Глава II.

В период расцвета своего творчества - 30е 40-е годы – Сурбаран действительно был наиболее крупным севильским мастером. В это время Сурбаран создавал более лаконичные суровые, цельные и монументальные образы, которые благородно сдержанны в своих чувствах, являясь при этом напряжёнными, яркими и драматическими. В 1650-х годах в его творчестве появились черты эмоциональной взволнованности, экстатического или смягчённо-лирического толка. Например, в картине «Распятие» начала 1660-х годов, (хранится в Эрмитаже, Санкт-Петербург). Несмотря на акцент творчества Франсиско де Сурбарана на композиции религиозной тематики, также художник изображал портреты, натюрморты и мифологические сюжеты.

«Во второй половине 30-х годов стиль Сурбарана из­меняется в сторону большей живописности. Тени стано­вятся тоньше и прозрачнее, фигуры -подвижнее, их окутывает воздух. Белые одежды монахов сверкают и излучают свет. В этом сверкании доминирует обычно один тон, иногда бледно-голубоватый с бесчисленными оттенками, и ног да золотистый». ⁵

1630-1640 годы. Пребывание в Мадриде, где Сурбаран смог изучить королевские собрания живописи, значительно обогатило его творчество. Вернувшись в Севилью, он обратился к ответственным заказам для испанских колоний в Латинской Америке и для других монастырей Испании. Наиболее знамениты его циклы для монастыря де ла Фронтерра в Херес (1638-1639), картины: «Благовещение», «Рождество», «Обрезание», «Поклонение волхвов» - ныне в Музее изящных искусств в Гренобле, изображения ангела с кадилом, святых ордена картезианцев – ныне в Музее изящных искусств в Кадисе; для ордена иеронимитов в санкристии и капелле монастыря в Гваделупе близ Касереса в Эстремадуре (1638-1639, все на месте), картины «Чудо с падре Сальмероном», «Молитва падре Кабанюэласа», «Видение Педро де Саламанка», «Гонсалес Ильескас, архиепископ Кордовы», «Энрике III и падре Яньес», «Бичевание Св. Иеронима», «Искушение св. Иеронима». В произведениях этого цикла господствует более мягкая живопись, нарастает ощущение пространственности, а также общий невесомый, прозрачный и серебристый тон.

Так же к этому периоду творчество относится картина «Непорочное зачатие», созданная около 1630 года. (Илл.1) Изображённая на картине Дева Мария излучает покой и умиротворение. Картина написана в приглушённых тонах, золотисто-белое свечение передаёт атмосферу горнего мира. Месяц, на котором стоит Мария, обозначает целомудрие. Сама Богородица часто изображалась не только на месяце, но и на змее или драконе, тем самым олицетворяя вторую Еву, избавительницу от первородного греха. Свет нимба над головой изображён в виде короны из 12 звёзд: этот символ так же обозначает непорочное зачатие. Кроме того, если Христа звали Утренней Звездой, то Деву Марию – Звездой Морской, поэтому звёзды - её символ. Среди присутствующих на картине символов пальма в нижнем левом углу обозначает победу Христа над смертью, зеркало справа – благоразумие. Картина хранится в Мадриде, Прадо.

На картине «Детство Девы Марии» (1632-1633). (Илл.2) Дева Мария изображена, как обычная маленькая испанка. Она сидит, молитвенно сложив руки на коленях. На этом полотне прослеживается влияние Караваджо на Сурбарана: сильный контраст светлого и тёмного позволяет отнести произведение к тенебризму. Картина выстроена так, что, глядя на неё, мы словно попадаем в мир девочки: видим вышивку, корзину с тканью и ножницы, цветок на столе – Сурбаран очень внимательно относился к деталям, изображая события библейских сюжетов в окружении знакомых его современникам предметов. Книга на столе обозначает мудрость: часто её держат в руках пророки и евангелисты. Так же в момент Благовещения Мария изображается читающей книгу. В вазе справа от девочки мы видим розы и лилии: лилии – символ чистоты и невинности, розы – символ Богоматери, в их честь розетки в соборах получили своё название. Картина хранится в Нью-Йорке, Метрополитен.

