Проблема материала в скульптуре: С.Т.Коненков.

Из эпитетов:

Коненков – русский Роден

Коненков заставил не просто дышать мрамор, но и показал скрытый эротизм дерева

Находясь во Франции, Конёнков посетил мастерскую известного скульптора Родена и был покорён его экспрессивной, модернистской лепкой.

По возвращении на родину, в 1898 году, Конёнков переводит в бронзу свою первую значительную работу — «Камнебоец».

Этот образ — один из наиболее запоминающихся образов человека труда в русской скульптуре.

Камнебоец.1898.БРОНЗА171.

Выразительная композиция статуи, сильно вылепленные руки и голова дают почувствовать не только изнурительно тяжёлый труд человека, но и его не сломленную никакими лишениями внутреннюю силу. В уверенно проработанных чертах лица «Камнебойца» передано глубокое раздумье, за которым угадывается пробуждение его самосознания.

По возвращении в Петербург К. поступил в Академию художеств в класс скульптуры, которым руководил известный художник В. Беклемишев.

Однако вскоре у Конёнкова возник конфликт со своим наставником, который не мог примириться с тем, что его ученик находится под влиянием Родена, и Конёнков стал работать самостоятельно. Гораздо больше ему дало общение со скульптором С. Волнухиным и художником А. Куинджи.

Ожесточённую дискуссию в Академии вызвала выпускная работа Конёнкова — статуя «Самсон». Тема "Самсона" била достаточно широко распространена не только в изобразительном искусстве того времени, но и в музыке, литературе, театре.

В дипломной работе Коненкова отчетливо видны стремление к монументальности, простоте и ясности формы, гармоничной целостности образа, желание обратиться к темам общечеловеческого звучания.

С первых же дней пребывания в Академии художеств Коненков, не переставая, думал о Самсоне. Библейский богатырь в сознании художника стал русским народом, ослепленным, связанным по рукам и ногам жестоким российским самодержавием.

В академической мастерской Коненков работает над фигурой Самсона вдохновенно. Он стремится наполнить скульптуру-символ духом современной борьбы.

Как ни могуч натурщик-грузчик из псковских мужиков, не сгибавшийся под тяжестью тридцатипудовой ноши, он не мог обладать такими мышцами, которые в неистовом порыве напряг легендарный Самсон, великан, жаждавший свободы. Единственный путь решения темы — смелая гиперболизация образа. «Самсон» должен стать воплощением всенародного протеста, носителем пафоса разгорающейся борьбы[1].

Самсон, разрывающий узы, высота 3,25 м ГИПС

Высота статуи — четыре с половиной аршина (=72,12х4,5=325см— потребовала сооружения лесов. Стоя наверху, увлекшись лепкой головы, Коненков оступился, упал и сломал правую руку. Потерять правую руку в разгар работы – невыносимо обидно. Через два месяца кончалось конкурсное время. Выход был один — лепить левой рукой. Работал скульптор исступленно и в полтора месяца закончил статую.

Профессоров смущало, что модернистская трактовка библейского мотива привела к нарушению классических пропорций фигуры. Кроме того, в предложенной Конёнковым фигуре было слишком много экспрессии. Молодого скульптора поддержали только И. Репин и А. Куинджи, они высоко оценили работу Конёнкова. Репин даже опубликовал свой отзыв в печати. Благодаря их поддержке скульптор получил звание свободного художника, хотя совет Академии всё же отказал ему в обязательной заграничной командировке. А во время событий 1905 года администрация Академии даже распорядилась уничтожить эту статую, чтобы не будоражить студентов. Только в 1916 году Конёнков был избран академиком живописи

В Самсоне впервые проявился и мифотворческий дар скульптора, ставший позже основой символических образов, созданных мастером в камне и дереве.

