Высокое Возрождение

(1500–1520 гг.)

«Золотой век» итальянского искусства хронологически был очень кратким, и только в Венеции он продлился до середины столетия. Но именно в это время были созданы замечательные творения титанов Возрождения.

Высочайший подъем культуры происходил в сложнейший исторический период жизни Италии, в условиях резкого экономического и политического ослабления итальянских государств. Турецкие завоевания на Востоке, открытие Америки и нового морского пути в Индию лишают итальянские города их роли важнейших торговых центров. Вторжение французских войск в 1494 г., опустошительные войны первых десятилетий XVI в., разгром Рима чрезвычайно ослабили Италию. Художники Высокого Возрождения — не только люди огромной культуры, но творческие личности, заставляющие считаться со своими замыслами представителей правящих классов. В центре их искусства — образ идеального прекрасного человека, совершенного физически и духовно. Важнейшими очагами нового искусства наряду с Флоренцией в начале XVI в. становятся папский Рим и патрицианская Венеция.

Архитектура. Зарождение и развитие принципов архитектуры Высокого Возрождения происходит в Риме, где складывается единый стиль.

Донато д'Анджело Браманте (1444–1514) — итальянский зодчий. Его величественный и монументальный стиль оказал огромное влияние на последователей.

Вначале выступал как живописец, что отразилось в первой архитектурной работе Браманте — перестройке церкви Санта-Мария прессо Сан-Сатиро в Милане (1479–1483 гг.): перекрыв главный неф и трансепт мощными цилиндрическими сводами, он использовал перспективную роспись и рельеф, чтобы изобразить перекрытый таким же сводом хор. В церкви Санта-Мария делле Грацие в Милане (1492–1497) Браманте создал хор и светлое просторное средокрестие, увенчанное лёгким куполом; цельность замысла сочетается здесь с традиционной для зодчества Ломбардии декоративностью.

Переехав в 1499 г. в Рим, Браманте занял здесь ведущее место среди архитекторов, которые создали общеитальянский стиль Высокого Возрождения, повлиявший на всё европейское зодчество. Наибольшей пластичной цельности и ясности Браманте достиг в маленькой купольной часовне–ротонде Темпьетто (1502 г.), построенной во дворе монастыря Сан-Пьетро ин Монторио. Это круглое в плане купольное сооружение небольшого размера. Три широких ступени служат основанием храму. Став главным архитектором папы Юлия II, Браманте проводит огромные работы по реконструкции Ватикана, объединяя отдельные разрозненные постройки старого Ватикана и виллы Бельведер в единый монументальный комплекс. Главное создание Браманте — проект собора св. Петра в Риме (1506 г.). И хотя заложенный по этому проекту собор в дальнейшем был перестроен другими строителями, его идеи нашли распространение в сооружениях многих итальянских зодчих. План собора представляет сочетание квадрата с греческим равноконечным крестом. Большой купол, венчающий здание, вырастает из массы более мелких объемов.

Браманте сыграл видную роль в развитии архитектуры палаццо. Моделью для светских зданий в Риме и по всей Италии явился Палаццо Карпини (Дом Рафаэля) — двухэтажный дом с грубым полом на нижнем этаже.

Рафаэль (1483–1520) — итальянский живописец и архитектор. Им были построены лоджии Ватикана, лоджия Психея в вилле Фарнезина в Риме, вилла Мадама в Риме, палаццо Бранкомо де Акрилло, работал над строительством собора св. Петра.

Микеланджело Буонарроти (1475–1564) — поэт, художник, скульптор и великий архитектор. В поисках напряженности, драматизма и воздействия не только на зрение, но и на все другие чувства, он отказался от гармонии и покоя, составляющих основу античной культуры.

Самой ранней постройкой, где проявились революционные методы Микеланджело, была фамильная усыпальница Медичи в ризнице церкви Сан-Лоренцо во Флоренции. Почти 15 лет (с 1520 г.) работал Микеланджело над усыпальницей. Хотя и планировка, и интерьер (серый камень и белая штукатурка) во многом напоминают прежнюю ризницу, но сама композиция основных и декоративных элементов нетрадиционна: широкий импост над входом, кажется, едва удерживает огромный купол; скульптуры, вознесенные на четырехметровую высоту; колонны больше не поддерживают антаблемент. Стена перестает быть просто плоскостью с внешним декором — она становится элементом скульптуры.

