатлеть мимолетное мгновение или игру света, а выявить подлинные формы предметов в сценах повседневной жизни или пейзажах.

Художественный стиль, созданный Сезанном, ознаменовал собой попытку соединить традиции старых мастеров (отточенная техника) и революционные открытия современной живописи (свежая, яркая манера). Начал как романтик, почти анархист, а пришёл к строгости и самодисциплине.

Культовой фигурой среди молодых художников его делает персональная выставка, устроенная коллекционером Амбруазом Волларом.

Сезанн создавал портреты (мрачны по колориту). Писал хорошо знакомых людей, при крайне неторопливой работе натурщика было найти трудно — «Старуха с четками» (1896 г.), «Автопортрет» (1873–1873 гг.). Работал над пейзажами, его излюбленным местом была гора Сент-Виктуар — «Гора Сан-Виктуар» (1900 г.), «Берега Марны» (1888 г.). На натюрмортах рисовал в основном муляжи, предметы повседневного обихода — «Натюрморт с яблоками и апельсинами» (1895–1900 гг.). Сезанн писал сцены, являющиеся плодом фантазии. Для них характерно необычность, ярость и эротизм; густой слой краски — «Убийство» (1867–1870 гг.).

Поль Гоген (1848–1903) был художником-дилетантом, после встречи с Писсарро начал коллекционировать живопись импрессионистов, а затем стал выставлять собственные произведения на некоторых их выставках.

В 1883 г. Гоген потерял работу и смог полностью отдаться живописи, но без успеха. Он дружил с Писсарро, но не очень ладил с Сезанном.

В 1886 г. впервые посещает Бретань, живописную окраину. Стремясь выработать собственный стиль, отходит от импрессионизма.

Под влиянием Бернара пишет свою первую крупную работу «Видение после проповеди: борьба Иакова с ангелом» (1888 г.). Эта картина сделал Гогена лидером нового движения символизма в живописи.

В 1891 г. переезжает на Таити, где пишет целый ряд своих знаменитых картин. Стиль приобрёл законченную форму: четкие контуры, гармоничное строение и форма предметов. Изображения приобретают монументальность. Прекрасные люди, связанные с природой телом и духом, становятся главными героями картин — «Таитянки» (1892 г.), «Женщина, держащая плод» (1893 г.), «Жена короля» (1896 г.).

Поль Гоген был одним из четырёх величайших мастеров постимпрессионизма. Он впитал уроки импрессионизма, а потом взорвал его изнутри, создав свой неповторимый художественный язык. В работах нет перспективы, но они исполнены внутренним движением. Сознательно отказывается от игры света и тени, столь важной для импрессионистов. Гоген находит себя в цвете, четких фигурах и лаконично выстроенной композиции.

Винсент Ван Гог (1853–1890) — один из величайших художников всех времён, создал все свои шедевры в последние пять лет жизни. Он работал как одержимый до тех пор, пока безумие окончательно не овладело им, и он покончил с собой.

Обучался богословию, был проповедником в бедном шахтерском районе Бельгии. В 1879 г. отстранен от этого занятия за излишнее рвение, находит утешение в рисовании.

В 1885 г. он пишет свою первую большую картину — «Едоки картофеля». Христианское милосердие наполняет этот темный, неопрятный дом. Жена с симпатией смотрит на изможденного мужа в центре в свете лампы, а справа от нее еще один участник сцены предлагает дымящийся картофель наливающее чай женщине.

После непосредственного знакомства Ван Гога с французским авангардом, цвет в его живописи меняется. Он отказывается от темных оттенков и серых тонов предыдущих работ и переходит к яркой, чистой палитре — «Сеятель» (1888 г.), «Хлеб и кипарисы» (1889 г.).

Рисует серию натюрмортов с цветами — «Подсолнечники» (1889 г.). Ван Гог изобразил природный цикл жизни и смерти. Изображена энергия роста этих цветов. Некоторые из них потеряли лепестки и скоро погибнут, другие полностью распустились, а некоторые только что вышли из бутона.