 

С реалистически-конкретного "Портрета отца" (1901) начинается галерея образов современников, над которой работал художник до последних лет жизни. Два направления творчества С.Т.Коненкова - поэтико-символическое обобщение натуры и внимательный ее анализ (реализм)- отныне переплетаются, взаимно дополняя и обогащая друг друга.


Ил. 2. С.Т.Коненков. Портрет отца. (ГРМ). "Голова крестьянина" ДЕРЕВО

Дипломная работа Конёнкова «Самсон, разрывающий узы» показалась слишком революционной и по распоряжению чиновников Академии художеств была уничтожена.

За короткий срок — в 1906 году — он создаёт целую серию портретных произведений: «Рабочий-боевик 1905 года Иван Чуркин», «Крестьянин», «Атеист», «Славянин», «Нике».

 

………………….
Рабочий-боевик 1905 года Иван Чуркин Крестьянин Нике

„Нике“ — имя греческой богини победы, — пишет А. А. Каменский, — образ которой запечатлён в древних статуях. Но в данном случае Конёнков не стремился к повторению или варьированию мотивов античной скульптуры (что встретится несколько позже в большой группе его работ). Он воспользовался лишь символикой этого имени, а реальным прообразом скульптуры была, как рассказывает художник, московская ткачиха с Трёхгорки.

Перед зрителем — русская девушка, черты лица которой чрезвычайно далеки от строгих канонов академической „правильности“; нос „уточкой“, пухлые щёки, слегка вывернутые губы. Но сколько в этом простом облике пленительной, лучезарной вдохновенности! Чуть запрокинув голову, девушка устремилась вперёд в радостном, возвышенном порыве. Улыбка, светлая и нежная, трепещет на полуоткрытых губах, искрится в чистом, приветливом взоре. Движение головы, певучий ритм мягких теней, оживляющих поверхность мрамора, общая динамика композиции — всё это создаёт впечатление высокого, свободного полёта, парения…

…Конёнковская „Нике“ дышит светлой, ясной верой в будущее, к которому устремлены все её чаяния. В пору её создания взволнованные размышления о завтрашнем дне жизни, устремлённость к новым горизонтам захватывали, будоражили, наполняли трепетным, нетерпеливым ожиданием все здоровые силы русского общества.

Своими произведениями скульптор ясно сказал, на чьей стороне его симпатии, куда зовёт его совесть художника-гражданина.

В последующие годы Конёнков перешёл от лепки к весьма необычным для скульптуры материалам: он, например, стал использовать ДЕРЕВО, инкрустируя его драгоценными камнями.

В 1907 году Конёнков выставил так называемую «Лесную серию» — ряд деревянных изваяний славянских языческих богов. В них художник сочетал архаические мотивы, приёмы примитивной скульптуры и модернистскую экспрессию. В результате каждая скульптура вела как бы игру со зрителем, заставляя его отгадывать сложный ребус, кто же здесь действительно изображён.



 

В 1912–1913 годах Конёнков, вновь отправляется в путешествие, на этот раз в Грецию, а затем в Египет, где совершенствует свои стилизаторские приёмы и осваивает опыт античных скульпторов.

Из произведений, навеянных поездкой по Греции, выделяются «Эос», «Кора» (обе — 1912), а также «Женский торс» и «Сон» (обе — 1913). Здесь проявляются упорные поиски крепкого, упругого объёма при полной законченности скульптурных форм и реальности самих образов.

   
Кора, 1912 «Женский торс», 1913 Эос 1912 Сон, 1913

 

Старичок-полевичок Дерево Стрибог Дерево Вещая старушка (портрет) Дерево

Конёнков в русской скульптуре начала XX века вернулся к теме обнажённого женского тела. В его «толковании» это идёт к возвышенному идеалу античности. Если его «Юная» (1916) — это воплощение красоты целомудренной, ещё себя не осознавшей,

то в «Женском торсе» (1913) красота предстаёт перед нами зрелой, пышно цветущей. В этот же период Конёнков создал скульптуры «Сон» (1913), «Заря» (1917).