В 1523–1534 гг. Микеланджело воздвигает здание библиотеки Лауренцианы во Флоренции (первая публичная библиотека в Европе), к 1568 г. по его модели был завершен вестибюль библиотеки с лестницей, органической динамикой своей композиции вызывающей представление о потоке лавы. Высокое, квадратное в плане пространство завершается каскадом из трех лестниц. И снова множество нетрадиционных элементов: консоли, которые ничего не поддерживают, эдикулы с сужающимися книзу пилястрами и сдвоенные колонны, помещенные в ниши, наподобие статуй.

В 1534 г. Микеланджело приступил к своей первой работе в Риме – реконструкции Капитолия. Трапециевидная площадь группируется вокруг выпуклого центра, вымощенного в форме овала — эта форма применена впервые. Колонны «колоссального ордера» на фасадах нарушают поэтажное деление, простираясь на всю высоту здания, что типично для маньеристской архитектуры. Площадь замыкается дворцом Консерваторов, симметрично фланкируется двумя дворцами по бокам, к открытой её стороне ведёт широкая лестница, а в центре возвышается античный конный монумент Марка Аврелия.

Приступив к постройке собора св. Петра в 1546 г., Микеланджело уничтожил большую часть того, что сделали Рафаэль и Сангалло. Он вернулся к первоначальному центрического плану Браманте, но с куполом несколько меньшего размера.

Архитектурные сооружения, созданные Микеланджело: гробница папы Юлия II, палаццо Фарнезе, палаццо Сенаторов, Порта Пио.

Якопо Сансовино(1486–1570) — итальянский скульптор и архитектор. Родился во Флоренции и обучался у Андреа Сансовино, чью фамилию и принял. Во Флоренции создал архитектурные сооружения для церемониального въезда папы Льва X в город. После 1527 г. поселился в Венеции и приобрел славу мастера монументальных гробниц. Застроил общественный центр Венеции. Создал виллу Гарцони, здание Монетного двора и т.д. Наивысшее достижение — перестройка и дополнение Пьецо Сан–Марко гражданскими зданиями (Цекка, библиотека Сан–Марко, лоджия Кампаниль). Сансовино создал 2 скульптуры для Сала Деи Джиганти во дворце Дожей — огромные фигуры Марса и Нептуна.

Живопись.Живопись Высокого Возрождения имеет ряд характерных особенностей: Богоматерь и Христа стали изображать в виде простых людей; фигуры людей изображались крупными; портреты стали передавать эмоции, психологическое состояние человека.

Живопись и скульптура Флорентийской школы.К мастерам Флорентийской школы относятся Леонардо да Винчи, Рафаэль Санти, Микеланджело Буанаротти, Корреджо.

Леонардо да Винчи (1452–1519) — гений, чье творчество знаменовало грандиозный сдвиг в искусстве. Значение его всеобъемлющей деятельности, стало ясно только тогда, когда был исследованы разрозненные рукописи Леонардо. В его заметках и рисунках — гениальные проекты в самых различных областях науки техники. Искусство для Леонардо было средством познания мира. Он развивал эффект «sfumato», заключающийся в слегка размытых контурах. В основе картин Леонардо да Винчи лежит треугольная композиция.

К числу ранних произведений Леонардо относятся «Благовещение» (ок. 1474г.) и «Мадонна с цветком» («Мадонна Бенуа», ок. 1478 г.). В них Леонардо углубляет характеристики,подчеркивает плавную объемность форм мягкой светотенью, оживляет лица тонкой, едва уловимой улыбкой. В 1480 г. Леонардо уже имел свою мастерскую и получал заказы. Однако страстное увлечение наукой часто отвлекало его от занятий искусством. Недописанными остались большинство его композиций. Не дошел до нас ни один осуществленный архитектурный проект Леонардо.

К миланскому периоду относятся живописные произведения зрелого стиля — «Мадонна в гроте» и «Тайная вечеря».