После первых признаков сильного душевного расстройства проводит целый год (1889–1890) в психиатрической лечебнице, где создаёт целый ряд своих знаменитых картин — «Зимняя ночь», «Автопортрет». Картины демонстрируют огромную мощь художника и его неповторимую индивидуальную манеру письма. На автопортрете фигура и фон связаны не только цветом, но и формой складок и отворотов одежды Ван Гога. Волосы и борода, выписанные красным и оранжевым, особенно выделяются на фоне этих бледно-голубых и зелёных красок, поскольку они являются дополняющими друг другу тонами.

Выйдя из лечебницы в мае 1890 г., перебирается в Овер-сюр-Уаз, к северу от Париж. Через месяц Ван Гог умер (выстрелил себе в сердце).

Анри де Тулуз-Лотрек (1864–1901) — французский живописец, график. Необычная фигура среди парижского авангарда 90-х гг., потому что он остался независим от научных догм дивизионизма, с одной стороны, и от декоративных идеалов Гогена с другой.

Аристократ по происхождению и калека с детства, он бы завсегдатаем театральных кулис, кафе и публичных домов Парижа. Герои художника — певцы и танцовщицы, акробаты и клоуны, посетители злачных мест и проститутки. Каждому он нашел удивительно точную, надолго запоминающуюся портретную характеристику. Тулуз-Лотрек пишет свои картины с необычных ракурсов; эту технику он воспринял у Дега и японских гравюр.

«Наездница в цирке Фернандо» (1888 г.) — первое обращение к теме цирка. Первая сложная, многофигурная композиция. Здесь Тулуз-Лотрек отходит от импрессионистской манеры писать широкими плоскими мазками.

Тулуз-Лотрек также выполнил серии афиш для парижского кабаре. В его литографиях сочетание выразительных линий и контрастных пятен превращает изображение в живую композицию, делающую зрителя участником события, о котором оповещает афиша. В 1891 г. становится известным всему Парижу благодаря плакату, сделанному для кабаре «Мулен Руж».

Тулуз-Лотрек ввел рекламу в сферу художественного творчества, определив основные направления ее развития в XX столетии.

Работы: «Мулен Руж» (1892 г.), «Салон на улице Мулен» (1894–1895 гг.), «Танцующая Жанна Авриль» (ок. 1892 г.), «Туалет» (1896 г.).

Открытия, сделанные постимпрессионистами в живописи, оказали воздейчтвие на развитие некоторых течений в западноевропейском искусстве XX в. — фовизма, кубизма, экспрессионизма и др.

Костюм

Развитие модной индустрии во второй половине XIX в. определили два явления: возникновение Домов моды и повсеместное использование усовершенствованной швейной машинки. Магазины торговали готовым платьем.

Одежда мелкой и средней буржуазии, простых горожан следовала моде высшего света, но уступала в роскоши: сукно недорогая шерсть, скромные платки наброшенные, на плечи, вместе ручных кружева и вышивки — машинные.

У высших слоев: чем богаче заказчица, тем прихотливее фасон, дороже ткань и обильнее отделка. В моду вошли переливчатые и шуршащие ткани. При неизменности силуэта, заданного кринолином, детали сменяли друг друга: воротнички, шемизетки, рука, шарфики, манто, ротонды, бурнусы бедуинов с кисточкой на конце капюшона. В 1867 г. эпоха кринолина закончилась. В моду вошло цельнокроеное платье с плавно расширяющейся к низу юбкой и более скромной отделкой. Новый силуэт сделал женщин выше и стройнее.

В мужской моде главным ста деловой стиль. Элегантный костюм казался на размер больше. Появляется визитка — более свободный вариант сюртука со скругленными полами. Костюм дополняют светлые перчатки и галстуки. О состоятельности владельца позволяют судить часы с цепочкой, изящные табакерки, трости, булавки для галстука, кольца, запонки, цепочки для ключей.

В конце века в гардеробе появилась одежда для спорта и езды в автомобиле, восхитительные женственные туалеты из шифона и пенного кружева. Женщины носили прическу из пышно взбитых волос и обязательно широкополую шляпку.

20 РУССКОЕ ИСКУССТВО XVIII–XIX ВЕКОВ