Дерево:

 

В 1914 году Конёнков работает над «Девушкой» (с поднятыми руками).

«Хвала молодости и красоте человека прозвучала в этой прекрасной скульптуре, — отмечает В. Б. Розенвассер. — Гордая своей красотой, девушка стоит, высоко подняв руки, поддерживая ими тяжёлые пряди волос. Плавные линии, мягкое „перетекание“ форм, тонко обработанная поверхность дерева и его золотистый тон — всё это хорошо передаёт нежность и возвышенную чистоту юной героини».

В 1916–1917 годах на Пресне прошли три персональные выставки художника. Они стали событием в художественной жизни того времени.

«Возвратившись в Москву, — пишет в своей автобиографии Конёнков, — я снял мастерскую на Пресне, работал много и в этой же мастерской устраивал персональные выставки. В 1916 году на моей персональной выставке было выставлено около 50-ти работ из МРАМОРА И ДЕРЕВА. В этом же году я был избран в действительные члены Академии художеств…

По возвращении в Россию Конёнков становится одним из популярных скульпторов,[2]Конёнков полностью разделял взгляды большевиков и после победы Октябрьской революции в 17-м году принимал активное участие в создании новой пролетарской скульптуры. В открытии созданной им мемориальной доски жертвам революции и памятника Степану Разину принимал участие сам Ленин. Также Конёнков входил в комиссию, которая ведала уничтожением старых памятников. В мемуарах он вспоминал, как рабочие приставляли лестницы, приступая к разрушению "истукана памятника" -- так Конёнков называл монумент, посвященный Александру III.


С. Т. Конёнков. "Маякоский"

После революции 1917 года пытается найти своё место в новой действительности.

Вначале ему это удаётся, и он даже принимает участие в так называемом плане монументальной пропаганды. Однако власти насторожённо приняли его яркие экспрессивные работы, в которых чувствовалось явное влияние эстетики модернизма.

По предложению Луначарского Конёнков, только что ставший профессором Вхутемаса, уезжает в Ригу сопровождающим художественной выставки.

 

Религиозная тематика в творчестве Коненкова[3]

В творчестве Коненкова в конце 1920-х годов появляются совершенно новые пластические и сюжетные мотивы - скульптор обращается к религиозной тематике. Евангельский цикл является всеобъемлющим и единственно полным выражением религиозных поисков Коненкова в скульптуре. В музее представлены следующие работы: созданный из ГИПСА в 1928 году "Пророк", из ТЕРРАКОТЫ в 1928 - "Иоанн" и "Иаков", а также изображения Христа В ГИПСЕ И ДЕРЕВЕ.

(По другим источникам, «немалую часть второй половины своей жизни знаменитый скульптор посвятил мистике и теологии. С необычными религиозными идеями его познакомил в Америке русский эмигрант по фамилии Шмелев»)[4].


Сергей Коненков. Христос

 
Пророк  

 

Из Риги он вместе с выставкой в 1923 году отправился в Америку, где и остался на постоянное жительство. До 1945 года Конёнков живёт вдалеке от родины. Он работает в Америке и Италии, а основным его жанром становится скульптурный портрет.

Ему позировали знаменитые учёные Дюбуа и Ногучи, звезда Голливуда и театра Айно Клер и многие другие. Большое место в его творчестве продолжали занимать образы русских людей, его выдающихся современников И. П. Павлова, Ф. И. Шаляпина, С. В. Рахманинова.

В 1928 году в Сорренто скульптор работал над портретом А. М. Горького. Вот что писал об этой работе Сергей Тимофеевич: «Я не пытался фантазировать. Мне дорого было в точности запечатлеть облик писателя: типично русское лицо, крутой лоб мыслителя, пронизывающий взгляд, решительно сомкнутый рот, выдающиеся скулы худого лица». Разумеется, «точность», которой добивался в данном случае скульптор, заключалась не в передаче простого портретного сходства. «Горький» Конёнкова — это портрет-характер, это образ большого русского человека.