«Мадонна в гроте» (1483–1494 гг.) — первая монументальная алтарная композиция Высокого Возрождения. Ее персонажи Мария, Иоанн, Христос и ангел приобрели черты величия, поэтическую одухотворенность и полноту жизненной выразительности. Самая значительная из монументальных росписей Леонардо — «Тайная вечеря» (1495–1497 гг.). Леонардо не отделяет фигуру Иуды от других апостолов, как это делали мастера Раннего Возрождения. Перспективное сокращение боковых стен, изображенных на фреске, как бы продолжает реальное пространство трапезной. Фреска сильно разрушена. Эксперименты Леонардо с использованием новых материалов не выдержали испытания временем.

После взятия Милана французскими войсками Леонардо покинул город. Начались годы странствий. По заказу Флорентийской республики он исполнил картон для фрески «Битва при Ангиари», которая должна была украсить одну из стен зала Совета в палаццо Веккио (здание городского самоуправления). При создании этого картона Леонардо вступил в соревнование с молодым Микеланджело, исполнявшим заказ на фреску «Битва при Кашине» для другой стены того же зала. Однако эти картоны не дошли до наших дней. К этому же времени относится создание портрета Моны Лизы («Джоконда», ок. 1503 г.), одного из самых прославленных произведений мировой живописи. Пластически проработанная, замкнутая по силуэту, величественная фигура молодой женщины господствует над отдаленным, окутанным голубоватой дымкой пейзажем со скалами и вьющимися среди них водными протоками.

К работам Леонардо да Винчи относятся Леонардо картина «Дама с горностаем» (портрет Чечилии Галлерани, ок. 1490 г.),«Святой Иоанн Креститель» (ок. 1515–1517 гг., последняя картина Леонардо).

Рафаэль Санти(1483–1520). Младший современник Леонардо, проживший короткую, чрезвычайно насыщенную жизнь. Рафаэль создал свой идеал прекрасного, гармонически развитого человека в окружении величавой архитектуры или пейзажа.

Нежный лиризм и одухотворенность отличают ранние его произведения. «Мадонна Конестабиле» (1502 г.) — просветленный образ молодой матери, изображенной на фоне прозрачного пейзажа. Умение свободно расположить фигуры в пространстве, связать их друг с другом и с окружением проявляется и в композиции «Обручение Марии» (1504 г.). Простор в построении пейзажа, гармония форм архитектуры, уравновешенность и цельность всех частей композиции. Содержанием его искусства являлась лирическая тема светлой материнской любви.

В 1508 г. Рафаэль был приглашен работать в Рим, ко двору папы Юлия II. Рафаэль получает заказ на росписи парадных комнат (станц) Ватикана. Эта работа, продолжавшаяся с перерывами с 1509 по 1517 г., выдвинула его в число крупнейших мастеров итальянского монументального искусства. «Диспут» и «Афинская школа», «Парнас» и «Мудрость, Умеренность и Сила», олицетворявшие четыре области духовной деятельности человека: богословие, философию, поэзию и юриспруденцию. Платон, Аристотель, Пифагор, Евклид, и здесь же, у самого края, Рафаэль изобразил рядом с живописцем Содомом самого себя. Римский период творчества Рафаэля отмечен высокими достижениями и в области портрета. Им написаны портреты папы Юлия II (1511 г.), папы Льва X с кардиналами (1518 г.) и др.

В 1515–1519 гг. Рафаэль создал величайшее свое творение «Сикстинскую мадонну», предназначавшуюся для церкви св. Сикста в Пьяченце. Это величавый образ, полный глубокого значения. Раздвинутые сверху по сторонам занавеси открывают легко идущую по облакам Марию с младенцем на руках. Ее взгляд позволяет заглянуть в мир ее переживаний. Серьезно и печально тревожно смотрит она куда-то вдаль, как будто предвидя трагическую судьбу сына. Слева от мадонны изображен папа Сикст, восторженно созерцающий чудо, справа — св. Варвара. Внизу два ангела, глядящие вверх, возвращают нас к главному образу — мадонне и ее не по-детски задумчивому младенцу.