«Портрет Диего Деза» (ок.1630). (Илл.12) так же является картиной, изображённой в технике тенебризма. Диего де Деза — второй генеральный инквизитор, профессор теологии университета в Саламанке, архиепископ Севильи, а после смерти Торквемады генеральный инквизитор Испании. В течении его деятельности были сожжены 1.664 лица, а разным наказаниям и штрафам подвергнуты 52.456 лиц. Деза был европейского происхождения и, несмотря на жестокость, с которой преследовал маранов, он к концу своей жизни подвергся публичному обвинению, что в душе оставался евреем. На картине его вид спокоен, в нём ощущается власть и величие. Рядом лежат книги как символ мудрости и колокольчик как символ власти. Картина хранится в Пасадене, музее Нортона-Саймона.

В период своего творческого расцвета Сурбаран крайне удачно сочетал суровость и монументальность образов (преимущественно образов святых), с их внутренней живостью и выразительностью. В 1650-х годах в его картинах стали появляться черты эмоциональной взволнованности и лиричности.

Для Сурбарана особенно характерны сцены из житий святых, а также монастырский быт, например «Молитва св. Бонавентуры при выборе папы Григория Х». Хоть в его творчестве и присутствовали натюрморты, мифологические и исторические картины, но религиозная живопись преобладала над ними. В то же время, в его картинах всегда присутствовала реальная жизнь: облик святых был присущ людям того времени, на картинах присутствовали знакомые предметы была, интерьеры и мебель.

В течение всего творчества Сурбарана привлекало изображение монументальных, стоящих во весь рост одиночных фигур святых, монархов, легендарных и реальных деятелей церкви. Эти образы создают славу и известность мастеру. Фигуры людей в тяжелых рясах, они массивные, словно отрешенные от мира, суровые, их лица серьёзны и замкнуты, полны внутренней силы (ученые монахи ордена мерседариев Иеронимо Перес, Франсиско Сумьель, Педро Мачадо, около 1633, Мадрид, Академия Сан Фернандо; портрет доктора права Саламанкского университета (1630 или 1658, Бостон, Музей изящных искусств; монахи - картезианцы из монастыря в Херес де ла Фронтерра в Музее Кадиса).

«Прекрасным портретистом выступает Сурбаран в серии из одиннадцати одиночных фигур, исполненных им для монастыря мерседариев в 1634 году. Это изобра­жения ученых монахов ордена. Все они написаны в рост, лицом к зрителю; почти около каждого стоит столик с книгами, чернильницей и пером, иногда виден лист бумаги, подсвечник со свечой. Но все эти люди не одно­образны и отличаются друг от друга глубокими инди­видуальными чертами. Все фигуры рельеф­но выделяются на темном фоне. Построение каждой из них пирамидально: складки широких одежд, тяжело падающие вниз, образуют мощный постамент. Чудесны тонкие оттенки белых серебристых тонов плотных одежд монахов». ⁶

О мощной пластике образов и эмоциональной силе творений Сурбарана позволяет судить «Св. Лаврентий» (1636). (Илл.16), это громадное полотно, написанное в 1636 году для монастыря Сан Хосе в Севилье, которое было вывезено во Францию войсками Наполеона, а затем продано на аукционе в собрание Государственного Эрмитажа. На полотне изображена фигура святого юноши в великолепном вышитом золотом дьяконском облачении, который высится на фоне пейзажа и держит железную решетку, на которой был сожжен заживо. Для лица мученика Сурбаран использует портрет монаха, написанный им прежде, в конце 1620-х годов. Его Святой Лаврентий очень отличается от обуреваемых страстями мучеников Рибера: лик его светел и возвышен. Картина является одновременно наполненной драматизмом и умиротворением: тёмный силуэт Святого, облокачивающегося на решётку, даёт картине напряжённость, но лик святого не несёт боли, и жемчужно-серебристые оттенки заднего плана кажутся спокойными. Христианский мученик Лаврентий, уроженец Арагона, был близок испанскому сердцу. В коренастой, господствующей на полотне фигуре Лаврентия, в широких очертаниях роскошного вышитого серебром и золотом темно-красного дьяконского стихаря и падающей тяжелыми складками белой рясы есть что-то сильное, могучее, незыблемое. Этот испанский юноша с простым лицом крестьянина мужественный и прочно связан с землей, так же, как прочно стоит на ней. Страшный силуэт решетки вырисовывается на фоне далей пейзажа и серебристо-голубоватого неба. Картина полна спокойного величия, где сквозь легкие облака струится рассеянный золотистый свет. Картина хранится в С-Петербурге, Эрмитаж.