Одной из лучших и самых известных заграничных работ мастера по праву считается «Писатель Ф. М. Достоевский» (1933). Достоевский, в представлении скульптора, — могучий мыслитель, который, как никто другой, «понимал и ненавидел зло… мог проникнуться людскими страданиями. Большая заслуга — победить зло, но не менее важно вывернуть наружу и показать свету тёмную душу зла».

Как пишет В. Б. Розенвассер:

«Неудивительно поэтому, что и Конёнков изобразил мучительно сгорбленную фигуру писателя и втянутую в плечи голову с высоким костистым лбом. Сходен и жест рук, правда, пальцы здесь не переплетены в „замок“, как на живописном портрете. Однако и эти руки, тяжело сложенные, зримо „отгораживают“ Достоевского от окружающего мира, оставляя его один на один с его нелёгкими думами. А отсюда и выражение его лица, и взгляд человека, ушедшего в свои мысли».

Если для многих художников достижение сходства — венец исканий, то для Конёнкова — только начало. Повествуя о своём герое, скульптор выделяет и подчёркивает в нём какое-то одно особенно характерное и примечательное качество. Оно и оказывается центральной, сквозной темой портрета.

Вот, к примеру, скульптурный портрет «Ф. И. Шаляпин» (1930).

«Хотя Шаляпин позировал мне, — вспоминает Конёнков, — я не так уж добивался портретного сходства… В своей скульптуре я изваял только голову Шаляпина, но мне бы хотелось передать зрителю и то, что отсутствует в скульптуре, — его могучую грудь, в которой клокочет огонь музыки… Я изобразил Шаляпина с сомкнутыми устами, но всем его обликом хотел передать песню».

 

В портрете академика И. П. Павлова (1930) развивается другая линия повествования — о мудрости человеческой, о красоте духа — смелого, чистого, дерзновенного.

Павлов Эйнштейн

«В портрете Альберта Эйнштейна удивительным образом смешались черты вдохновенной мудрости и наивного, чуть ли не детского простодушия, — пишет А. А. Каменский. — …Этот портрет в самом высоком смысле слова светоносен — искрятся широко раскрытые, „думающие“ глаза, над которыми взлетели ломкие, тонкие брови; ласковостью солнечного полдня веет от тёплой, милой улыбку и даже небрежно разметавшиеся волосы над огромным, морщинистым лбом — будто лучи, несущие потоки радостного света. Живое, безостановочное движение великой мысли и доверчиво-вопрошающее изумление перед раскрывающимися тайнами гармонии бытия запечатлелись на этом потрясающем своей проникновенной выразительностью лице, таком добром, мягком, простом и в то же время озарённом силой и красотой пророческого ясновидения…»

По возвращении в 1945 году в Москву Конёнков был удостоен звания народного художника СССР и первым из работников искусств стал Героем Социалистического Труда. Но награды не могли повлиять на новаторский характер его скульптуры. Одновременно с такими традиционными работами, как бюсты Ленина или передовых колхозников, Конёнков создаёт образы Л. Бетховена и Н. Паганини, которые традиционно считались реформаторами в музыке.

В последние годы жизни художник вновь возвращается к монументальным композициям и восстанавливает свою раннюю работу «Самсон», которая теперь стала называться «Освобождённый человек». Последняя большая выставка мастера была устроена в Москве в начале 1965 года. Она была приурочена сразу к двум юбилеям Конёнкова — девяностолетию со дня рождения и семидесятилетию его творческой деятельности

.

На выставке были представлены практически все известные произведения ваятеля. А в предисловии к каталогу выставки известный художник Павел Корин назвал Конёнкова патриархом русского искусства.