Работы Рафаэля: «Триумф Галатеи» (ок. 1514–1515 гг.), «Преображение Христа» (1519–1520 гг.), серия безмятежных Мадонн и др.

Микеланджело Буонарроти (1475–1564) — третий из титанов итальянского искусства, его творчество явилось кульминацией Высокого Возрождения и в то же время отражением глубоких противоречий культуры эпохи. От Леонардо и Рафаэля Микеланджело отличается тем, что в каждой из областей художественного творчества он оставил произведения грандиозные по масштабам и силе, воплощающие наиболее прогрессивные идеи эпохи. Микеланджело был гениальным скульптором, живописцем, архитектором, рисовальщиком, военным инженером, истом.

В 1501–1505 гг. во Флоренции Микеланджело работал над заказом правительства — картоном к фреске «Битва при Кашине», которая должна была украсить зал Палаццо Веккио. Росписи не были осуществлены, но сохранилась зарисовка картона.

В Рим он вернулся только в 1508 г., получив от Юлия II заказ на роспись Сикстинской капеллы. Монументальные живописные циклы Микеланджело выполнял без посторонней помощи. Отвергнув предложенный ему проект с фигурами 12 апостолов в боковых частях свода и с орнаментальным заполнением его основной части, Микеланджело разработал собственную программу росписей, до сих пор вызывающую различные толкования. Роспись громадного свода, перекрывающего обширную (40,93х13,41 м) папскую капеллу включает в себя: 9 больших композиций в зеркале свода на темы книги Бытия — от «Сотворения небес» до «Всемирного потопа»; 12 огромных фигур сивилл и пророков в боковых поясах свода; цикл «Предки Христа» в распалубках и люнетах; 4 композиции в угловых парусах на темы чудесного избавления иудейского народа. Архитектонические членения композиции плафона таковы, что достигается не только прекрасная обозримость каждой фигуры и сцены в отдельности, но и величественное декоративное единство всей гигантской росписи в целом; фрески воспринимаются как гимн физической и духовной красоте человека, как утверждение его безграничных творческих возможностей. В колоссальной (17х13,3 м) фреске «Страшный Суд» (1536–1541 гг.) на алтарной стене Сикстинской капеллы Микеланджело отступает от традиционной иконографии, изображая не момент свершения Суда, когда праведники уже отделены от грешников, а его начало: Христос карающим жестом поднятой руки обрушивает на наших глазах гибнущую Вселенную. Человеческие фигуры увлекает, словно вихрь, внешняя, превосходящая их сила; персонажи утрачивают свою красоту, их титанические тела как бы вспухают буграми мышц, нарушающими гармонию линий; полные отчаяния движения и жесты резки, дисгармоничны; увлекаемые общим движением праведники неотличимы от грешников.

Трагическим пафосом проникнуты последние живописные работы Микеланджело — фрески «Распятие апостола Петра» и «Падение Савла» (1542-1550 гг.). В целом поздняя живопись Микеланджело оказала определяющее влияние на формирование маньеризма.

Микеланджело считал себя в первую очередь скульптором, и даже только скульптором. К первому римскому периоду относятся антикизированная статуя Вакха (ок. 1496 г.) и скульптурная группа «Пьета» (ок. 1498–1501 гг., собор св. Петра), свидетельствующая о начале творческой зрелости мастера. Где он вкладывает в традиционную готическую схему новое, гуманистическое содержание, выражающее скорбь молодой и прекрасной женщины о погибшем сыне.

Вернувшись в 1501 г. во Флоренцию, Микеланджело получил от правительства республики заказ на создание 5,5–метровой статуи Давида (1501–1504 гг.). Установленная на главной площади Флоренции рядом с ратушей Палаццо Веккио (ныне заменена копией), она должна была стать символом свободы республики. Микеланджело изобразил Давида не в виде хрупкого подростка, попирающего отрубленную голову Голиафа, как это делали мастера V в., а как прекрасного, атлетически сложенного гиганта в момент перед сражением, полного уверенности и грозной силы (современники называли ее terribilita — устрашающая).