«Он написан на ши­роком светлом фоне неба, простирающегося над холмистой долиной. Святой держит в руке свой атрибут - железную решетку, на кото­рой он, как рассказы­вает легенда, был сож­жен при древнеримском императоре Валериа­не. Сурбаран изобразил человека, идущего на смерть. Он взволнован, его глаза подняты к небу, рот полураскрыт, тенью подчеркнуты го­рестные складки, кото­рые залег ли в углах губ, но сдержан жест правой руки, прижатой к гру­ди. Фигура монумен­тальна. Подол белой су­таны с крупными тяже­лыми складками образу­ет как бы пьедестал; осязательно передана плотная твердая ткань стихаря, расшитого зо­лотым выпуклым орнаментом. Голова выделяется на золотисто-теплом фоне неба, постепенно переходящем в серебристо-серый. Эта расцветка неба, гранатово-красный стихарь, белая сутана с глубокими тенями в складках и блеск золотой вышив­ки, в которую входят местами серебряные нити, создают чудесную красочную гамму. Рисунок орнамента прори­сован светлой охрой в местах узора золотого шитья и белилами с введением черной краски в серебряном. Этим приемом сразу дается разница между теплым золоти­стым тоном и холодным серебряным». ⁷

Картина «Христос-Младенец» (1635-1640). (Илл.15) выполнена в приглушённых, жемчужно-светящихся тонах, отчего создаётся атмосфера горнего мира. Лицо Младенца Христа светлое и доброе, его жест неспешный, и в то же время повелевающий. В руках он держит крест. Одежда кажется мягкой и ниспадает тяжёлыми складками. Картина хранится в Москве, ГМИИ им.Пушкина.

Картина «Христос-Вседержитель» (1638). (Илл.17) выполнена в технике тенебризма, что даёт ей особую выразительность. Лик Христа светел и грустен, его жест спокойный и повелительный. «Вседержатель» или «Пантократор» обозначает «Властелин всего» или «Правитель мира», поэтому в руках он держит крест и опирается на шар. Божественный свет вокруг Христа делает картину ещё теплее. Картина хранится в Мадриде, Прадо.

Изображённый на картине «Святой Франциск на молитве» (1639). (Илл.18) Франциск Ассизский был католическим святым, учредителем названного его именем нищенствующего ордена. Знаменует собой перелом в истории аскетического идеала и новую эпоху в истории западного монашества. Основным свойством Франциска было живое, отзывчивое чувство сострадания. По преданию, Франциск совершил много чудес, он исцелял слепых, воскрешал мёртвых, лечил паралитиков, ревматиков, прокажённых, больных водянкой. На картине он изображён за молитвой с черепом в руках, напоминающем о смертности человека, и с книгой, говорящей о его мудрости. Одежды его просты и рваны, а контраст света и тени делает атмсоферу картины напряжённой, заставляя задуматься о жизни и смерти. Картина хранится в Лондоне, Национальной галерее.