Конёнков умер 9 октября 1971 года. Сергей Тимофеевич говорил, что нет большего счастья, чем служить родному народу. Эти слова можно считать девизом всего творчества замечательного русского скульптора

"Пильщики" - одна из моих первых работ. В ней я изобразил простых людей, живших рядом со мной. Это они рубили и ставили избы, разрушенные фашистами.

На моих глазах новые пильщики начинали поднимать жизнь.

Инвалиды и вдовы рассказывали мне о том, что видели и пережили, о дорогих и близких, "побитых" на войне.

В одной из землянок я встретил своего сверстника, друга детства, сына кожемяки Илью Викторовича Зуева.

Вместе с ним мы сидели рядом в деревенской школе, водили указкой по букварю. И вот снова мы рядом. В руках Викторовича гармошка, а в глазах молодой и задорный огонек - будто и не состарился. Это и его руками поднимался колхоз.

...Я снова взбирался на кручи, сидел над Десной и думал о том, что нигде в мире нет такой неистощимой красоты. Никакая прославленная Венеция на мутных лагунах, никакие версальские парки не сравнимы с нашими дубравами и необъятным вольным простором.

...Вспоминается раннее предрассветное утро. Я вышел подышать чудесным воздухом. Солнце поднималось из-за Десны. Я поразился, увидев девушку-пастушку.

Раньше ее лицо ничем не казалось мне примечательным. Но когда я увидел ее, озаренную лучами восходящего солнца, в тот момент, когда она целиком была поглощена своей работой, эта курносая девушка в ситцевом платье показалась мне удивительно красивой. Ее уверенные движения, пронизанные чувством собственного достоинства, вся ее фигура, обвеваемая легким ветерком, приковали мое внимание.

Мне пришли тогда на ум удивительно верные слова Тараса Григорьевича Шевченко: "Много, неисчислимо, много прекрасного в божественной бессмертной природе, но торжество и венец бессмертной красоты - это оживленное счастьем лицо человека. Возвышеннее, прекраснее в природе я ничего не знаю".

Эти слова мне очень дороги. Они говорят о самой сути работы портретиста.

В начале своего творческого пути я с увлечением, старанием и благодарностью исполнил из дерева лицо своего отца - простое, открытое, русское.

Образ младшего брата, человека, так любившего землю, помог мне создать в 1906 году "Крестьянина".

Еще интересные работы Коненкова, выполненные в разных материалах:

 

Дерево Бронза

Паганини

 

Автопортрет

Автопортрет

16.2. «Явление Христа народу» Александра Иванова: особенности творческого почерка автора и композиция картины.

 