В 1505 г. Микеланджело едет в Рим, где поучает заказ на сооружение гробницы папы Юлия II, но грандиозность замысла не была осуществлена из-за дороговизны проекта и размолвки с папой. После смерти Юлия II (1513 г.) Микеланджело снова приступает к работе над его надгробием, создает в 1513–1516 гг. три статуи — «Умирающий раб», «Восставший раб» и «Моисей». Согласно шестому по счету договору, заключенному с ними, в 1545 г. в римской церкви Сан-Пьетро ин Винколи было установлено двухъярусное пристенное надгробие, включившее «Моисея» и 6 статуй, выполненных в начале 1540-х гг. в мастерской Микеланджело.

«Моисей» Микеланджело — титаническая личность, наделённая могучим темпераментом и столь же могучей волей; здесь Микеланджело впервые вводит в скульптуру временной аспект: при обходе статуи создаётся впечатление постепенно нарастающего движения фигуры, соответствующего росту напряжения образа.

В капелле Медичи — сложном архитектурно-скульптурном ансамбле, статуи герцогов Лоренцо и Джулиано Медичи, сидящих в неглубоких нишах на фоне архитектурной декорации и облаченных в доспехи римских императоров, лишены портретного сходства и, возможно, символизируют Жизнь деятельную и Жизнь созерцательную. С графически легкими очертаниями саркофага контрастирует пластическая мощь огромных статуй Дня и Ночи, Утра и Вечера, лежащих на покатых крышках саркофага в мучительно-неудобных позах, как бы готовых соскользнуть с них.

Драматическая сложность образного решения и пластического языка отличает поздние скульптурные работы Микеланджело: «Пьета с Никодимом» (ок. 1547–1555 гг.), и «Пьета Ронданини» (ок. 1553–1564 гг.).

Корреджо (ок. 1489–ок. 1534) — итальянский живописец периода Высокого Возрождения. Работал в Парме и Корреджо. Испытал воздействие Леонардо да Винчи, Рафаэля, Микеланджело. Исполненные мягкой грации и интимного очарования произведения Корреджо отражают постепенную утрату героических ренессансных идеалов, сложение новых художественных форм и принципов. В монументальной живописи Корреджо игривая лёгкость и декоративное изящество (росписи в монастыре Сан-Паоло в Парме, 1517–1520 гг.) сменяются поисками динамической экспрессии: в росписях церкви Сан-Джованни Эванджелиста (1520–1523 гг.) и собора в Парме (1526–1530 гг.). Сложные ракурсы и устремленная вверх вихреобразная композиция предвосхищают пространственные эффекты эпохи барокко. Станковые композиции Корреджо, проникнутые праздничным светским духом, отличаются интимной мягкостью образов, эффектностью грациозных поз и движений, динамической асимметрией композиции, светлым, нарядным, прихотливо-изменчивым колоритом — «Мадонна со св. Франциском» (1514–1515 гг.), «Мадонна со св. Иеронимом», «Вознесение Богоматери». В целях усиления эмоционального звучания образов Корреджо иногда прибегает к эффектам контрастного ночного освещения («Поклонение волхвов», или «Ночь», ок. 1530 г.).

Произведения Корреджо на мифологические темы отмечены утончённым гедонизмом и эротикой, гибкостью композиционных решений — «Даная» (ок. 1526 г.), «Похищение Ганимеда» (ок. 1530 г.), цикл «Метаморфозы Юпитера» (не закончен), «Венера и Амур, за которыми подглядывает Сатир». Любимая тема Корреджо — «Вознесение».

Живопись Венецианской школы. Одним из главных центров ренессансного искусства уже в начале XVI в. стала Венеция. Здесь создавалось светское искусство, картины писались мягкие и светлые. К мастерам венецианской школы относятся Беллини, Джорджоне, Тициан, Веронезе, Тинторетто.

Самым талантливым из семьи художников был Джованни Беллини (1430–1516), который усовершенствовал технику масляной живописи и добился сочности и глубины тонов, их мягких переходов. Он связывает образ человека с природой, способствующей передаче настроения изображаемого.