На картине «Мученичество святого Иакова» (1640). (Илл.19) изображён Иаков Старший — апостол Иисуса Христа, упоминаемый в Новом Завете. Святой Иаков, чудесно являвшийся во время битв с маврами, стал покровителем Испании и Реконкисты. Видя сильное влияние апостола, иудейские начальники стали опасаться, как бы весь народ не обратился ко Христу, и решили склонить Иакова к отречению от Христа, или умертвить его. При большом стечении народа апостола ввели на портик храма, и спросили: «Скажи нам о распятом?» — «Вы спрашиваете меня об Иисусе? — громко сказал праведник. — Он сидит на Небесах одесную Всевышней силы и снова придет на облаках небесных». В толпе оказалось много христиан, которые радостно воскликнули: «Осанна Сыну Давидову!» Первосвященники же и книжники закричали: «О, и сам праведник в заблуждении!» и сбросили его на землю. Иаков мог еще подняться на колени и сказал: «Господи, прости их! Они не ведают, что творят». «Побьем его камнями», — закричали его враги. Один священник начал уговаривать их: «Что вы делаете? Видите, праведник за вас молится». Но в эту минуту один изувер, по ремеслу суконщик, ударил своим вальком апостола по голове и умертвил его. Вместе с ним было умерщвлено много христиан. На картине изображён момент смерти апостола. Картина динамична по движениям, но спокойна по цвету. На переднем плане святой и его убийца, стоящие слева люди сливаются в один ряд, а ангел несёт венок – символ мученичества. Картина хранится в Мадриде, Прадо.

«Распятие с донатором» (1640). (Илл.20) входит в цикл картин распятия. Эта картина более позднего периода. На ней тени глубже, Христос не оторван от фона, а сливается с ним. Мы не видим его лица. Слева от Христа стоит донатор. Донатор — это заказчик или строитель католического храма либо заказчик и даритель украшающего храм произведения. В церковном изобразительном искусстве Средних веков и эпохи Возрождения были распространены изображения донаторов, — как правило живописные, реже скульптурные. Донатор — строитель храма обычно изображался с моделью храма в руках. Вообще же, как правило, донатор изображался предстоящим перед Христом и Богоматерью или перед святыми. Картина хранится в Мадриде, Прадо.

В творчестве художника преобладало изображение святых, большую славу живописца составили в том числе его прекрасные женские образы. Группа женщин - святых в облике знатных севильянок - была написана им с участием мастерской в 1635-40-х годах; назначение этого полотна ныне неизвестно.

В женских образах святых, написанных с красивых севильянок, преобладала отличная от прочих, более декоративная и светская тональность. Мастерство живописца проявилось здесь в передаче дорогих украшений и тканей, в звучном и нарядном колорите. До сих пор не ясно назначение этой серии. Картины разошлись по разным музеям Испании и других стран Европы. Самая известная из них — изображение Святой Касильды в богатом туалете, с цветами в руках (1630—1635, Мадрид, Прадо). За последние годы его традиционное название изменилось: вместо персонажа легенд, дочери мавританского правителя Толедо, появилось реальное историческое лицо - королева Португалии Изабелла, которая была причислена к лику святых. Арагонская принцесса, супруга Диниша I, известная в Португалии как Раинья Санта, т. е. Святая королева, была канонизирована за свое безграничное милосердие. Оба изображения объединяет легенда, которая восходит к кругу известных бродячих сюжетов о превращении тайно приносимого хлеба узникам в цветы. В галерее святых женщин Сурбарана это единственный, хотя и вымышленный, портретный образ.

Одиночные фигуры женщин, выступающих в роли святых, составляют целую портретную галерею. Их фигуры одиночные и по монументальности и характерности ничем не отличаются от мужских портретов. Они облачены в тяжёлые парчовые и шёлковые одежды, ниспадающие тяжёлыми складками, свойственными для Сурбарана, и скрывающие фигуру.

Картины разошлись по разным музеям Испании и других стран Европы. Самым известным полотном художника является изображение св. Касильды в богатом одеянии с цветами в руках (Прадо). За последние годы его традиционное название изменилось: вместо персонажа легенд появилось реальное историческое лицо - королева Португалии Изабелла, которая была причислена к лику святых. В галерее Сурбарана образ не самой молодой и привлекательной дамы уступает другим, юным, изящным, элегантным (таким как «Св. Марина», «Св. Доротея», «Св. Инесса» из севильского госпиталя де ла Сангре, ныне хранящаяся в Севилье, Музей изящных искусств; «Св. Маргарита», Лондон, Национальная галерея; «Св. Аполлония», Париж, Лувр). Изображения святых женщин рельефны и пластичны.