Созданию величественного полотна ”Явление Христа народу” художник Александр Иванов посвятил 20 лет своей жизни. В истории искусства это единственный случай, когда автор до такой степени проникся одной темой. Работая над картиной, Иванов сделал 258 эскизов. Во время работы над полотном А. Иванов жил в Риме, где познакомился с Н. Гоголем, который согласился позировать ему для создания одного из образов. На картине похожий на Гоголя человек стоит ближе всех к Христу. В картине присутствуют только мужчины, но самое интересное, что выразительные черты мужских лиц были списаны Ивановым с женских. Интуиция подсказала художнику, что лица итальянок сохранили больше евангельского, чем лица мужчин.   Особенности композиционного восприятия многофигурной картины Анализ композиционно-ритмического строя картины А. А. Иванова «Явление Христа народу» по золотому сечению (Источник http://hudozhnikam.ru/zolotoe_sechenie/12.html ). Глаз входит в картину слева. Первый и главный композиционный центр на картине — это фигура Иоанна-Крестителя. Апостолы слева от Иоанна не играют большой роли в композиции. Собственно, самые важные изобразительные события происходят в правой части картины. От Иоанна мы переходим к фигуре Христа. Наиболее сильные Весы на картине — это выходящие из воды юноша и старик слева и две обнаженные фигуры справа. Весы выделяют центр. Это опять фигура Иоанна, указывающая на Христа. Еще одни Весы — Иоанн и обнаженные мужчина с мальчиком справа («дрожащие»). Центр — юноша в синем плаще. Он больше других связан с Христом: цвет плаща, близость на плоскости холста, направление взгляда. На картине множество цветовых связей. Все они работают таким образом, что на какой бы из крупных фигур переднего плана мы ни остановились, от нее глаз непременно переходит к фигуре Иоанна или Христа.     От фигуры Христа глаз обязательно перейдет к юноше в синем под ним. Отметим, что для этой композиционной связи важна не фигура юноши целиком, а только синий плащ. Теперь перейдем к менее крупным фигурам и цветовым пятнам. Связи между ними направляют глаз к двум принципиально важным персонажам в правой части картины — мужчине с длинными волосами (Н. Гоголь) и левому всаднику. Оба смотрят на Христа. Оба отчасти заслонены и потому зрительно уменьшены.         Переходя от одной фигуры на картине к другой, глаз сравнивает их размеры, и таким образом, определяет расстояние между ними в картинном пространстве. При этом крупные фигуры на переднем плане остаются в картинной плоскости. Такое зрительное или композиционное сравнение происходит неосознанно. Поэтому, например, Христос в синем плаще сравнивается с плащом юноши под ним, но не с целой его фигурой. Это сравнение подобных по цвету геометрических фигур, но не реальных людей. Итак, при восприятии картины Иванова существенны несколько принципиальных моментов. По порядку восприятия, который задан композицией. 1. Иоанн-Креститель и Христос. Фигура Христа значительно меньше и гораздо дальше. 2. Юноша в синем плаще (часть юноши) и Христос. Разница видимых размеров и расстояние между ними в картинном пространстве гораздо меньше. 3. Гоголь (часть Гоголя) и Христос. Расстояние еще меньше. 4. И, наконец, всадник (часть всадника) и Христос. Они одинаковы по размеру и находятся на одном расстоянии от переднего плана. Композиционно, по ощущению «на одном». Конструктивно, конечно, Христос много дальше. Иначе говоря, расстояние до Христа на наших глазах постепенно уменьшается. На картине как бы изображены разные фазы его движения вперед к людям. Пока мы переходим в порядке, заданным художником, от одной фигуры к следующей, время зрителя идет, и поэтому движение Мессии ощущается совершенно реально. Отметим, что все четыре персонажа, которые последовательно сравниваются с фигурой Мессии, выделены художником треугольником пустыни, по которой он идет.   По формуле глубины картинного пространства, приведенной в книге, можно приблизительно, конечно, определить расстояние от каждого из персонажей до Мессии. Пусть зритель рассматривает картину с 10 метров. Получается следующее: от Иоанна-Крестителя до Христа — 24 метра; от юноши в плаще — 10 метров; от Гоголя — 2 метра; от всадника — 0 метров. Вместе с тем, фарисей у правой рамки, замыкающий композицию, далек от Христа — 18 метров. При этом его тяжелая фигура, а также фигура его собеседника, указывающего рукой на Христа, значительно преувеличены художником. Теперь понятно, почему в зеркальном варианте Мессия на картине Иванова вместо того, чтобы идти спасать людей, уходит от них

 

 






Дата добавления: 2016-01-26; просмотров: 1993; ЗАКАЗАТЬ НАПИСАНИЕ РАБОТЫ


Поиск по сайту:

При помощи поиска вы сможете найти нужную вам информацию, введите в поисковое поле ключевые слова и изучайте нужную вам информацию.

Поделитесь с друзьями:

Если вам понравился данный ресурс вы можете рассказать о нем друзьям. Сделать это можно через соц. кнопки выше.
helpiks.org - Хелпикс.Орг - 2014-2018 год. Материал сайта представляется для ознакомительного и учебного использования. | Поддержка
Генерация страницы за: 0.012 сек.