Беллини создал следующие картины: «Экстаз св. Франциска», «Преображение», «Мадонна с младенцем — Мадонна Фриццони», «Мадонна в лугах», «Озерная Мадонна». Его алтарный образ «Мадонна со святыми» (1480–1490 гг.) привлекает ясной просветленностью характеров героев, погруженных в задумчивость. Беллини был учителем великих венецианских живописцев Джорджоне и Тициана.

Джорджоне (1476/77–1510) — итальянский живописец венецианской школы, один из основоположников искусства Высокого Возрождения. Был близок к кругу венецианских гуманистов. Славился также как певец и музыкант.

Основная область творчества Джорджоне — светская станковая живопись. Уже в ранних произведениях, выполненных до 1505 г. («Поклонение пастухов», «Юдифь»), проявляется главная особенность искусства Джорджоне — поэтическое представление о богатстве таящихся в мире и человеке жизненных сил, присутствие которых раскрывается не в действии, а в состоянии всеобщей молчаливой одухотворённости. Органичность воссоздания натуры соединяется в зрелых произведениях Джорджоне 1506–1510-х гг. с благородной идеализацией, утончённостью эмоциональной атмосферы, а также со сложным, ассоциативным характером идейно-сюжетного замысла, что придаёт его работам черты недосказанности («Гроза», «Три философа»).

Общая направленность творчества Джорджоне определила интимно-лирическую эмоциональную окраску выполненных им портретов (портрет Антонио Броккардо), а также его интерес к самостоятельной выразительности природы, подготовивший формирование нового живописного жанра — пейзажа.

В поздних произведениях Джорджоне («Спящая Венера», «Сельский концерт) полностью определилась главная тема творчества художника — гармоничное единство человека и природы. Достижения Джорджоне были восприняты многими современниками художника и получили дальнейшее развитие в творчестве его ученика Тициана.

Тициан Вечеллио(1480–1576) — итальянский живописец, крупнейший представитель венецианской школы эпохи Высокого и Позднего Возрождения. Учился живописи у Беллини и Джорджоне. В 1517–1555 гг. занимал должность официального живописца Венецианской республики. Пользовался огромной прижизненной славой, его заказчиками были император Карл V, испанский король Филипп II, папа Павел III, правители Мантуи, Феррари, Урбино. Карл V пожаловал ему титул графа Палатинского.

Творческое наследие Тициана огромно: около 120–130 полотен, фрески, ряд превосходных подготовительных рисунков, серия гравюр на дереве, созданных в его мастерской по его рисункам. Живопись его включает религиозные, мифологические, аллегорические композиции, портреты, традиционные для Венеции «истории» — многофигурные сцены с элементами исторической композиции. Большое место в его творчестве занимают пейзажные мотивы. Долгий, почти 70-летний творческий путь Тициана запечатлел сложную эволюцию его представлений о мире, от чувства ликующей радости бытия до осознания потрясающих этот мир драматических коллизий.

В ранних работах Тициана проступают мотивы, унаследованные у Джорджоне: лирическая мягкость интонаций, идиллический образ природы. Но уже в аллегорической композиции «Любовь земная и небесная» (ок. 1514–1515 гг.) эти интонации уступают место чувственной радости бытия.

Огромный, семиметровый алтарь «Ассунта» («Вознесение Марии», 1516–1518 гг., церковь Санта Мария Глориоза деи Фрари) с его монументальной укрупненностью форм и цветовых пятен, титаничностью образов, экспрессий поз и жестов — первое произведение венецианской живописи, проникнутое духом «большого стиля» Высокого Возрождения.

В картинах 1530-х гг. на религиозные и мифологические темы Тициан органически соединяет легенды и реалии современной жизни в духе традиций венецианского Раннего Возрождения. В «Венере Урбинской» (ок. 1538 г.) — он переносит богиню (ее облик отчасти навеян «Спящей Венерой» Джорджоне) в уютный покой венецианского дома XVI в.

1520–1540-е гг. — время расцвета творчества Тициана–портретиста — обширная портретная галерея современников, много портретов Карла V. В 1550-е гг. он вновь обращается к мифологической тематике, мотиву цветущей женской красоты — «Даная» (155–1554 гг.); «Венера перед зеркалом» (ок. 1560 г.).