Картина «Святая Доротея» (1648).(Илл.5) полна напряжённого покоя святой. Св. Екатерина (Доротея) была дочерью правителя Александрии во время правления императора Максимина. Она объявила родителям, что выйдет замуж только за того, кто превзойдёт её в знатности, богатстве, красоте и мудрости. Мать Екатерины, тайная христианка, повела её за советом к старцу, который сказал, что он знает Юношу, Который превосходит её во всем - Иисуса. Образ Жениха Небесного родил в душе святой девы горячее желание увидеть Его. Старец велел Доротее молиться Царице Небесной — Матери Небесного Жениха о даровании видения Её Сына. Доротея молилась и удостоилась видеть Пресвятую Деву с сыном. Но Младенец отвращал Свой лик от неё, говоря, что она безобразна, худородна, нища и безумна, как и всякий некрещёный человек. Тогда Старец заповедал ей хранить целомудрие и молиться, Крестил её. Тогда Господь ласково смотрел на неё и дал ей перстень, обручив её Себе. Император Максимин подвергал её пыткам, но она оставалась христианкой. Её положили между двух колес, усеянных острыми шипами. Они вращались, разрывая тело несчастной на части. Но с небес грянул гром и явился ангел. Он исцелил раны Доротеи и уничтожил орудие пытки. Увидев это чудо, люд перед всеми исповедал свою веру во Христа. Максимин предложил ей супружество и получил отказ. Святая твёрдо исповедала верность Христу и с молитвой к Нему сама положила голову на плаху под меч палача. Картина хранится в частном собрании.

Девушка, изображённая на картине «Святая Елизавета Тюрингская» (1635-1640). (Илл.6) была венгерской принцессой. Францисканство произвело на Елизавету сильное впечатление, и она решила жить в соответствии с его духом, помогая бедным и нищим. Всё свободное время Елизавета отдавала служению обездоленным, что не нравилось её мужу, корившему жену за расточительство денег. Житие Елизаветы повествует о том, как однажды муж встретил её на улице, когда она несла хлеб в переднике, чтобы передать его бедным. Когда он раскрыл передник, чтобы посмотреть, что в нём, то нашёл его полным роз. Легенда о её милосердии рассказывает, что однажды она положила прокажённого младенца в свою постель. Её муж, вернувшись домой, в гневе отбросил покрывало и обнаружил не больное дитя, а Младенца Христа, лежащего там. Картина хранится в Бильбао, Музее изобразительных Искусств.

Мученицу Урсулу, написанную на картине «Святая Урсула» (1635-1640). (Илл.7) изображают со стрелой в руках, как символом её смерти. Согласно преданию, Урсула жила в середине IV века и была обратившейся в христианство дочерью британского короля. Пытаясь избежать нежелательного брака, она дала согласие при условии, что король должен послать Урсуле в качестве утешения десять благочестивых дев, каждую из которых должны сопровождать тысяча девиц; им должны быть даны корабли и три года, которые они могли бы посвятить своему девичеству, а жених должен принять христианскую веру и изучить христианские обычаи. Ангел явился Урсуле и сказал вести женщин в Рим, вернуться, и принять в Кёльне венец мученической смерти. На обратном пути под Кёльном на паломниц напали гунны. Возмущённые принятым девами обетом безбрачия, они их всех истребили. Последней погибла Урсула, отказавшаяся стать женой пленённого её красотою вождя гуннов. Позднее католическая церковь объявила Урсулу святой мученицей за веру. Картина хранится в Генуе, музее Страда-Нуова.

К пику творческого расцвета Сурбарана принадлежат и его прекрасные и красочные натюрморты. Как и в сюжетной картине, в них заложен принцип решенной в одной плоскости статичной композиции с предельной четкостью форм и объемностью. На первый взгляд кажущееся простым решение натюрмортов Сурбарана связано тонким ритмом, созвучием красок и очертаний предметов. Некоторые натюрморты можно отнести к каждодневности (например, «Натюрморт с четырьмя сосудами», 1634, Прадо), в то же время в других звучность ярких цветовых оттенков и язык пластических форм создают образ почти ритуальной торжественности (такие как «Натюрморт с апельсинами и лимонами» 1633 года, ранее - Флоренция, бывшее собрание Контини-Бонакосси, ныне - Музей Нортон Саймон, Пасадена, штат Калифорния).

На картине «Натюрморт с четырьмя сосудами» (ок.1660). (Илл.10) изображены чаша на блюде, два сосуда и третий сосуд на блюде. Большой контраст между светом и тенью относит картину к тенебризму. Формы предметов очень чёткие, цвета сближенные, предметы не перекрывают друг друга. Картина хранится в Мадриде, Прадо.

На картине «Натюрморт с фруктами и чашкой» (1633). (Илл.11) изображено блюдо с лимонами, плетёная корзина с айвой и чашка на блюде, на котором также лежит роза. Картина выполнена в технике тенебризма, предметы написаны очень чётко и словно спокойно дышат: предметы, написанные Сурбараном, выглядят особенными. Если рассматривать предметы, как символы, то роза является символом Девы Марии, а айва – символом супружества и плодородия. Картина хранится в Пасадене, музее Нортона-Саймона.

«Плоды выглядят у Сурбарана не как заманчивые, соблазнительные для зрителя вкусные яства, а как дары от чистого сердца, поднесённые художником кому-то другому»⁸

«Натюрморты напоминают произведения Санчеса Котана» - по скупости подбора предметов, реалистичности композиции, изысканности колорита, общей эмоциональной выразительности. ⁹

Неоспоримый талант Сурбарана наиболее ярко проявлялся в области монументальной религиозной живописи, а также в натюрморте. В натюрмортах, как и в сюжетной картине, он изображал статичную композицию, решенную в одной фронтальной плоскости с четкостью объемных форм и предельной объемностью. В натюрмортах Сурбарана предметы выстраиваются в один ряд, и ни один не закрывает другого. При беглом ознакомлении с творчеством художника их построение может показаться слишком простым, но оно, связанное тонким очертанием предметов, созвучием их форм и красок, отличается монументальной красотой и необычайной целостностью. Обобщенность трактовки никак не препятствует точному восприятию материальной фактуры. Натюрморты Сурбарана захватывают поэтическим претворением, а не правдоподобием воспроизведения привычной реальности.

«Внимание к вещам, окружающим человека, сделало Сурбарана первоклассным мастером натюрморта. Кни­га, ваза с цветами, корзинка для плодов, металлическое или фаянсовое блюдо, кружка, оброненный цветок часто вводятся им в религиозные картины. Все эти предметы -неотъемлемая часть композиции, подчерки­вающая быт, вкусы и привычки людей». ¹⁰

Натюрморт, равно как и портрет, являлся для живописца выражением его подхода к натуре. Натюрморты его крайне реалистичны. В них передана материальность и вещественность предметов, порой достигающая иллюзии осязания. Каждый предмет натюрморта изображен отдельно, не перекрывая другие, затем, чтобы можно было почувствовать его красоту и важность. По сравнению с произведениями других жанров до наших дней сохранилось сравнительно мало натюрмортов Сурбарана. Он создавал их преимущественно во времена расцвета своего творчества (1630-1640-е), раскрывая тем самым сильнейшие стороны своего таланта именно в изображении реального и предметного мира.

«Художник почти благоговейно относится к этим плодам и цветам, к их форме, цвету. Он передает ноздреватую кожу лимонов, твердые листья вечнозеле­ного дерева, нежную хрупкость лепестков розы с каплей росы. Он сопоставляет предметы друг с другом, отме­чает их рефлексы, отражения». ¹¹